La intención de esta lista es desenterrar películas poco conocidas para diferentes gustos, junto a obras obligadas sobre el tema; historias basadas en cómics, cómic alternativo, historieta o manga.
Por Hugo Arteaga*
Últimamente las películas basadas en personajes de cómics han gobernado la taquilla, ocasionando que múltiples cinéfilos, críticos y autores se pronuncien contra esta tendencia; considerando a estas superproducciones simplemente como “arte menor” o “blockbusters taquilleros sin mérito artístico”.
Como fan del cine y del cómic, respeto mucho este punto de vista, aunque también lo considero altamente debatible, ya que el arte secuencial ha demostrado ser un medio creativo y artístico cuya gran capacidad para tratar temas complejos y profundos puede verse en Los Leones de Bagdad de Brian K. Vaughan, o en la devastadora analogía sobre el holocausto que presentó Art Spiegelman con Maus. Por otro lado, la maleabilidad que permite traducir este tipo de historias del panel al celuloide, ha dado como resultado extraordinarias propuestas cinematográficas como Camino a la Perdición (2002), dirigida por Sam Mendes, basada en la novela gráfica de Max Allan Collins, o Una Historia Violenta (2005), dirigida por David Cronenberg, basada en el cómic de John Wagner y Vince Locke.
Mi punto es que no todo el cine basado en cómics recae exclusivamente en Marvel, DC, o siquiera en superhéroes, ya que el arte secuencial es muy vasto y debería considerarse simplemente como otro recurso narrativo más para contar una historia.
El matrimonio entre el Séptimo Arte y el Noveno Arte va más allá de mega producciones sobre superhéroes (las cuales también amo profundamente y no intento menospreciarlas). Por esto, como fan de ambos medios, mi intención con esta lista es desenterrar películas poco conocidas para diferentes gustos, junto a obras obligadas sobre el tema; incluyendo historias basadas en cómics (obviamente), cómic alternativo, cómic strip, historieta, manga, etc.
Busquen la película, busquen el cómic y ojalá les gusten.
12.- Gwendoline (Just Jaeckin, 1984)
Gwendoline es una monja quien escapa del convento para encontrar a su padre, un científico que desapareció misteriosamente buscando una elusiva mariposa en el Valle de Yik Yak. Junto con su amiga Beth y un aventurero conocido como Willard, atravesarán exóticas tierras orientales, selvas y desiertos, hasta encontrar una antigua civilización habitada únicamente por mujeres.
Si Gwendoline se estrenara hoy, sería cancelada en 24 horas; 48, si cae en fin de semana. Ya que, aunque es una absurda y divertida comedia de acción y aventura, también representa perfectamente esta colisión generacional que vemos últimamente donde ciertos temas y humor que una generación aceptaba y apreciaba en su momento, actualmente resulta ofensiva.
Basada en el influyente cómic BDSM Sweet Gwendoline de John Willie, y dirigida por uno de los gigantes del cine erótico y autor de Emmanuelle (1974) e Historia de O (1975), Gwendoline fue un curioso intento del director para conectar con el público joven. Después de ver el éxito de proyectos como Star Wars e Indiana Jones, Jaeckin dijo y cito: “No quiero ser conocido sólo como director de cine erótico. Quiero hacer algo para los jóvenes”. Y en su mente, esto significaba crear una película donde cien modelos topless en tanga se enfrentan en carros romanos arrastrados por más modelos topless en tanga.
Protagonizada por Zabou Breitman (talentosísima actriz francesa y dueña de mi corazón) y Tawny Kitaen (indiscutible musa del “Glam Rock” ochentero), Gwendoline no sabe o no entiende lo ofensiva que realmente es. Y aunque no defiendo su sexismo ni los estereotipos raciales que presenta, su mezcla de ingenuidad e ignorancia, junto con un extraordinario diseño de producción, escenas sangrientas, sexuales, absurdas y arcaicas, la han convertido en una de mis grandes favoritas, así como en una película no apta para los estándares sociales actuales.
11.- Baba Yaga (Corrado Farina, 1973)
Valentina es una fotógrafa de Milán especializada en moda y temas controversiales. Una noche, regresando a su casa de una fiesta, conoce a una misteriosa y atractiva mujer madura llamada Baba Yaga. Fascinada con la joven fotógrafa, esta tétrica mujer poco a poco la arrastrará hacia un mundo lleno de brujería, crímenes sobrenaturales y sadomasoquismo.
Durante los 60, surgió en Italia una extraña tendencia sobre desarrollar versiones cinematográficas de personajes subversivos provenientes de los “fumetti” (cómics italianos) como, por ejemplo: Danger: Diabolik (1968) o Satanik (1968). E indudablemente, una de las cintas más aclamadas proveniente de esta moda fue Baba Yaga. Basada en la tira creada por Guido Crepax, “Valentina” es uno de los cómics más trascendentales de su tipo, ya que al abarcar ciencia ficción, crimen, y eventualmente erotismo BDSM, terminó influyendo en artistas del cómic erótico como Milo Manara; así como a grandes autores del cómic tradicional como Frank Miller, quien revolucionó y dio nueva vida a Batman con El Regreso del Caballero Oscuro.
Al igual que la tira, Baba Yaga juega con varios géneros al mantener el fetichismo BDSM de su material original, mezclándolo con el “giallo”, subgénero italiano sobre film noir, crimen y horror, muy popular en esta época. Y al igual que otras cintas “giallo”, Baba Yaga sacrifica elementos narrativos para enfocarse en una hermosa estética gótica que constantemente recrea paneles del cómic original, mientras narra lentamente una lúgubre y erótica historia sobrenatural.
Gracias a su oscura propuesta, junto con estilizadas y surrealistas escenas que representan los sueños y fantasías de nuestra protagonista, Baba Yaga está considerada como un clásico del cine BDSM, así como una obra obligada para los amantes del “giallo” y fanáticos del cómic.
10.- Las momias del Faraón (Luc Besson, 2010)
Cuando el profesor Espérandieu descubre una técnica para revivir a los muertos, Adèle Blanc-Sec, la afamada periodista y aventurera, se embarca para obtener la momia de Patmosis, médico personal de Ramsés II. Utilizando los poderes del profesor, Adèle quiere revivir a la momia y aprovechar sus conocimientos ancestrales en medicina para curar a su catatónica hermana. Pero todo se complica cuando, sin querer, el profesor revive a un pterodáctilo que aterroriza las calles de Paris.
Recientemente, el Steampunk ha ganado gran popularidad gracias a la moda, el cine, videojuegos y TV. Pero muchos olvidan o desconocen a su hermanito menor: el Gaslight Fantasy o Fantasía Victoriana. La gran diferencia entre ambas es que el Steampunk se inclina hacia la ciencia ficción, mientras que el Gaslight Fantasy tiende hacia lo mágico y sobrenatural, tomando influencias de Lovecraft, Edgar Allan Poe y Arthur Conan Doyle.
Jacques Tardi creó en 1976 el cómic Las Extraordinarias Aventuras de Adèle Blanc-Sec como una parodia del Gaslight Fantasy; pero gracias a su humor e imaginativas historias, pronto se convirtió en un éxito, siendo Luc Besson uno de sus tantos fans. Y aunque Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas (2017), otra de sus cintas basadas en un cómic, obtuvo mayor atención, este proyecto fue su primera incursión en las adaptaciones cinematográficas de un cómic.
Lo que hizo tan exitoso al cómic fue su mezcla de humor, junto con exageradas y creativas narraciones donde Adèle enfrentaba horrores Lovecraftianos, e incluso combatió al temible Pazuzu, el demonio de El Exorcista (1973). Esta película adapta fielmente el humor y temática caricaturesca del cómic, por lo que muchos fans de Besson quedaron decepcionados, ya que esperaban algo más similar a la violencia poética de obras previas como El Perfecto Asesino (1994) o El Quinto Elemento (1997).
Personalmente yo adoro esta película. Es emocionante, divertida y visualmente impactante. Y, sobre todo, está estelarizada por mi futura ex esposa: Louise Bourgoin.
9.- Tank Girl (Rachel Talalay, 1995)
Durante el año 2033, el mundo sufre una sequía global y la poca agua restante es controlada por la Compañía Water & Power quienes, para adueñarse de un terreno rico en agua, asesinan a sus habitantes y toman como prisionera a Rebecca, una aguerrida y malhablada sobreviviente. Después de ser torturada, Rebecca roba un tanque y escapa para declárale la guerra a dicha corporación.
Basada en la tira contracultural de humor adolescente creada en 1988 por Alan Martin y Jamie Hewlett, y dirigida por la aprendiz y protegida del genio del Trash Cinema: John Waters; Tank Girl es considerada como uno de los mayores fracasos, pero al mismo tiempo, como una cinta extremadamente influyente de su época.
Tank Girl fracasó estrepitosamente por interferencias del estudio, quienes censuraron chistes y eliminaron escenas. Pero también falló por presentar una historia adelantada a su época, con un humor absurdo y violencia caricaturizada tipo Deadpool (2016), lo cual, en los 90, la hizo extraña e inclasificable. Además, múltiples estudios y cierta parte del fandom siempre han batallado con concebir a una mujer como heroína de una adaptación al cómic, lo cual también terminó perjudicándola.
Afortunadamente Courtney Love, cantante de Hole y viuda de Kurt Cobain, fungió como curadora del soundtrack, el cual incluía artistas como Björk, L7 y Portishead. Esta mezcla de un soundtrack femenino, la temática del material original, y, sobre todo, una protagonista fuerte e independiente, convirtieron a esta película en un referente y representante del movimiento Riot Grrrl, uno de los movimientos feministas más representativos de los 90.
Por otro lado, tanto el cómic como la película, fueron la principal inspiración para cuando Harley Quinn pasó de la animación al cómic, y eventualmente al cine; al grado de que Margot Robbie la tomó como referencia para Aves de Presa (2020), e incluso planea un remake del personaje. Finalmente, gracias a Tank Girl, Hewlett, su ilustrador y cocreador, se convirtió en un artista visual reconocido quien, junto con su amigo Damon Albarn, terminaría creando una de las mejores bandas actuales: Gorillaz.
Aunque Tank Girl definitivamente no es para todos, es una de las cintas noventeras de culto más extrañas y apreciadas por sus fanáticos. Y les prometo que es la única película que recomendaré donde la protagonista tiene sexo con un hombre canguro. Probablemente.
8.- Dick Tracy (Warren Beatty, 1990)
Durante el año 1938, el jefe mafioso Big Boy Caprice busca unificar y encabezar a todas las familias de la mafia para adueñarse de la ciudad. Pero para poder lograrlo, antes deberá eliminar a Dick Tracy, un valiente e incorruptible detective.
Creado en 1931 por Chester Gould, Dick Tracy es uno de los personajes clásicos y más icónicos de la historieta estadounidense; pero al mismo tiempo, también es uno de los más olvidados y prácticamente desconocido por las nuevas generaciones. Y curiosamente, su adaptación cinematográfica sufrió éste mismo destino, ya que en su momento, fue una de las películas más visionarias y originales. Pero actualmente nadie la conoce o recuerda y parece que nunca existió.
Actualmente Disney gana millones con el cine de superhéroes gracias a Marvel, pero durante los 80 dudaban sobre participar en este género. Sin embargo, cuando presenciaron el enorme éxito que tuvo Batman (1989), intentaron replicarlo con su primer película basada en un cómic Dick Tracy.
Y aunque se consideró un fracaso por no igualar la taquilla que obtuvo Batman, triunfó en muchísimos otros aspectos, iniciando por su innovadora estética y estilo visual que realmente te hace creer que estás viendo un cómic en movimiento. A través de una paleta vibrante de colores básicos, texturas e impresionante iluminación y fotografía basada en claroscuros, Dick Tracy estableció el plano para cualquier película que intente recrear este estilo tipo cómic como 300 (2006), y, principalmente, Sin City (2005).
Con un impresionante elenco que incluye actores de la talla de James Caan, Dustin Hoffman, y, sobre todo, de un irreconocible Al Pacino bailando y cantando junto a Madonna; Dick Tracy hizo historia al lograr 9 nominaciones al Oscar, incluyendo la primera nominación para un actor por una película basada en un cómic, y cuyo honor le pertenece al legendario Al Pacino. Ganando únicamente 3 estatuillas, fue la adaptación de un cómic con más Oscares ganados hasta que Black Panther (2018) logró empatarla.
Dick Tracy es una joya olvidada del cine. Es emocionante, divertida y extremadamente influyente para muchas obras creadas posteriormente. Por lo mismo, los invito a buscarla y redescubrirla.
7.- Ghost World (Terry Zwigoff, 2001)
Enid y Rebecca son dos inadaptadas y sardónicas adolescentes quienes, después de graduarse de secundaria, pasan sus días rondando su pueblo mientras se burlan de sus habitantes. Como broma, contactan a Seymour, coleccionista de vinilos de mediana edad, para una cita a ciegas. Enid queda fascinada con este solitario hombre e inicia una amistad con él, ayudándolo a encontrar pareja, mientras evita enfrentarse a su propio futuro.
Tanto la película como el cómic, presentan una historia “coming of age” sobre el miedo al cambio, los apegos y la inmadurez en todos los sentidos a través de dos niñas quienes, durante la secundaria, podían darse el lujo de ser frías, ácidas y criticar todo manteniendo cierta distancia. Pero al graduarse, deberán enfrentarse al mundo laboral, atreverse a ser parte de algo, independizarse, y, sobre todo, madurar. Al igual que nuestras protagonistas, Ghost World recurre a un peculiar humor y sarcasmo como mecanismos de defensa para esconder una gran vulnerabilidad que encierra una narrativa crítica y muy profunda. Por lo mismo, gracias a su impecable guion, se convirtió en la primera adaptación de un cómic en ser nominada al Oscar por Guion Adaptado.
Con un impresionante elenco que incluye a Thora Birch, Brad Renfro, Steve Buscemi y a una muy joven Scarlett Johansson, esta es una maravilla del cine indie que todo adolescente debería ver, y de la cual aprendí mucho sobre mí mismo. Sólo espero algún día lograr madurar y aplicar todo lo aprendido.
6.- Barbarella (Roger Vadim, 1968)
Cuando el Dr. Duran Duran escapa junto con una super arma de su invención, el Presidente de la Tierra recluta a Barbarella, una aventurera espacial, para atraparlo y recuperar el arma.
Basada en el cómic erótico de Jean-Claude Forest, es imposible hablar o recomendar cine de culto sin mencionar a Barbarella, ya que es una de las cintas más icónicas sobre el tema. Repudiada por muchos e idolatrada por otros, esta es una divertida, sexy y ridícula película que al menos deberían ver una vez en la vida.
Odio esta frase, pero: Barbarella es una carta de amor al kitsch (arte considerado de mal gusto), la escena psicodélica y la estética de los 60. Si encuentras divertido e interesante al Batman gordito y bailarín de los 60, definitivamente la vas a amar. Si prefieres al Batman de Zack Snyder y obviamente careces de humor, Barbarella te va a ocasionar pesadillas, ya que esta película no se toma tan en serio como lo hacen sus espectadores. Incluso muchos no logran comprender que están viendo una comedia hasta que llegan a la escena con Dildano.
Aunque muchos alaban únicamente su fotografía y diseño de producción, en realidad Barbarella ayudó a romper barreras sobre la censura y el humor erótico (a pesar de que censuraron cualquier mención al infame “Orgasmatrón”). Simplemente su clásico intro convirtió a Jane Fonda en el sex symbol de su época; y su estética ha influenciado a miles de modelos, diseñadores y artistas pop como Duran Duran, Madonna y Lady Gaga.
A pesar de sus haters, Barbarella es considerada como un icono feminista al ser una de las primeras heroínas del cine y de la ciencia ficción. Y su relevancia es inmensurable, ya que cualquier película protagonizada por una heroína siempre termina siendo comparada con ella, incluyendo todas las películas de esta lista que cuentan con una protagonista femenina.
5.- Snowpiercer (Bong Joon Ho, 2013)
En 2014, un intento fallido por detener el calentamiento global sume al mundo entero en una nueva era de hielo. 17 años después, los últimos remanentes de la raza humana sobreviven dentro del Snowpiercer, un tren autosuficiente cuyos tripulantes viven segregados; teniendo, por un lado, a una elite que disfruta el lujo de los vagones frontales, mientras que los habitantes de la cola sobreviven en condiciones infrahumanas. Esta desigualdad desencadenará una violenta revolución de clases dentro del último refugio de la humanidad.
Snowpiercer probablemente es la película más famosa de esta lista, ya que incluso esta misma historia fungió como base para una homónima y bastante defendible serie de Netflix. Sin embargo, decidí incluirla para quienes desconocían que estaba basada en un cómic, así como para aquellos que no la conocían o que aún no la han visto.
Uno de los aspectos que la hacen tan especial es esta mezcla multicultural de visiones artísticas, ya que para empezar, está basada en el cómic francés de 1982 Le Transperceneige de Jacques Lob y Jean-Marc Rochette; fue escrita y dirigida por Bong Joon Ho, uno de los grandes autores de Corea del Sur quien, recientemente, obtuvo su merecido reconocimiento por su cinta Parásitos (2019). Y finalmente, nos presenta a un impresionante y diverso elenco, mucho más familiarizado con el cine hollywoodense. Todas estas distintas visiones y talentos, no solo enriquecen a la película, sino que ayudan a vender el mensaje y moraleja de esta historia (el cual no spoilearé).
Gracias a su cruda denuncia sobre la desigualdad económica, la simbiosis social e, incluso, su curiosa crítica moral y religiosa ante “un poder supremo”; Snowpiercer es un excelente ejemplo de que el cine de acción y ciencia ficción, creado con CGI y basado en un cómic, puede dar como resultado una magnífica obra. Y, sobre todo, demuestra el enorme talento camaleónico de la diosa Tilda Swinton, a quien amo y quien siempre brilla en todo lo que hace.
4.- Ichi The Killer (Takashi Miike, 2001)
Cuando un líder yakuza desaparece junto con una fuerte suma de dinero, Kakihara, su segundo al mando y violento sicario sadomasoquista, se da a la tarea de rastrearlo utilizando sus enfermos métodos de tortura. Eventualmente, averiguará que el culpable de esta desaparición es un inestable y reprimido psicópata conocido como Ichi; un asesino a quien Kakihara considera como su perfecto rival, al ser la única persona que podría inducirle el dolor máximo con el que siempre ha soñado.
Takashi Miike es conocido por sus impresionantes y viscerales historias sobre violencia estilizada y surrealista como Audition (1999) y Gozu (2003) (de las cuales ya escribí y les dejo los links). Y personalmente, considero que la obra que perfectamente ejemplifica su humor negro, su violencia elegante y su gran capacidad narrativa es Ichi The Killer, adaptación del manga creado por Hideo Yamamoto.
Este film es una oda a la violencia, al dolor y al humor políticamente incorrecto. El contraste entre algunas de las escenas más gráficas y sangrientas jamás filmadas, junto con una hermosa atmósfera neón y un caótico movimiento de cámara, te invitan a un bizarro y cruel viaje al que no puedes o no quieres dejar de ver. Y gracias a esto, sus icónicos personajes logran lucirse representando ambos extremos del sadomasoquismo donde Ichi, una sádica máquina de matar que puede infligir el mayor dolor sin realmente entender lo que hace, se enfrenta a Kakihara, el máximo masoquista, famoso por su sonrisa Glasgow, reminiscente al Joker de Heath Ledger, quien a pesar de ser uno de los mejores villanos, constantemente busca con desesperación ser la víctima.
Ichi The Killer es una de las mejores adaptaciones cinematográficas del manga, pero exige cierto humor enfermo y un estómago fuerte. Y precisamente por esto, cuenta con un enorme séquito de seguidores, incluido su servidor.
3.- Battle Royale (Kinji Fukasaku, 2000)
En un futuro cercano, la delincuencia juvenil ha alcanzado niveles preocupantes en Japón. En respuesta a esto, el gobierno promulga la ley Battle Royale, permitiendo que anualmente un grupo estudiantil sea elegido al azar para ser secuestrado en una isla. Aquí deberán luchar por su propia vida, mientras cazan y asesinan a todos sus compañeros de clase hasta que sólo quede un único sobreviviente.
Cuando Kagemusha (1980), una de las mejores obras del maestro Akira Kurosawa fue estrenada, recibió un tibio y modesto éxito inicial que no representaba la calidad de esta obra. Afortunadamente gracias a la aprobación, recomendación y promoción por parte de directores de la talla de Francis Ford Coppola y George Lucas, finalmente obtuvo su merecido reconocimiento. Y algo similar sucedió con Battle Royale, ya que, al presentar un tema tan controversial como adolescentes matándose entre ellos, fuera de Japón no recibió la atención que merecía. Pero gracias al apoyo que recibió por parte de Quentin Tarantino, nombrándola como una de sus películas favoritas, logro convertirse en un éxito.
Basado en el manga homónimo de Koushun Takami, su mezcla entre una temática controvertida, aunada al culto que formó, confundieron a los estudios y distribuidores sobre como venderla. Incluso, durante mucho tiempo se planeó un remake gringo que pasó por años de mano en mano. Considerando la problemática que existe en Estados Unidos con las armas y los constantes ataques en escuelas, el remake permaneció mucho tiempo en el limbo.
Afortunadamente, surgió una obra con temática similar llamada Los Juegos Del Hambre, que resultaba mucho más amigable para el público estadounidense y encajaba perfecto dentro de esta tendencia sobre distopías adolescentes que vimos durante los 2010, y la cual anuló cualquier remake planeado. Y los fans lo celebramos, ya que hay películas que no necesitan remakes.
Battle Royale es una impresionante obra sobre el conflicto generacional, el control y, sobre todo, el miedo hacia una juventud que muchos adultos no entendemos. Pero, sobre todo, habla sobre una perenne capacidad de violencia inherente en nosotros, la cual ha influido en trabajos como La Noche de la Expiación (2013) y El Juego del Calamar (2021).
2.- Persepolis (Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud, 2007)
Marjane es una imaginativa y precoz niña quien atestigua los cambios sociales y culturales que sucedieron durante la Revolución Islámica en Irán a finales de los 70. Ciertas enseñanzas de sus parientes, junto con su espíritu rebelde, chocan peligrosamente con las creencias del estado; por lo que sus padres deciden enviarla a estudiar al extranjero, donde ella experimentará una libertad que no conocía, junto con un racismo y xenofobia que no logra comprender.
Hay quienes al escuchar el término Animación para Adultos, automáticamente lo relacionan con la aparición de, al menos un pezón, escenas violentas y sangrientas, tentáculos, o incluso la infame Regla 34 (ustedes saben quiénes son y no estoy aquí para juzgarlos). Pero, como he mencionado, tanto la animación como el cómic pueden perfectamente presentar historias maduras y profundas que van más allá de la percepción de su público.
Habiendo establecido esto, Persépolis no sólo es una hermosa joya del cine, también es una de las mejores películas animadas con temas adultos que puedes ver (y realmente los invito a ver) con sus hijos. Basada en la novela gráfica y autobiográfica de Marjane Satrapi, esta es una historia sobre la experiencia de la autora creciendo en un Irán dividido, su adolescencia en una Europa privilegiada e ignorante sobre la cultura y los problemas de otros países y, sobre todo, su recorrido para encontrar su propia identidad.
Persépolis es una bella e íntima obra de empoderamiento femenino, escrita y dirigida por su misma protagonista, lo cual la hace muy especial y única. Su historia llena de honestidad, vulnerabilidad y resiliencia ante una trágica situación histórica; aunado a una preciosa animación y estilizada estética con influencia del Expresionismo Alemán, la han convertido en una de las mejores propuestas de la animación, así como en un nuevo y obligado clásico del cine.
1.- Akira (Katsuhiro Ôtomo, 1988)
Años después de la Tercera Guerra Mundial, Neo-Tokio, ciudad construida sobre las ruinas de Tokio, se enfrenta a un caos social, gobernada por un Estado corrupto enfocado en desarrollar el arma perfecta y donde pandillas de jóvenes pasan su tiempo en peleas y carreras de motos. Durante uno de estos enfrentamientos, Tetsuo, un joven huérfano, sufre un accidente y es secuestrado por soldados armados para ser utilizado como sujeto de inhumanos experimentos, desatando en él un enorme poder. Kaneda, su mejor amigo, ahora no sólo debe evitar la destrucción total; sino que también deberá salvar a Testuo de sí mismo.
Basado en el manga homónimo de Katsuhiro Ôtomo, Akira no sólo es una de las mejores obras de la animación, también es una de las más trascendentales, ya que se necesitaría un artículo completo para siquiera dar a entender su inmensurable influencia en la cultura, así como para intentar mencionar la cantidad de creaciones y creadores a los que ha inspirado. Sin embargo, algo que sí merece ser mencionado, es que Akira sirvió como punta de lanza para la Segunda Ola de animación japonesa, la cual le abrió el camino al animé fuera de Japón, permitiendo que producciones de este estilo fueran más aceptadas y apreciadas a nivel mundial.
Pero apartando momentáneamente su relevancia, Akira sencillamente revolucionó al cine animado al mezclar una innovadora animación con temática cyberpunk, junto con una historia llena de crítica social, una relación amor/odio hacia la tecnología y, sobre todo, representando perfectamente el trauma generacional que causó la Segunda Guerra Mundial para el pueblo japonés.
Akira es un monstruo de película, así de sencillo. Por lo mismo, se me dificulta poder escribir todo lo que yo quisiera en un texto tan breve. Sin embargo, invito a quienes no la conozcan a que la apunten en sus pendientes. Incluso aunque no sean fans del animé o de la animación en general, créanme que merece ser vista. Y aquellos que ya son fans, los invito a seguir recomendándola hasta que todos sus conocidos la hayan visto o hasta hartarlos porque no hablas de otra cosa.
Listas Recomendadas:
Swamp Thing (1982) definitivamente pertenece a esta lista, por lo que les invito a leer sobre ella en:
«Las cinco películas más influyentes del cine de Superhéroes»
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* Licenciado en Diseño Gráfico, Analista Cinematográfico y Colaborador de CinEspacio24.
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