En esta lista encontrarás cintas de culto poco conocidas del género fantástico animado; obras con una manufactura artesanal destacada e historias provocativas y entretenidas.
Por Hugo Arteaga*
La fantasía es uno de los géneros cinematográficos más exitosos e innovadores, constantemente presentándonos mundos mágicos e inolvidables personajes. Pero antes de los avances en efectos especiales y del CGI, el mejor recurso que tenían los cineastas para recrear estos universos y contar estas historias era la animación.
Al hablar del cine de fantasía animada existen dos nombres que resultan casi indispensables para este tema: Walt Disney y Hayao Miyazaki. Ambos autores nos han entregado, durante generaciones, impresionantes relatos de fantasía occidental y oriental. Tanto ellos, como sus estudios (Walt Disney Studios y Studio Ghibli, respectivamente), son referentes del cine animado, contando con enorme fama y reconocimiento mundial. Y es precisamente por eso que decidí no incluirlos en esta lista.
Como mencioné, ambos creadores son casi indispensables para hablar del tema. Pero como pasa en cada premiación del Oscar o en discusiones con tu cinéfilo favorito, generalmente las gigantescas superproducciones toman el protagonismo, mientras que obras más oscuras y desconocidas quedan enterradas en el olvido. Sé perfectamente que ustedes son fans aguerridos de la animación y que no necesitan que yo les recomiende Frozen (2013), Valiente (2012) o El Viaje de Chihiro (2001), así que adentrémonos en lo desconocido.
Nuevamente, mi intención con esta lista, es dar a conocer cintas de culto poco conocidas sobre el cine de fantasía animada.
Nota Importante: esta lista incluye tanto películas inocentes y mágicas, como historias violentas con temas sexuales. El que sean películas animadas no significa que automáticamente sean aptas para niños. Por esto, les invito a verlas antes de compartirlas con sus hijos, en lugar de que después se quejen que sus niños lloraron porque la mujer en tanga le cortó la cabeza a un hombre y acusen a CinEspacio24 de pervertir a nuestra preciada infancia. Quedan advertidos.
12.- The Spine of night (Philip Gelatt y Morgan Galen King, 2021)
La Flor Sagrada, una planta que otorga inmenso poder, es el último regalo y la prueba final que los Antiguos Dioses le otorgaron a la humanidad. Cuando un ambicioso erudito le roba esta planta a Tzod, la Bruja del Pantano, él logra convertirse en un dios dictador que arrasa y extermina todo a su paso, mientras algunos aún buscan liberarse de su tiranía.
La “Captura de Movimiento” o “MoCap” es una técnica donde un actor utiliza un traje con puntos e identificadores en su cuerpo para recrear y alterar sus expresiones en una computadora, y ha sido indispensable para crear a personajes como Thanos o Hulk en el Universo Cinematográfico de Marvel. El abuelito de esta técnica, así como un término indispensable para entender esta lista, es la rotoscopia; la cual consiste en filmar actores o situaciones reales y después calcar, dibujar o pintar sobre cada fotograma. La rotoscopia ha servido para crear elementos como los sables laser de Star Wars, así como animaciones realistas y orgánicas para películas como Blanca Nieves Y Los Siete Enanos (1937).
Retomando pues, esta es una ambiciosa y nostálgica antología sobre fantasía, violencia y naturaleza humana. Es un sangriento y gráfico testimonio sobre el abuso del poder, así como un tributo a la rotoscopia y un homenaje a varias películas de esta lista. Últimamente la animación ilustrada ha estado gobernada por diversos estilos altamente marcados como: el animé americano (Avatar: La Leyenda de Aang), el post-Nickelodeon (Hora de Aventura) y, sobre todo, el infame CalArts Style (Gravity Falls). Es por eso que esta película resulta refrescante, al presentar un estilo retro junto a una temática adulta.
Esta cinta merecía mayor reconocimiento gracias a su oscura mitología y talentoso elenco. Pero al ser una película animada para adultos tan sanguinaria y al ser una exclusiva de Shudder (cuya disponibilidad reside en pocos países) recibió poca atención. Los invito a que cambiemos esto después de leer esta lista.
11 – Rock & Rule (Clive Smith, 1983)
Una Tercera Guerra Mundial ocasiona la extinción de la humanidad, dejando a una Tierra habitada por animales antropomórficos viviendo en una sociedad regida por magia, tecnología y música. Es en este mundo donde Mok, un legendario y anciano rockstar, intenta invocar a un demonio extradimensional; pero para hacerlo necesita la voz de Angel, la cantante de un grupo. Cuando Mok secuestra a Angel, sus compañeros se aventuran a rescatarla y detener al demonio.
Nelvana es uno de los estudios de animación más exitosos, creando y participando en series como Los Ositos Cariñositos, Los Padrinos Mágicos y Los Backyardigans. Pero durante los 80 estuvo a punto de quebrar a causa de esta extraña película dirigida hacia un público maduro y cuyos elementos de ciberpunk, su fuerte influencia de Robert Crumb y el Underground Comix, y un soundtrack con tonos punk y New Age terminaron alienando a un público que no la entendió. En parte es entendible, ya que su falta de guion y dirección claramente afectaron el resultado. Esto, aunado a sus imágenes psicodélicas, insinuaciones sexuales y el uso de drogas, asustó a un público que buscaba una experiencia más “Disney”.
Sin embargo, no pasó demasiado tiempo para que desarrollara cierto culto y para que sus fans apreciaran sus grandes aciertos como: su estética única, su impresionante animación y, especialmente, un extraordinario soundtrack conceptual creado específicamente para la cinta. Durante mucho tiempo, su poca disponibilidad creo un mito sobre esta película “sui géneris” sobre ratones punk postapocalípticos, convirtiéndola en una cinta muy buscada por los fans del cine de culto. Pero a medida que su notoriedad crecía, también crecía su influencia cultural, como pudo verse en las animaciones alternativas de MTV (específicamente Aeon Flux) y en videos de artistas como The Chemical Brothers. Antes para conseguirla necesitabas contactos muy especiales o adentrarte al Inframundo. Ahora se encuentra gratis en You Tube. Aprovechen.
10 – Hechiceros (Ralph Bakshi, 1977)
Después de un Holocausto nuclear el mundo inicia desde cero. La magia reemplaza a la tecnología y surgen nuevas razas como los elfos, las hadas y los mutantes. En este nuevo mundo nacen dos hermanos y grandes magos: Avatar, el noble hechicero quien busca traer paz; y Blackwolf, su malévolo gemelo quien, por medio de propaganda Nazi, gobierna a los mutantes y desea conquistarlo todo.
Bakshi es considerado como el antihéroe rebelde de la animación, ya que gracias a historias con gran carga y crítica social como American Pop (1981), así como cintas transigentes y satíricas como Fritz El Gato (1972), ha conseguido posicionarse como uno de los autores de la animación más interesantes. Y considero que Hechiceros es una excelente propuesta para iniciarse en su trabajo, al presentar perfectamente su idealismo, humor, picardía y hasta el nihilismo y pesimismo que su crítica conlleva.
Hechiceros es una película interesante para recomendar ya que, por un lado, nos entrega a un villano que desentierra artilugios Nazis y redescubre el poder de la propaganda. Pero, por otro lado, presenta soldados en sketches cómicos que bromean sobre su papel en la guerra y su incertidumbre sobre a quién deberían dispararle. También incluye una crítica muy mordaz sobre el papel de la religión organizada dentro de un conflicto armado; pero al mismo tiempo, cuenta con insinuaciones sexuales que fácilmente lograrían cancelarla actualmente. Realmente es una película complicada de vender, así que dejémoslo en esto:
Hechiceros es una historia antibélica que mezcla fragmentos de El Triunfo de la Voluntad (1935) de Leni Riefenstahl, con escenas de elfos y hadas peleando contra Nazis. A esto le añade comedia sexual junto a un androide sicario reprogramado quien elige su bando mientras un par de hechiceros gemelos pelean hasta la muerte. Esta es la sinopsis más épica que haya escrito en toda mi vida.
9.- Fuego y Hielo (Ralph Bakshi, 1983)
Nekron, el oscuro hechicero y gobernante del Reino de Hielo, desea conquistar todo a su paso utilizando un creciente glaciar junto con un ejército de semihumanos. Cuando el Reino del Fuego rechaza su exigencia de rendición, Nekron envía a sus huestes a secuestrar a Tygra, la Princesa del Fuego; pero también deberán enfrentarse con Larn, el último sobreviviente de su tribu, y con Darkwolf, un brutal y misterioso guerrero.
Si alguien supo aprovechar al máximo el recurso de la rotoscopia fue Ralph Bakshi, y esta película es el ejemplo perfecto. Mientras que en Hechiceros Bakshi mezcló su animación con rotoscopia en alto contraste de forma muy literal, en esta película la utiliza para darle a sus personajes movimientos orgánicos y animaciones fluidas que recrean un realismo visual que contrasta con su temática fantástica.
Este largometraje no solo es una joya para los amantes de la fantasía y la animación, o para cualquier niño ochentero, también es un sueño húmedo para cualquier nerd que se digne de serlo, ya que fue escrita por Roy Thomas (sucesor de Stan Lee como Editor para Marvel y co-creador de personajes como Vision, Ultron y Wolverine) y Gerry Conway (legendario escritor de cómics y afamado co-creador de Jason Todd/Robin II para DC, y de Punisher para Marvel). Y, por si fuera poco, fue dirigida y conceptualizada por Bakshi y por Frank Frazetta, uno de los genios ilustradores del arte fantástico.
Desde hace tiempo, Robert Rodríguez ha expresado su amor por esta película, así como su enorme interés en escribir y dirigir una versión live action. Y aunque Frazetta falleció en 2010, y Bakshi no desea estar involucrado, Rodríguez aún considera este proyecto como uno de sus planes a futuro.
8.- El Hobbit (Jules Bass y Arthur Rankin Jr., 1977)
Bilbo es un hobbit hogareño y reservado. Pero cuando Gandalf y 13 enanos aparecen frente a su puerta, invitándolo a una aventura, él acepta renuentemente. Durante este viaje deberá enfrentar a trolls, orcos y al temible dragón Smaug, ser testigo de un enfrentamiento entre cinco ejércitos y, finalmente, obtener el Anillo Único en un enfrentamiento de adivinanzas contra Gollum.
A pesar del éxito de la franquicia de El Señor De Los Anillos de Peter Jackson, mucha gente olvida o desconoce que existe otra trilogía en versión animada, la cual consiste en esta entrega, El Señor de los Anillos (1978) y El Retorno del Rey (1980). Las menciono para quienes no las conozcan, así como para entrar en contexto. Y decidí hablar de El Hobbit no sólo porque es el inicio de la saga, sino porque, personalmente, la considero superior a sus secuelas.
El fandom es muy difícil de complacer. Aunque algunos consideran a la trilogía original de Jackson como la interpretación definitiva de la obra de Tolkien, existe otro bando que continúa quejándose sobre la exclusión de Tom Bombadil o sobre la industrialización de Hobbiton por Saruman. Y ni hablar de la trilogía moderna de El Hobbit. En los 70 existió un escenario similar, donde algunos fans consideraban esta versión como algo simplificado e infantil (con demasiadas canciones para un público moderno fan de la trilogía de Jackson). Por lo mismo, la siguiente entrega quedó a cargo de Ralph Bakshi, quien cambio toda la estética, incluyó rotoscopia y le dio un tono mucho más maduro. Esto satisfizo a parte del fandom, mientras otros exigían regresar al tono familiar de El Hobbit. Así que la tercera entrega volvió a manos de Rankin-Bass.
Hablar sobre berrinches del fandom a través de las décadas es muy extenso, por lo que mejor los invito a olvidar momentáneamente la versión de Jackson, y ver esta propuesta animada con nuevos ojos. Seguramente encontrarán algo nuevo.
7- Gandahar (René Laloux, 1987)
Gandahar es un mundo idílico que ha vivido en paz por años gracias a sus experimentos genéticos y su contacto con la naturaleza. Esta utopía se verá interrumpida por un ejército de hombres robot quienes petrifican y cosechan a sus habitantes. Por esto, las gobernantes de Gandahar envían a Sylvain a investigar este misterio, eventualmente descubriendo oscuros secretos sobre esta perfecta sociedad.
Basada en la novela de Jean-Pierre Andrevon, junto con una marcada influencia del arte de Jean Giraud “Moebius”, Gandahar demuestra que la animación puede prestarse para tratar temas maduros, como la responsabilidad ética del avance científico, o el precio por ocultar secretos vergonzosos por el bien común. Y su estética surrealista y fantástica ayuda a reforzar temas tan complejos como el fascismo, los prejuicios clasistas y la individualidad.
Por esto constantemente es comparada con El Planeta Salvaje (1973), cinta de la cual hablaremos en breve. Pero, aunque ambos films fueron dirigidos por Laloux y son extraordinarios representantes de la animación que comparten ciertos temas y elementos estéticos en común, obviamente deben apreciarse y calificarse como obras autónomas.
Finalmente, Gandahar es un gran ejemplo sobre la importancia de la música y el audio para el cine, ya que la versión original francesa cuenta con un soundtrack orquestal, mientras que la versión estadounidense utilizó una pista de rock progresivo. Y para el doblaje, esta versión contó con talentos como Glenn Close y Christopher Plummer, quienes añadieron profundidad y peso en sus actuaciones. Aunque la versión original y la estadounidense son la misma película (fuera de una escena de sexo censurada), la diferencia del soundtrack y el enfoque que se le dio al doblaje, hacen que cada versión desarrolle su propio tono y emotividad, ya que cada una causa un efecto muy diferente en el espectador. Por lo mismo, ver ambas versiones funciona como el ejercicio perfecto para comprender la semiótica auditiva en el cine.
6.- El secreto del libro de Kells (Tomm Moore y Nora Twomey, 2009)
Durante el siglo IX la abadía irlandesa llamada Kells divide sus esfuerzos en construir una muralla para protegerse de los vikingos, y en escribir y conservar libros. Cuando el Hermano Aidan, un maestro ilustrador y guardián del inconcluso “Libro de Iona” llega a la abadía, recluta al pequeño Brendan como aprendiz. Durante una misión para crear tinta, Brendan se adentra al bosque, donde conoce a Aisling, una pequeña y adorable hada quien guiará y protegerá a Brendan, ayudándolo a terminar el libro.
Este film es indudablemente una joya moderna de la animación. Gracias a su estética altamente estilizada, junto con una rica mezcla de religión católica, paganismo y arte celta, es considerada tanto precursora como heredera de los grandes autores de la animación; ya que ha sido comparada con las obras de Miyazaki y con la Era Dorada de Disney.
Últimamente, y con merecidas excepciones, la animación por computadora ha dominado este género. Es por eso que cuando aparecen obras aún realizadas de forma artesanal, ilustradas a mano, siempre resultan refrescantes e impactantes. Y esta película definitivamente creó un impacto en el mundo de la animación, no sólo por entregarnos esta hermosa historia, sino porque fue la introducción y presentación de Moore y Twomey, considerados ahora como futuras leyendas de la animación.
Aunque esta película recibió nominaciones y premios por medio mundo, incluida una nominación al Oscar, eventualmente terminó sepultada por cintas más populares y taquilleras, cayendo casi en el olvido. Personalmente, los invito a redescubrirla y también a apreciar el trabajo de sus creadores, quienes cada vez que entregan una nueva obra, son elogiados y nominados para todos los premios existentes, incluyendo el famoso Oscar; y quienes han creado magistrales obras animadas como La Canción del Mar (2014), El Pan de la Guerra (2017) y Wolfwalkers (2020).
5.- La Ratoncita Valiente (Don Bluth, 1982)
La Sra. Brisby es una ratoncita viuda criando a cuatro hijos por sí sola. Cuando la enfermedad de su hijo menor coincide con la fecha en que la granja donde viven será arada por un tractor, ella hará todo lo posible por salvarlo. Lo cual incluye acudir al Gran Búho, mover su casa y aliarse con una sociedad de ratas sumamente inteligentes, eventualmente descubriendo el secreto de NIMH.
Hace tiempo escribí un texto sobre la Era Oscura de Disney, donde durante algunos años Disney incursionó en propuestas enfocadas hacia adolescentes y adultos, experimentando con distintos géneros. Fue en esta etapa cuando estrenó films animados como El Caldero Mágico (1985) y El Zorro y el Sabueso (1981), con narrativas oscuras de las cuales ahora reniega. Sin embargo, durante esta era, Disney categóricamente rechazó esta historia en particular, la cual trataba de experimentos en animales, magia, fantasía, y cuya protagonista era una ratoncita viuda quien buscaba salvar a su familia.
Y esta es la verdadera trampa sobre esta película, ya que su nombre y su póster prometían una historia para toda la familia, pero los niños salían llorando de los cines antes de que acabara. En su era más oscura y experimental, Disney rechazó esta película por considerarla demasiado perturbadora. Y aunque para los estándares actuales no lo sea, les aseguro que este film traumó a varios de los que están leyendo esto.
Cuando Disney canceló este proyecto, causó un éxodo de artistas y escritores quienes renunciaron y abandonaron al estudio para realizar esta película. Conocidos como los Desertores Disney y lidereados por Don Bluth, eventualmente terminaron creando clásicos animados como Un Cuento Americano (1986), Todos Los Perros Van Al Cielo (1989), y la gran cinta Pie Pequeño En Busca Del Valle Encantado (1988).
4.- El último Unicornio (Jules Bass y Arthur Rankin Jr., 1982)
Una unicornio hembra cree ser la última de su especie, ya que sus pares fueron capturados por el Toro Rojo, un monstruo bovino hecho de fuego. Ella decide abandonar su bosque para resolver este misterio, eventualmente conociendo a Schemdrick, un torpe mago; y a Molly, una mujer quien siempre quiso conocer a un unicornio. Pero todo se complica cuando Schemdrick, intentando salvar a la unicornio del Toro Rojo, termina convirtiéndola en una doncella humana.
Basada en la novela de Peter S. Beagle, esta obra creó un enorme impacto en la animación gracias a sus temas existenciales, melancólicos y oscuros. Y gran parte de su fama y eventual culto, se debió a su popularidad y constantes repeticiones en la televisión, ya que durante los 80, se convirtió en un clásico animado que veías por las mañanas los fines de semana. Aunque amo la versión latina (porque crecí con ella), las voces originales corrieron a cargo de un envidiable elenco como Mia Farrow, Alan Arkin, Jeff Bridges y el incomparable Christopher Lee.
El estudio de Rankin-Bass, creadores de tres obras de esta lista, han sido grandes autores de la animación por décadas, tanto por sus especiales navideños en Animagic (su versión de Stop Motion), como por su incursión en la fantasía con El Hobbit, de la cual ya hablamos. Y algo que caracteriza a sus obras es esta marcada influencia del animé, gracias a su asociación con Topcraft, influyente estudio japonés. Pero cuando Topcraft cerró, Hayao Miyazaki contrató a la mayoría de animadores, artistas y conceptualizadores para incorporarse a su propio estudio: Ghibli Studios.
Por todo esto, ya sea que sean niños ochenteros, fans de la animación, la fantasía o de las obras de Miyazaki, ésta es una obra imperdible, así como un clásico del cine de culto. Para quienes crecieron con ella, espero revivan parte de su infancia; y para quienes no la conocían, les espera un increíble viaje.
3.- El Planeta Salvaje (René Laloux, 1973)
El planeta Ygam es gobernado por una raza de gigantes azules llamados Traags, quienes introdujeron humanos del planeta Tierra en su ecosistema, bautizándolos como Oms. Estos humanos en estado salvaje son considerados como una plaga, mientras que aquellos que crecieron en cautiverio son tratados como mascotas. Cuando Terr, un Om huérfano quien creció siendo la mascota de una familia de Traags escapa, comparte todo su conocimiento a los Oms salvajes, desencadenando una revolución social.
Este film es una de las mejores obras de la animación, ya que interpreta perfectamente la novela de Stefan Wul junto con todos sus elementos de ciencia ficción, fantasía y, sobre todo, la profunda crítica social y política que dirige esta historia. No solamente está hermosa y artesanalmente ilustrada y animada; también nos presenta una sociedad misantrópica que trata a los seres humanos de la misma forma que nosotros tratamos a las ratas o a los insectos.
Esta obra nos enfrenta a la simbiosis fría y cruel que existe en la naturaleza, donde diariamente depredadores consumen presas. Pero al mismo tiempo, coloca a la humanidad como víctimas; hablando del papel que tienen naciones más avanzadas contra países subdesarrollados, mientras que sirve como testimonio sobre nuestro trato y relación con los animales. Gracias a esto, gran parte del culto que mantiene a este film vivo, proviene de la comunidad vegana y de defensores de los derechos animales.
Esta joya de la animación resulta complicada de ver tanto por su insensibilidad, como por su profunda temática que realiza preguntas incómodas. Y aunque en esta lista he apreciado y hablado sobre las diferencias entre el doblaje original y el internacional, mi recomendación es que vean esta película en francés con subtítulos, ya que el tono sombrío y pesimista de la versión original definitivamente se queda contigo.
2.- Heavy Metal (Gerald Potterton, 1973)
Una misteriosa esfera verde proveniente del espacio, aterroriza a una espantada niña al mostrarle una serie de historias de ciencia ficción, fantasía, erotismo y humor en esta clásica antología animada de culto.
Durante los 70, el cómic adulto tuvo un gran repunte gracias a publicaciones como Underground Comix, National Lampoon y MAD, enfocadas en sátiras, humor y crítica social. Pero también surgió otra publicación, con temáticas fantásticas y de ciencia ficción que alcanzó gran popularidad, llamada Heavy Metal, la cual sirvió como base para esta cinta.
Y su fama e infamia proviene al adaptar fielmente y sin censura algunas historias provenientes de esta revista, incluyendo su tipo de humor, sexualidad y violencia; lo cual, junto con la mezcla de distintas técnicas de animación, simulaba perfectamente el estilo ecléctico de la revista. Todo esto, junto con uno de los soundtracks más emblemáticos de su época, la convirtieron en un referente de la animación adulta, constantemente comparándola con obras similares (incluyendo algunas de esta lista).
Aunque ha sido acusada de ser extremadamente inmadura y sexista, ha tenido un impacto relevante en nuevos creadores y directores quienes crecieron con ella, tales como Kevin Eastman, co-creador de Las Tortugas Ninja; y Matt Stone y Trey Parker, quienes le dedicaron un episodio-homenaje completo durante la doceava temporada de South Park. Y, por si fuera poco, durante años se habló sobre un remake encabezado por David Fincher, donde directores como Guillermo del Toro y Zack Snyder estaban muy interesados en dirigir un segmento. Pero después de conflictos internos en los estudios, y algunos pleitos por los derechos entre James Cameron y Robert Rodríguez, el proyecto quedó cancelado. Sin embargo, Fincher resucitó los planes y todo el trabajo que había realizado, y junto con Tim Miller desarrollaron una extraordinaria serie para Netflix llamada Love, Death & Robots, considerada como heredera espiritual de Heavy Metal.
1.- El vuelo de los dragones (Jules Bass y Arthur Rankin Jr.)
En una era donde la lógica y la tecnología están reemplazando a la magia, el mago Carolinus convoca a sus hermanos para crear un santuario donde la magia pueda existir libremente; pero Ommadon, el mago oscuro prefiere esperar a que la humanidad se aniquile ella misma y así retomar el poder. Carolinus congrega entonces a un grupo de aliados para obtener la corona roja de Ommadon, incluyendo a un joven intelectual del siglo XX.
Basada en la novela de Peter Dickinson, esta obra fue una de las más vistas y amadas de su época gracias a dos grandes factores. El primero fue su atinado estreno durante el “boom” de fantasía de los 80, durante el cual gobernaban películas como El Cristal Encantado (1982) y Conan El Bárbaro (1982); así como los juegos de rol de “Calabozos y Dragones” que se jugaban asiduamente, como puede verse en Stranger Things. Incluso, esta película inspiró múltiples campañas de D&D, ya que incluía a todos los personajes indispensables como el noble caballero, la bella arquera, el elfo ladrón, dragones, hechiceros, etc.
Su segundo logro provino de una arriesgada apuesta, ya que cuando aparecieron las primeras videocaseteras con formatos ahora arcaicos como el BETA y el VHS, todos los estudios permanecieron renuentes sobre lanzar sus películas en estas versiones por miedo a la piratería. Por esto, las primeras entregas para home video provinieron de estudios menores o poco conocidos. Rankin-Bass, entendiendo esto, lanzó estratégicamente esta cinta directo en home video, convirtiéndose así en uno de los primeros éxitos de este formato y demostrándole a los estudios que el video podía ser redituable.
Finalmente, junto con una historia inteligente y un rico saborcito de animé gracias a sus animadores japoneses (como ya mencioné), Rankin-Bass no solamente nos regaló un clásico para los niños de los 80, sino que nos preparó para sus futuras entregas, las cuales se volverían emblemáticas de nuestra infancia como Los Halcones Galácticos (1986), y la gran favorita de todos: Thundercats (1985 – 1989).
¿Les gustaría añadir alguna otra película a la lista? Por favor, dejen su opinión en los comentarios. Y recuerden seguir a CinEspacio24.
* Licenciado en Diseño Gráfico, Analista Cinematográfico y Colaborador de CinEspacio24.
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