Estas diez películas de grandes directoras, de diferentes países, son obras de arte que muestran propuestas creativas y provocadoras; algunas cintas no son tan conocidas y en verdad deberías verlas.
Por Hugo Arteaga*
El cine siempre ha sido predominantemente regido por hombres. Pero a medida que avanzamos y crecemos, cada vez más mujeres logran su merecido lugar en esta industria. A pesar de todos los obstáculos y la discriminación a la que se enfrentaron a lo largo de la historia, muchas autoras han destacado por realizar contribuciones significativas a la industria cinematográfica. Desde las primeras pioneras del cine, hasta las directoras contemporáneas más influyentes, resulta innegable la contribución y huella que las mujeres han dejado en la historia del cine.
La cantidad de directoras de diversas nacionalidades y películas sobre las que me gustaría escribir sencillamente me rebasa, por lo que, no sólo planeo dividir esta lista en dos partes, sino que también me gustaría invitarles a recomendar más cine y más filmes creados por mujeres en los comentarios o en las redes sociales de CinEspacio24,
Espero les guste. Y, por favor, lean y revisen la segunda parte de esta lista, la cual será publicada próximamente.
10.- Rose Glass- Sain Maud– Inglaterra
Maud es una enfermera quien después de sufrir un trauma en su pasado siente la voz de Dios en ella, convirtiéndose así en una fiel creyente. Al iniciar el cuidado y tratamiento de una adinerada ex bailarina quien padece cáncer, Maud decide que su misión espiritual es hacer todo lo posible para cuidarla durante sus últimos días, tratar de salvar su alma y enmendar su propia relación con Dios; incluso si esto la lleva a niveles extremos.
Como fan del terror, forzosamente tenía que incluir al menos una película perteneciente a este género, y elegí Saint Maud, una escalofriante y atmosférica película sobre el fanatismo religioso, la muerte y las enfermedades. Cuando la vi por primera vez, realmente creí que se convertiría en el éxito mundial que merecía ser, pero entre la pandemia, una pésima campaña de marketing, y un público que esperaba algo similar a El Conjuro (2013) o Annabelle (2014), Saint Maud simplemente no tuvo ninguna oportunidad.
Existen campañas de marketing que, sin saberlo, acaban dañando un proyecto al alienar a su potencial público. Todos aquí hemos visto posts o titulares sobre “La nueva máxima obra de horror”, “La película más terrorífica de todos los tiempos”, o “La película que nadie puede terminar de ver”. Esto lo único que crea es expectativas irreales e inalcanzables que terminan demeritando una gran obra. Y aunque Saint Maud no es, ni será, y, sobre todo, no necesita ser la película más aterradora de todos los tiempos, sigue siendo una impresionante y oscura historia sobre la mortalidad, la culpa y nuestra relación personal con Dios que te moverá el esqueleto y que te maravillará y horrorizará al mismo tiempo.
A24 es uno de los estudios consentidos de los cinéfilos al atreverse a presentar nuevas visiones y propuestas. Y aunque aún se le considera como uno de los proyectos menos exitosos de este estudio (económicamente hablando), Saint Maud fue reconocida con decenas de premios a nivel global. Gracias a esto, y gracias a que la adoro, realmente creo que merece una nueva revisión al otorgarnos una de las historias de terror religioso más enigmáticamente visuales, íntimamente contadas, y con una profundidad y simbolismo que muchas otras películas desearían tener.
9.- Claudia Llosa- Madeinusa- Perú
Una tímida y sumisa jovencita llamada Madeinusa vive en una comunidad que anualmente celebra el “Tiempo Santo”, fiesta donde, desde el Viernes Santo y hasta el Domingo de Resurrección, el pecado no existe y todo está permitido ya que Dios está muerto y no puede juzgar a nadie. Durante este periodo ella conoce a Salvador, un extraño quien puede ser su boleto de salida hacia una nueva vida.
Nietzsche decidió matar a Dios en 1882. Como represalia, Dios mató a Nietzsche en 1900 solo para demostrarle quien manda. Y en 2006, Claudia Llosa mató temporalmente a Dios para crear una de las óperas primas más intrigantes y controversiales de los últimos tiempos con Madeinusa, una bella y peligrosa historia impregnada con el más puro realismo mágico latinoamericano.
Aunque la sinopsis la hace parecer una versión religiosa de La Purga (o La Noche de la Expiación o 12 Horas para Sobrevivir: CSI Miami, etc.), en realidad Madeinusa nos entrega una visión sumamente naturalista y honesta sobre la pobreza y marginación social, los abusos que se permiten en nombre de las tradiciones autóctonas, y la tergiversación de la fe y las creencias. Pero principalmente, trata sobre buscar una mejor vida por cualquier medio posible, incluso si esto implica abandonar tus raíces y aspirar a una vida prometida a cambio de todo aquello etiquetado como “Hecho en Estados Unidos”, o como dijeran los gringos: Made In USA (guiño, guiño).
Hablada parcialmente en quechua (detalle que ayuda a sumergirte en este mundo desconocido y surrealista), Madeinusa es una historia profunda y complicada que escandaliza, conmueve y asombra a todos aquellos que la ven. Y, finalmente, nos presentó a Claudia Llosa, quien tiempo después alcanzaría un éxito masivo gracias a su cinta La Teta Asustada (2009), la cual también les recomiendo ampliamente.
8.- Amy Heckerling- Fast Times at Ridgemont High– Estados Unidos
Un grupo de adolescentes en California deben lidiar con problemas típicos como pasar sus exámenes, el empleo y desempleo, relaciones románticas, las drogas, el rock y el sexo. Todo esto mientras conviven en su escuela y en los malls o plazas comerciales.
Aunque en Latinoamérica es conocida como Picardías Estudiantiles, no hay poder humano en este páramo olvidado de Dios que me haga llamarla así. Es como si les recomendara Jurassic Park (1993) y la presentara como Juanito y Los Clonosaurios, ¡no puedo hacerlo! Pero retomando, Amy Heckerling y Cameron Crowe son dos autores que han definido generaciones enteras gracias a obras como Ni Idea (1995), Solteros (1992) y Casi Famosos (2000), respectivamente hablando. Y Fast Times fue la primera oportunidad que tuvieron para presentarnos su visión.
Los 80 estuvieron plagados de comedias románticas y comedias sexuales, y por esto,esta cinta constantemente queda atrapada únicamente en estas categorías. Pero en realidad, Fast Times fue más allá al crear los planos y estereotipos que adoptarían muchas películas que le siguieron. Y también presentó por primera vez de forma orgánica, realista y sin tabúes, muchos de los dilemas que experimentaron los adolescentes durante los 80. Por lo mismo, esta película es considerada tanto una comedia, un drama, y hasta un semi documental ficticio sobre la vida adolescente durante los 80 en ciertas partes de Estados Unidos.
Contando con una de las escenas más icónicas y pausadas de la historia, Fast Times es una auténtica película de culto que sigue siendo relevante al punto de influenciar producciones tan recientes como Stranger Things. Pero, sobre todo, ayudó a catapultar las carreras de actores del calibre de Forest Whitaker, Jennifer Jason Leigh, Nicolas Cage, y, sobre todo, Sean Penn en uno de sus papeles más eclécticos y memorables como el surfista marihuano Jeff Spicoli.
7- Yngvild Sve Flikke-Ninjababy -Noruega
Rakel es una creativa joven disfrutando plenamente de su vida. Pero al enterarse que está embarazada, y que el aborto ya no es una opción viable, deberá realizar cambios drásticos en su vida, como poner en pausa sus romances, conciliarse con su ex y padre biológico del bebé, y aceptar la idea de que ella no desea ser madre. Todo esto mientras su bebé ninja se le aparece constantemente, aconsejándola, acompañándola y juzgando sus decisiones.
Actualmente existe un debate acalorado sobre como muchas mujeres no desean tener hijos, lo cual es muy respetable. Pero también hay personas que adoraríamos tener un vástago “mini me” criado a nuestra imagen y semejanza quien, nos idolatraría durante su infancia, nos odiaría durante su adolescencia, nos apreciaría durante su adultez, y quien se enriquecería después de mi muerte vendiendo todos mis comics, películas y coleccionables. Y esta película exhibe ambas ideas de una forma sumamente emotiva y entretenida.
Basada ligeramente en la novela gráfica de Inga H. Sætre llamada Fallteknikk, Ninjababy es una obra extremadamente honesta que, sin miedo ni tapujos, narra la experiencia de una joven quien, de la nada, debe confrontar la idea de ser madre, analizar como esto alteraría su futuro, sus relaciones sentimentales, y, sobre todo, la responsabilidad de no sólo crear una nueva vida, sino de crear a una nueva persona.
Mezclando animación y Live Action con un bebé ninja nonato que refunfuña y debate con su futura madre, Ninjababy logra exponer temas duros y controversiales a través de un humor directo y conmovedoras escenas. Y es precisamente por esto que se ha convertido en el éxito que merece ser.
6.- Lucrecia Marte – La ciénega – Argentina
Dos familias divididas por estratos sociales, valores, costumbres y creencias, convergen en una casa de campo. Es aquí donde la disolución social y familiar, la permisividad, el alcoholismo, la infidelidad y el vacío espiritual fungen como antecedentes para un fatídico destino.
De acuerdo a una encuesta en 2022 donde participaron 546 profesionales del cine, como críticos, actores, directores, productores, etc., La Ciénaga fue votada como la mejor película argentina de todos los tiempos. Y aunque humildemente admito que mi conocimiento sobre cine argentino es algo limitado, realmente puedo entender el resultado de esta votación, ya que ésta es una extraordinaria obra sobre la decadencia moral y social de la familia, el clasismo, la segregación, y el hambre de creer en algo y en alguien.
Narrada de tal forma en que el sonido es incluso más importante que lo visual, esta historia nos entrega un viaje sucio, desordenado e incómodo que critica la hipocresía de la clase media, así como lo fácil y preocupante que resulta el contagio de miedos y círculos viciosos heredados de generación en generación sin siquiera darnos cuenta.
La Ciénaga es un filme complicado de ver y de apreciar. Y si padecen OCD o son fanáticos de la limpieza, puede ocasionarles un patatús con algunas de sus escenas. Pero, sobre todo, es una historia que nos confronta con temas complejos como el ausentismo e indiferencia de unos padres obsesionados con ellos mismos, la cultura aspiracional que decide quien manda y quien importa dependiendo de la cantidad de dinero que se tiene, y, principalmente, lo sencillo que es transmitir un trauma circular dentro de una familia. Es por eso que La Ciénaga representa aquel pantano del que, entre más luchas por salir, más te hundes.
5.- Pilar Miró – El crimen de cuenca – España
Durante 1910, un joven pastor llamado José María Grimaldos desaparece misteriosamente. Con sólo algunas acusaciones y especulaciones, todas las sospechas recaen en un par de pastores y amigos llamados León y Gregorio. Gracias a la presión pública y aspiraciones políticas, ambos hombres serán arrestados, torturados y juzgados sin un gramo de evidencia real.
Aunque la dictadura franquista en España técnicamente sucumbió en 1976, sus ideales permearon durante años, incluso hasta nuestros días, donde España aún se encuentra en conflicto por razones independentistas, económicas y por ciertas ideologías. Y esta historia, estrenada poco tiempo después de iniciada la democracia española, resultó incómoda, prohibida y censurada durante algún tiempo. Pero cuando España y el mundo entero pudimos verla, sirvió como un cruel testimonio sobre uno de los casos más injustos y preocupantes de la justicia española.
Basada en hechos reales, ahora conocidos como El Caso Grimaldos, este filme te genera una sensación de impotencia durante sus salvajes 92 minutos. Y sin siquiera acercarse al género del horror o terror, nos presenta algunas de las escenas de tortura más viscerales y sádicas jamás filmadas en cine.
Perfectamente realizada y actuada, esta obra se atreve a viviseccionar paso a paso, y crimen a crimen, una de las mayores injusticias penales en España, razón por la que aún sigue considerándose como un tema controversial. Incluso permanece como un tema tabú a pesar del estreno tan reciente en 2019 de un documental donde especialistas, abogados, historiadores, guionistas y participantes de esta película, hablan sobre su influencia y relevancia social y legal. Y no pongo el nombre del documental porque es un enorme spoiler, pero estoy seguro que lo encontrarán fácilmente.
4.- Vera Chytilová – Daisies– República Checa
Dos jóvenes, ambas llamadas Marie, aceptan el caos y la perversión de la sociedad en la que viven. Siguiendo esta mentalidad, ambas deciden abrazar estos ideales y considerarse perversas ellas mismas, obedeciendo todos y cada uno de sus impulsos inmediatos, obteniendo lujosas cenas de hombres mayores, irrumpiendo en banquetes y satisfaciendo todos y cada uno de sus deseos diarios.
Daisies es una cinta complicada de recomendar y de ver, ya que, a primera vista, puede parecer una caricatura Live Action donde los espíritus del Pájaro Loco y Bugs Bunny han poseído a dos hermosas chicas obligándolas a ser instigadoras y causar revuelos. Pero en realidad, Daisies es una impresionante sátira sobre la decadencia de la burguesía, los estereotipos típicos y aceptables de la mujer, y, sobre todo, del autoritarismo y comunismo que padeció Checoslovaquia durante mucho tiempo.
Imprescindible representante de la Nueva Ola Checoslovaca, Daisies es tanto una caótica y disruptiva comedia Avant-Garde que representa el movimiento y visión dadaísta en toda su gloria, así como una de las principales voces y defensas feministas durante los 60, narrada a través de un hermoso collage Technicolor experimental que la mantiene relevante en nuestros días.
Con un par de hermosas mujeres creando caos, celebrando su propia existencia y constantemente preguntándose si algo de lo que hacen realmente importa, Daisies ha sido acusada de romantizar, embellecer y alabar el nihilismo. Como un auténtico nihilista, les puedo asegurar que es imposible romantizar o embellecer el nihilismo, de la misma forma que no puedes volver más antojable una dona de chocolate o un plato de tacos al pastor con una Coca Cola fría.
Daisies es un filme que te volará los sesos o que te aburrirá hasta el cansancio. Y ese resultado no depende de mí (que te la estoy recomendando), ni de la misma película. Dependerá de ti y cómo quieras verla e interpretarla.
3.- Kim Bora- House of Hummingbird– Cora del Sur
Durante 1994, una jovencita llamada Eun-Hee se encuentra descubriendo nuevas experiencias mientras soporta su difícil vida familiar y escolar. Con unos padres absortos en sus propios problemas quienes la ignoran constantemente, una hermana que la utiliza como cómplice en sus escapadas, y un hermano mayor que la golpea impunemente, Eun-hee se siente sola en el mundo. Al menos hasta que conoce a Yong-Ji, su nueva maestra, quien le mostrará una nueva perspectiva que alterará su mundo por completo.
Ligeramente autobiográfica, Kim Bora sorprendió al mundo entero con su debut como directora al regalarnos una de las historias coming of age más tiernas y hermosas que se hayan visto. Pero al mismo tiempo, también es una de las más agridulces al presentarnos a una niña quien constantemente busca amor y aceptación, pero lo único que consigue es negligencia, violencia intrafamiliar y abandono. Afortunadamente, gracias a una mágica relación con su maestra, Eun-Hee finalmente encuentra a alguien que la respeta y la ve como una persona y no sólo como una hija, una estudiante o como el futuro del país.
Aparte del núcleo familiar, Bora también critica abiertamente una época de gran crecimiento en Corea del Sur, en donde las expectativas familiares y académicas eran ridículamente estrictas y las aspiraciones se enfocaban más hacia alcanzar futuros altos sueldos e importantes puestos. Estas ambiciones terminaban sacrificando otros talentos (como la creatividad y el dibujo que nuestra protagonista posee) o menospreciando la importancia que tienen las relaciones interpersonales. De esta forma, este film expone las fallas educativas, familiares y sociales sobre la búsqueda del futuro adulto exitoso, sin nunca detenerse a considerar o pensar en el bienestar del niño actual.
House Of Hummingbird es una bellísima y delicada obra que, a través de una poderosa mirada feminista, nos demuestra la importancia de los modelos a seguir y lo complicado que es encontrar tu hogar o lugar en el mundo. Este es un film que te rompe el corazón; pero que, si lo permites, te otorga todas las herramientas para sanar.
2.- Kinuyo Tanaka- Los pechos eternos – Japón
Fumiko es una mujer batallando contra muchos remordimientos de su pasado. Madre de dos niños y viviendo en un matrimonio sin amor, pasa su tiempo libre escribiendo poemas sumamente apreciados por sus compañeros escritores. Pero pronto se verá desbordada al tener que soportar un doloroso divorcio, aceptar la pérdida de un ser amado, reaccionar a su nuevo éxito como aclamada poetisa y batallar contra el cáncer de seno.
Mientras que nombres de directores como el genio Akira Kurosawa o el maestro Yasujiro Ozu son fácilmente lanzados como piedras cuando los cinéfilos hablan de cine, pocas veces se mencionan los nombres de talentosísimas directoras del cine japonés como Tazuko Sakane (la primera directora de cine japonés), o Naomi Kawase (autora de quien les recomiendo la hermosísima El Bosque del Luto (2007). Pero en esta ocasión, decidí escribir sobre Kinuyo Tanaka, y sobre la que considero su obra cúlmine: Los Pechos Eternos.
Como actriz, Tanaka tuvo una prolífica carrera que abarcó más de 250 filmes. Pero como directora, a pesar del boom y las oportunidades post-guerra existentes, únicamente pudo dirigir sies, todos y cada uno dedicados a enaltecer a la mujer japonesa y su lugar e importancia en el Japón en reconstrucción. Y esta obra ciertamente es el cenit de su trabajo, tanto como pionera en la dirección, como figura imprescindible del feminismo artístico, al retratar la vida real de la poetisa Fumiko Nakajo, de quien no puedo decir mucho para no spoilear nada.
Tanaka batalló muchísimo contra la misoginia y el machismo en su época para defender su visión al exponer temas tan tabúes como el divorcio y el cáncer de seno dentro de una sociedad tan reservada como lo es la cultura japonesa. Por esto, en su momento no obtuvo las suficientes y merecidas oportunidades como directora. Pero, afortunadamente, recientemente sus obras están siendo redescubiertas, alabadas y tratadas con el respeto que se merecen. Y aparte de invitarles a conocer y averiguar más sobre esta auténtica diosa de la cinematografía mundial, también les recomiendo esta bellísima obra de la que podría escribir más, pero no quiero arruinarles nada.
1- Agnes Varda – Cleo de 5 a 7 – Francia
Una hermosa y supersticiosa cantante pop espera los resultados médicos que determinarán si padece cáncer. Vanidosa e hipocondriaca, pasará sus siguientes dos horas preocupándose, pensando en su legado, reencontrándose con amigos y conocidos, caminando por las calles para distraerse, y conociendo a nuevas personas que la angustiarán más o quienes le traerán paz.
Existen personalidades en el mundo del cine amadas por todos y por quienes aceptaríamos recibir un balazo al puritito estilo Kevin Costner, como Guillermo del Toro, Brendan Fraser o Agnes Varda, una de las mayores visionarias y autoras del cine mundial. Y elegí cerrar la primera parte de esta lista con la que considero una verdadera joya del cine: Cleo de 5 a 7.
Narrada en tiempo isócrono, y sirviendo como el matrimonio perfecto entre el Cinéma Vérité y la Nouvelle Vague, Agnes Varda nos regala un “memento mori” altamente estilizado y elegante en donde nuestra protagonista se enfrenta, por primera vez, no sólo a su posible muerte, sino a su posible futuro, ya que, si muere ahora joven y hermosa, siempre será joven y hermosa.
Con una narrativa llena de espejos e historias dentro de historias que, vouyeristamente, Cleo escucha en la calle, Cleo de 5 a 7 habla sobre la destrucción, el cambio, el renacimiento, y nuestra natural y obvia resistencia hacia este proceso natural. Habla sobre la posibilidad de perder nuestra juventud, nuestra belleza y nuestro futuro en una edad donde aún comenzamos a disfrutarlo. Y, finalmente, habla sobre una hermosísima mujer quien se roba todas las miradas (incluida la de ella en cada uno de los espejos que aparecen), y quien ahora necesita urgentemente que la vean de forma distinta, y, sobre todo, encontrar como ella se ve a sí misma.
Cleo de 5 a 7 es una de las auténticas joyas existentes en la cinematografía, y, más que recomendárselas, les invito a conocer y reconocer el arte de Agnes Varda; una auténtica artista en toda la extensión de la palabra.
Faltan otras 10 películas, por lo que les invito a seguir a CinEspacio24 y leer la segunda parte de esta lista.
Y si desean conocer más sobre la influencia, visión y poder femenino que ha existido siempre en el cine, en CinEspacio24 contamos con un extraordinario curso sobre este tema, llamado: Cine y Feminismo, curso en donde aprenderán sobre la evolución del feminismo y sus bases, así como sobre múltiples obras y creadoras que han enriquecido al Séptimo Arte.
¿Les gustaría añadir alguna otra película a la lista? Por favor, dejen su opinión en los comentarios. Y recuerden seguir a CinEspacio24.
* Licenciado en Diseño Gráfico, Analista Cinematográfico y Colaborador de CinEspacio24.
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