“Hideo Nakata”, y su terror japonés que atravesó fronteras

El trabajo del director japonés Hideo Nakata consiguió dejar eco en la industria cinematográfica hollywoodense con una historia original. Lograr que su influencia prevalezca en un género tan duro como el terror fue una titánica victoria.

 

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Hideo Nakata nació el 19 de julio de 1961 en Okayama, Japón. Estudió en la Universidad de Tokio, después de graduarse entró a trabajar a Nikkatsu Studio, una reconocida compañía japonesa fundada en 1912 que se dedica al entretenimiento, además de ser uno de los principales estudios de cine y el más antiguo de Japón.

Durante sus primeros siete años en el estudio fungió como ayudante de directores como Masaru Konuma (Female Prisoner: Cage, 1983) Hiroyuki Nasu (Bee Bop High School, 1985) y Yoichi Sai (Blood and Bones, 2004), con quienes entabló una solida carrera como ayudante de director.

Debutó en la dirección en 1996 con Ghost Actress, una cinta que nos narra como el elenco de una película descubre una película dentro de su propia película, la cual es una cinta de 20 años atrás. Así una de las actrices del elenco muere de la misma manera que la actriz del viejo filme.

En 1998 estrenó la película que le daría reconocimiento mundial, Ringu. El filme trata sobre una reportera de televisión que investiga una cinta con un mito peculiar a su alrededor, pues mata a todo aquel que ve el video.

La película tuvo un remake hollywoodense titulad El Aro estrenada en 2002 y dirigida por Gore Verbinski (Rango, 2011). Dicho remake tuvo una secuela El Aro 2 (2005), la cual dirija el propio Hideo Nakata.

Nakata lanzó en 1999 una secuela de su cinta Ringu titulada Ringu 2, en la cual seguimos a una mujer que investiga una leyenda mortal sobre una videocinta que trae la muerte en 7 días.

Otras de sus cintas fueron Dark Water(2002), una cinta basada en la novela Koji Suzuki Honogurai Mizu No Soko A Kara del escritor Koji Suzuki, donde el fantasma de una estudiante acecha a una mujer divorciada y a su joven hija después de que se mudaran a un viejo edificio; y su largometraje El Bosque de los Suicidas que se estrenó 2013.

Otras películas que ha dirigido son Joseph Losey: The Man With Four Names (1998), Kaosu (1999), Sadistic and Masochistic (2000), Sleeping Bride (2000), Sotohiro (2000), Last Scene (2002), Kaiki Daisakusen – Second File (2007), Kaidan (2007), L Change The World (2008), Chatroom (2010) y Inshite Miru: 7-Kakan No Desu Gemu (2010).

Hideo Nakata se ha hecho de un pequeño legado silencioso, ya que logró que más de una nación conociera su obra, sin saber que se convertiría en una de las favoritas del los amantes del cine de terror noventero.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Wes Craven, y su cine que entró en nuestras pesadillas

Hablar de Wes Craven es hablar de uno de los personajes más importantes en la historia del cine de terror. Creador de personajes icónicos que siguen provocando miedo, logró plasmar su nombre con letras de oro gracias a su increíble imaginación.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Wesley Earl Craven nació el 2 de agosto de 1939 en Cleveland, Ohio, Estados Unidos. Hijo de Caroline y Paul Craven. Tuvo una educación bautista, aunque tiempo después se declaró ateo.

Consiguió en la Universidad de Wheaton dos licenciaturas, una en inglés y otra en psicología, mientras que en la Universidad Johns Hopkins obtuvo una maestría en filosofía y escritura. Tras esto, Craven impartió por un breve tiempo clases de inglés en el Westminster College y fue profesor de humanidades en el Clarkson College Of Technology (ahora Universidad de Clarkson).

En la década de los 70, Craven se hizo de una pequeña fama como director truculento, debido a que sus primeras cintas eran trabajos de escasos fondos económicos pero que tenían imágenes controvertidas por ser demasiado explícitas para esa época. Además, en ese tiempo dirigió y escribió una película pornográfica bajo el pseudónimo de Abe Snake.

Durante esta etapa estrenó La Ultima Casa a la Izquierda (1972), The Fireworks Woman (1975), Las Dos Caras De Julia (1978), la cinta con la que comenzaría a hacer ruido en la industria; Las Colinas Tienen Ojos (1977), película que ganó el premio de la crítica en el Festival de Cine de Sitges, y que nos cuenta como una familia estadounidense se va de camping a un desierto de Nevada, sin saber que una vez ahí serán cazados por un clan de caníbales deformes que habitan el lugar.

Ya en los años 80 escribió el guión de lo que sería la obra que le daría un renombre mundial: Pesadilla en la Calle del Infierno (1984). Tras intentar vender esta idea a diferentes estudios y productoras y ser rechazado constantemente debido a que parecía una cinta demasiado surrealista y sin credibilidad, fue finalmente New Line Cinema quien se arriesgó con el proyecto, para después sacar diversas secuelas que fueron criticadas por el propio Craven (exceptuando la séptima entrega), ya que las consideraba “malas continuaciones” y que habían destruido la esencia original.

La cinta sigue a Freddy Krueger, un asesino que atormenta a un grupo de adolescentes matándolos en sus sueños para de esta manera eliminarlos en la vida real.

Este largometraje marca la primera aparición de Freddy Krueger, uno de los personajes más emblemáticos del cine de terror. Craven cuenta que la inspiración de dicho personaje nació de un sujeto que se apareció una noche afuera de su ventana cuando era un niño. Un hombre de aspecto aterrador y escalofriante. Dicho hombre miró fijamente al pequeño Craven a los ojos y le sonrió. Cuando decidió contarle esto a su hermano mayor, bajó las escaleras para echar un vistazo, pero no encontró nada.

En esta década también dirigió Bendición Mortal (1982), La Cosa del Pantano (1982), Invitation Hell (1984), Las Colinas Tienen Ojos 2 (1984), Hibernando Vivo (1985), Amiga Mortal (1986) La Serpiente y el Arcoíris (1988), Shocker, 100.000 Voltios de Terror y varios capítulos de la famosa serie de televisión, Más Allá de los Limites de la Realidad (The Twilight Zone).

En 1997 estrenó Scream: Grita Antes de Morir, la primera de cuatro entregas de lo que se convertiría en otro de los referentes de Craven.

Como parte del mismo universo también dirigió Scream 2: Grita y Vuelve A Gritar (1997), Scream 3: La Máscara de la Muerte (2000) y Scre4m: Grita de Nuevo (2011), la cual fue la última película dirigida por Craven.

En su carrera también se encuentran las cintas Visiones Nocturnas (1990), El Sótano del Miedo (1991), La Nueva Pesadilla de Wes Craven (1994), Un Vampiro Suelto en Brooklyn (1995), Música del Corazón (1999), La Maldición (2005), Vuelo Nocturno (2005) y Paris, je t’aime (2006)

Tristemente, el 30 de agosto de 2015, falleció Wes Craven a la edad de 76 años en Los Ángeles, California, Estados Unidos, debido a cáncer de cerebro.

“Todo el mundo está haciendo películas de terror y, en mi opinión, no lo hacen especialmente bien. No sé si la culpa es de las grandes empresas que se están apoderando de los pequeños estudios o qué. Pero realmente hace falta que los jóvenes cineastas empiecen a hacer lo que les salga directamente del corazón”, aseguraba Craven.

Su huella en la historia del cine de terror es innegable, y su legado, al igual que Freddy, se mantendrá vivo en nuestras mentes, sobre todo en nuestras más terribles pesadillas.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.

 


Tilda Swinton: Una Actriz Camaleónica

Hay actrices que son tan camaleónicas que llegan a ser irreconocibles, como en el caso de Tilda Swinton

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Katherine Matilda Swinton nació en Londres, Inglaterra, el 5 de noviembre de 1960. De ascendencia escocesa, es hija de Sir John Swinton (lugarteniente de Berwickshire, Escocia) y Judith Balfour.

De pequeña estudió en tres diferentes escuelas privadas: Queen´s Gate School, West Heath Girl´s School –donde fue amiga y compañera de la que en ese entonces era la futura princesa de Gales, Diana Spencer- y por un breve periodo en el Fettes Collage. Posteriormente, en 1983, se graduó con un titulo en Ciencias Políticas y Sociales en la Universidad de Cambridge.

Durante esa época, asistió frecuentemente al Partido Comunista de Gran Bretaña, aunque más tarde se unió al Partido Socialista Escocés. En este periodo también dio sus primeros pasos en la actuación. Antes de comenzar su carrera en la industria cinematográfica, Swinton trabajó en el Traverse Theatre y en la Royal Shakespeare Company.

Comenzó su carrera actoral de manera formal en 1986, con pequeños papeles en diversas cintas, realizando en su mayoría, trabajos para el director Derek Jarman. En 1993 realizó el rol protagónico en la película Orlando, de la directora Sally Potter, la cual está basada en la novela homónima de la escritora Virginia Woolf.

Tilda se hizo de una pequeña fama en 1995, al formar parte de una exposición viviente llevada a cabo en la Sepentine Gallery de Londres. En ella, estuvo expuesta durante una semana al público, dentro de una caja de cristal en la que yacía dormida, o aparentemente dormida. La artista detrás de esta obra fue la escultora Cornelia Parker.

En 1998 trabajó junto a Dereek Jacobi y Daniel Craig en la cinta biográfica sobre el pintor Francis Bacon titulada: Love Is The Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon (John Maybury)

A pesar de apoyar el cine experimental y de poco presupuesto, se enfocó, tiempo después, en proyectos mucho más taquilleros, lo cual la llevó a encarnar al Arcangel Gabriel en Constantine (Francis Lawrence, 2005), la adaptación cinematográfica del cómic Hellblazer.

También trabajó junto a Leonardo DiCaprio en La Playa (Danny Boyle, 2000) y Tom Cruise en el Vanilla Sky (Cameron Crowe, 2001), remake de la cinta Abre los Ojos (Alejandro Amenabar, 1997).

En 2004, formó parte del jurado en el Festival de Cannes.

Para 2005, se unió a la saga de Narnia con el papel de la reina blanca en Las Crónicas de Narnia: El León , La Bruja y El Ropero (Andrew Adamson). Interpretó una vez más a este personaje en Las Cronicas de Narnia: El Príncipe Caspian (Anndrew Adamson, 2008), para finalmente hacer un pequeño cameo en Las Cronicas de Narnia: La Travesia del Viajero del Alba (Michel Apted, 2010) y así despedirse de este papel.

Swinton ganó el Oscar a mejor actriz secundaria por su papel en Michael Clayton (Tony Gilroy, 2007), donde interpretó a Karen Crowder, una implacable abogada.

En 2011 protagonizó, junto a Ezra Miller la cinta Tenemos Que Hablar de Kevin (Lynne Ramsay), la cual está basada en la novela homónima de la autora Lionel Shriver. Swinton, da vida a Eva Khatchadourin, una mujer que tiene que lidiar con las consecuencias de un terrible acto perpetuado por su hijo.

En 2012 trabajó junto a Wes Anderson en la cinta Un Reino Bajo La Luna. Para 2013 participó en El Expreso del Miedo (Bong Joon-ho), The Zero Theorem (Terry Giliam), y protagonizó Solo Los Amantes Sobreviven (Jim Jarmusch), donde da vida a Eva, una mujer vampiro.

Trabajó una vez más junto a Wes Anderson en El Gran Hotel Budapest interpretando a Madame D, una adinerada mujer de la tercera edad que asiste al hotel para disfrutar del “servicio excepcional” que ofrece el lugar.

Tuvo unos pequeños papeles antes de que en 2016 apareciera en ¡Salve, César! (Joel Coen y Ethan Coen) y se uniera al UCM (Universo Cinematográfico de Marvel) con Doctor Strange, donde interpreta a Ancestral.

Participó en el filme de Netflix, que compitió por la Palma de Oro en el Festivale de Cannes 2017; Okja (Bong Joon-ho, 2017), donde dio vida a las hermanas gemelas Lucy y Nancy Mirando.

Prestó su voz para encarnar Oracle en el largometraje animado Isla de Perros, donde una vez más colaboró con Wes Anderson. Ese mismo año, en 2018 se estrenó Suspiria (Luca Guadagnino), cinta basada en la obra de mismo nombre dirigida por Dario Argento en 1977. Swinton interpreta tres personajes: Madame Blanc, el Dr. Josef Klemperer y a Helena Karkos.

Partcipó de nueva cuenta en el MCU con su personaje Ancestral en Avenger: Endgame (Anthony y Joe Russo, 2019) y ese mismo año apareció en los proyectos Los Muertos No Mueren (Jim Jarmusch, 2019) como Zelda Winston y The Souvenir (Joanna Hogg, 2019) como Rosalind.

El nivel actoral de Tilda Swinton es innegable. Desde mujeres vampiros, hasta una madre en crisis, pasando por una hechicera suprema, ha demostrado que puede interpretar el papel que se le ponga enfrente, sin importar si es una producción de pequeño, mediano o gran presupuesto. Ella está lista para sorprendernos una vez más en la gran pantalla con su talento camaleónico para actuar, que la hace una actriz única.

 

 

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Mary Elizabeth Winstead, de actriz “X” a reina de la “comedia”

Por Daniel Flores Chávez*

Una de las actrices más “X” de Hollywood, Mary Elizabeth Winstead, famosa por… ¿Scott Pilgrim?.. ¿Duro de Matar 4?.. ¿Súper Escuela de Héroes?.. ¿la precuela de The Thing?, parece salir de su zona de confort tras varias décadas probando suerte. En 2018 estrenó en el Festival de Sundance el interesante filme, All about Nina (de esos independientes que nunca se estrenan ni en Netflix), en el que interpreta al personaje central, Nina, una comediante de stand-up, que luego de fracasar profesional y personalmente, tendrá la oportunidad de incorporarse a un popular programa humorístico.

Bajo la dirección de la española Eva Vives, esta cinta, femenina y feminista, es por demás trascendente, ya que muestra lo que sucede tras bambalinas con las mujeres que hacen comedia, donde no hay glamour ni fama ni nada que se le parezca, peor aún, hay una brutal competencia entre ellas para acaparar los pocos espacios de trabajo. Si bien la realizadora no se corta las venas en torno a dicha rivalidad, sí pone el dedo en la yaga en lo referente a las injustas condiciones laborales de la mujer, incluso, en los Estados Unidos.

Así, Nina tendrá que mudarse de Nueva York, donde vive con un tipo abusivo y golpeador, para intentar colarse en el cast de Comedy Prime, una famosa emisión de comedia con base en Los Ángeles, California, o de plano, quedarse en el ostracismo del fracaso. Su madre, Débora (Camryn Manheim), le ayuda a buscar casa en la ciudad angelina con la hija de una amiga, Lake, interpretada por Kate del Castillo, dando pie a una relación de amistad entre ambas, así como la aparición de un rol distinto sobre una mexicana residiendo en California, ya que ni es la doméstica ni es ilegal, de hecho, es lesbiana, adoradora del new-age y los gatos y un alma vieja que guiará a Nina hacia su destino.

La actuación de Del Castillo es de destacar, más allá de sus polémicos roles como reina del narco, ya que incluso, se despoja de la exuberante belleza con que vende su imagen en México, para verse avejentada, hippiosa y como motor de la protagonista, demostrando que Kate sí sabe actuar.

Volviendo a Winstead, quien ya había logrado superarse en la serie, Fargo, como Nikky Swango, una fría y calculadora anti-heroína, consigue con Nina una interpretación excepcional, convirtiéndose en esta comediante de gran talento, pero abatida por la difícil vida que le ha tocado llevar. Nina siempre está al borde de quebrarse, de romper por completo su existencia y su única relación romántica verdadera con Rafe (Common), un buen individuo que la quiere, pero la tremenda Nina le saca al parche en aras de no volverse a enamorar.

Durante el filme, Winstead hace varias imitaciones de celebridades, destacando a la cantante islandesa, Bjork, y al director alemán, Werner Herzog, cuya parodia es desternillante, logrando una mezcla actoral entre lo cómico y lo dramático que invita al espectador a, efectivamente, conocer todo sobre Nina.

La realizadora Vives, también se le va a la yugular a este tipo de emisiones cómicas plagadas de hombres, en especial, Saturday Night Live (SNL), que aquí es pintado con el nombre de Comedy Prime, y en lugar de transmitirse desde Nueva York, lo hace desde Los Ángeles, bajo el imperial régimen del productor, Larry Michaels (Beau Bridges), en una clara crítica al canadiense, Lorne Michaels, creador y productor de SNL, si bien un Rey Midas, considerado también un tanto misógino a la hora de castear mujeres comediantes.

Definitivamente, éste es el mejor trabajo de la guapísima Mary Elizabeth Winstead, quien como Kirsten Dunst, encontró en el serial de culto, Fargo, un crecimiento actoral enorme, demostrándose a sí misma, que puede interpretar roles complejos, más allá de una cara bonita.


*Periodista. Colaborador en CinEspacio24, Director de Cio Noticias, Crítico de Cine, Columnista en el Heraldo de México Toluca 


Terry Gilliam un genio de la comedia

Cineasta de talento nato. Desde sus inicios, Terry Gilliam demostró sus capacidades para la creación de proyectos audiovisuales con un peculiar enfoque. Como referente del cine moderno, consiguió que su trabajo trascendiera en distintos géneros. Desde la comedia hasta el drama, sus películas cuentan con un surrealismo único, que se convirtió  en su marca personal.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Terence Vance Gilliam nació el 22 de noviembre de 1940 en Minneapolis, Minnesota, Estados Unidos. Es uno de los tres hijos del matrimonio entre Beatrice Vance y James Hal Gilliam.

Su infancia transcurrió en Medicine Lake, un campo rural de cultivo de maíz, donde el mayor  entretenimiento familiar era una pequeña radio, lo cual orilló al pequeño Gilliam a desarrollar su imaginación.

En 1951, él y su familia se mudaron a California, ya que su hermana menor padecía de asma. Su padre, un antiguo miembro de la caballería estadounidense (que después se convertiría en carpintero), tomó esta decisión para poder tratar el problema de salud de su pequeña.

Ya en California, durante una de las sesiones de matiné en los cines locales, vio un filme que lo marcaría, La Patrulla Infernal (Stanley Kubrick, 1957). Gracias a ese largometraje, Gilliam tuvo una pequeña epifanía sobre el cine, y comenzó a verlo como algo más que mero entretenimiento.

Cautivado por el séptimo arte, se volvió seguidor del trabajo de Georges Mélies (uno de los principales líderes en el desarrollo técnico y narrativo durante los inicios del cine), ya que se sentía identificado con la tendencia de engañar al espectador.

En 1958, ingresa a la universidad Occidental College, donde comenzó a estudiar física, para después cambiarse a la carrera de arte y finalmente graduarse en ciencias políticas.

Durante su paso por la universidad, editó la publicación Fang, una revista de poesía y arte, que después él y sus compañeros convirtieron en un cómic de gags y dibujos satíricos, y envió unas cuantas copias a las oficinas de la revista Help! (ubicadas en Nueva York). En dicho lugar trabajaría más tarde, y ahí conoció al actor británico, John Cleese (los dos serían miembros de Monty Python).

En esta época también colaboró como dibujante en la revista MAD, cuyo particular estilo humorístico, satírico y sarcástico marcó al cineasta, el cual se vería reflejado tiempo después en Monty Python.

Más adelante, Help!, comenzó a tener problemas económicos , por lo que Gilliam decidió abandonar su puesto en la compañía, lo que lo llevó a unirse a la Guardia Nacional durante un breve tiempo para evitar su incorporación a la guerra de Vietnam.

Después de este suceso, decide abandonar Nueva York y vive un breve tiempo en Los Ángeles, y finalmente en 1967 opta por marcharse a Londres, Inglaterra.  

Gracias al contacto que mantuvo con John Cleese, el 5 de octubre de 1969 se estrenó Monty Python’s Flying Circus, un programa televisivo enfocado en sketches de comedia, en los que actuaba el propio Terry Giliam, además de encargarse de las animaciones.

Gilliam, era el integrante menos conservador y el que gozaba de mayor libertad creativa. Encargado de las animaciones que servían como enlace entre los sketches, fungía como el elemento extravagante e innovador, que se convirtió en el principal atractivo del show. En ellas se podía vislumbrar el toque surrealista y humorista de Terry.

En 1971 se estrenó la cinta Se armó la gorda, lo que significó el “salto” a la gran pantalla del fenómeno Monty Python. La película duraba casi 90 minutos, y presenta sketches de las dos primeras temporadas del programa.

 

Junto a Terry Jones, dirigió Los Caballeros de la mesa cuadrada, filme que también pertenece a los Monty Python, se estrenó en 1975. La cinta es una sátira que se desarrolla en la corte del Rey Arturo.

Para 1977, Gilliam estrena  su primer largometraje en solitario, titulado La Bestia del Reino, una parodia de la época medieval que adapta un poema de Lewis Carroll (autor de Alicia En el país de las maravillas).

Participó como guionista y actor para La vida de Brian (Terry Jones,1978), el tercer largometraje del grupo de comedia de Monty Python, que nos narra la historia de Brian, un judío que nace justo el mismo día que Jesucristo, por lo cual los confunden varias veces con Jesús.

En 1981 estrenó Los héroes del tiempo, una cinta de aventuras a través del tiempo, en la que además de ser director también marca su inicio como productor. Esta cinta forma parte de su trilogía de la imaginación, aquí representa a la infancia.

En 1983 sale el cuarto largometraje de Monty Python, El sentido de la vida, dirigida por Terry Jones y donde  Giliam formaba parte del cast.

Brazil, la segunda película de la trilogía de la imaginación, la cual simboliza la juventud, se estrenó en 1985. La cinta nos cuenta la historia de Sam Lowry  (Jonathan Prce), un noble tecnócrata quien tras un error burocrático se ve obligado a encargarse del papeleo, ya que como oficialmente no existen errores, y nadie quiere hacerse cargo.

Para terminar su emblemática trilogía, estrena en 1989, Las aventuras del Barón Munchausen. El largometraje, que representa la vejez, se desarrolla en una ciudad anónima de Europa en el siglo XVIII, y narra la vida de un oficial alemán que recuerda todas sus hazañas en la Luna, el inframundo y la guerra.

En 1991 estrena Pescador de ilusiones, película que marca el inició de la trilogía americana. La cinta nos cuenta la historia del exitoso locutor de radio Jack Lucas (Jeff Bridges), que busca pagar sus culpas, ya que su programa orilla a un psicópata a asesinar a siete personas.

Continuando con la trilogía americana, sale Doce monos (1962), inspirada en la película El muelle (Chris Marker, 1962), en la que Giliam nos cuenta como un presidiario del futuro es enviado al pasado para investigar el origen de una plaga que acabó con gran parte de la humanidad.

 

Para finalizar esta trilogía, el cineasta presenta en 1998, Miedo y asco en Las Vegas, película basada en la novela homónima del escritor Hunter S. Thompson, la cual nos cuenta como un periodista y un misterioso abogado viajan a las vegas con el maletero del carro repleto de drogas.

Gilliam da la bienvenida al nuevo siglo presentando en 2005 Tideland, largometraje que narra la vida de la pequeña Jeliza-Rose, la cual conoce a un taxidermista y su inestable hermano, tras la muerte de sus drogadictos padres.

En ese mismo año, Gilliam también realiza Los hermanos Grimm, cinta que se centra en los hermanos Will y Jake Grimm, los cuales inician un viaje por el país con el pretexto de proteger a la gente de la ciudad de las criaturas encantadas y míticas.

En 2009 estrena El Imaginario del Doctor Parnassus, donde nos narra como el Doctor Parnassus (Christopher Plumer), tras haber hecho un pacto con el diablo para poder ser inmortal, se ve envuelto en una maldición oscura, además de tener el don de guiar la imaginación de los demás.

The Zero Theorem sale en 2013, y en ella nos cuenta como Qohen Leth (Christopher Waltz), un solitario genio de la informática, dedica su vida a resolver el Teorema Zero.

En 2018 estrenara Mr. Vertigo, adaptación de la novela de mismo nombre escrita por Paul Auster, en la que nos cuenta la autobiografía de Walt, un joven que aprendió a volar y levitar con la ayuda de su maestro Yehudi.

Y finalmente, logra llevar a la gran pantalla su proyecto maldito. Tras varios intentos fallidos por filmarla, El Hombre que mató a Don Quijote se presentó en el festival de Cannes 2018. En la cinta, nos narra como un anciano que está completamente seguro de ser Don Quijote, confunde a un ejecutivo publicitario con su fiel escudero Sancho Panza, con el cual emprenderá un viaje a través del siglo XXI y el siglo XVII.

La marca de Giliam está presente en todas sus películas. Ese surrealismo que raya en lo bizarro puso su trabajo en la categoría de cine de autor, ya que su estilo tan particular convierte a Terry Gilliam en la verdadera estrella de sus películas, atrayendo al público a ver sus largometrajes por el simple hecho de llevar su nombre.

Como lo dijo el propio director alguna vez: “Quedas atrapado por las historias. Me he ganado la reputación de estar fuera de control, pero no es cierto, simplemente esa es una historia más interesante que la verdad”.

 

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Satoshi Kon: El genio de la realidad y la fantasía

Hablar de Satoshi Kon es hablar sobre una de las mentes más creativas del cine japonés, no sólo en el ámbito de la animación. 

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Su maravilloso aunque pequeño legado influyó  en más de un cineasta gracias a la complejidad  psicológica de sus cintas, mismas que constantemente traspasan la delgada línea entre la realidad y la imaginación. 

Nacido en Kushiro, Hokkaido, Japón, el 12 de octubre de 1963, desde pequeño, Kon aspiraba a convertirse en animador, razón por la que debutó como mangaka en su paso por la Musashino Art University (ubicada en Tokyo, Japón) con la historia titulada Toriko (1984).

Por dicho trabajo consiguió el segundo puesto en la décima edición de los premios Tetsuya Chiba de la revista japonesa Young Magazine,  la cual  publica semanalmente series de manga de la editorial Kodansha. Entre sus series más destacadas se encuentra Akira (Katsuhiro Otomo, 1982), Intial D (Suichi Shigeno, 1995) y Ghost In The Shell (Masamune Shirow, 1989). 

Tras su graduación en 1987, creó el manga Kaikise(1990), y  posteriormente en  1998 estrena  su primera cinta animada titulada Perfect Blue – basada en la novela homónima de Yoshikazu Takaeuchi-, la cual cuenta la historia de Mimi Kirigoe, una idol que decide dejar el grupo musical “CHAM” para convertirse en actriz, buscando de esa manera que la vean con más seriedad.  

La película tuvo gran impacto fuera de Japón,  incluso el director Darren Aronofsky compró los derechos de la cinta para poder calcar escenas en su largometraje Requiem Por Un Sueño (2000). No obstante, esto no le bastó y tiempo después el mismo director decidió crear su propia versión de la obra de Kon, la cual tituló El Cisne Negro (2010).  

El  siguiente trabajo de Kon fue Millenium Actress (2001) –proyecto en el que incluyó una especie de homenaje al cineasta nipón Akira Kurosawa, de quien apreciaba su trabajo a pesar  de haber declarado que no solía ver cine japonés-, filme que se centra en una actriz que repentinamente desparece. El largometraje tuvo mejor recibimiento que su predecesora e incluso ganó numerosos premios.  

Con un presupuesto de 300 millones de yen, Satoshi Kon estrenó e 2003 Tokyo Godfather, película donde nos cuenta la historia de tres vagabundos que se encuentran con un bebé durante las fiestas decembrinas. Apelando a su espíritu navideño deciden buscar a los padres del pequeño. 

Tras sus tres primeras cintas decide tomar un descanso del cine y  en 2004  realiza la serie animada para televisión Paranoia Agent, de 13 episodios. Similar a su trabajo en Perfect Blue, Kon plantea una vez más el juego entre la realidad y la fantasía, que se volvió un sello en sus obras. 

Finalmente, estrena Paprika en 2006. En este filme nos narra  un nuevo tipo de psicoterapia, que utiliza un dispositivo para entrar al  mundo de los sueños y así  tratar pacientes con problemas mentales, el conflicto aparece cuando roban dicho aparato. 

Esta es la cinta más conocida y aplaudida de Satoshi Kon,  y  fue la principal inspiración de Christopher Nolan para su filme El Origen (2010). 

Después del lanzamiento de Paprika, Kon se une a Mamoru Oshii y Makoto Shinkai para crear en 2007 lo que sería su trabajo final, el cortometraje de un minuto de duración titulado Ohayo

Desgraciadamente en 2010, Satoshi Kon es diagnosticado con cáncer de páncreas y le dan una esperanza de vida  de aproximadamente medio año, por lo que decide vivir el resto de su vida pacíficamente en su hogar.  

El 24 de agosto de 2010 fallece en Tokyo, Japón, a la edad de 46 años, dejando inconclusa  su próxima cinta The Dreaming Machine

Honor a quien honor merece, y Satoshi Kon fue un indudable genio silencioso, que aun con falta de reflectores logró convertirse en una inspiración para grandes directores. Su legado nunca morirá, pero siempre permanecerá la duda sobre que nos tenía preparada esa brillante mente.  

 

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Casey Affleck, de papeles secundarios y escándalos, a ganar un Oscar

Quizá antes de recibir un Oscar como Mejor Actor, la gente no sabía quién era Casey Affleck; tal vez, y es lo más seguro, lo conocían solamente como el hermano de Ben Affleck o algún fanático de la farándula como el cuñado de Joaquin Phoenix.

Por Redacción CinEspacio24 Noticias

La carrera de Casey parecía destinada a papeles secundarios, pero en 2007, gracias a su trabajo en la cinta El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, del director Andrew Dominik, la crítica y el público se fijó más en él; y en 2017, por su conmovedora y contenida actuación en el filme Manchester by the Sea, ganó el Oscar a Mejor Actor, el BAFTA y el Globo de Oro.

Sin embargo, aunque la carrera de Casey creció poco a poco y es meritorio ese ascenso, está “manchada” por dos demandas de acoso sexual; lo que provocó que  algunas actrices manifestaran su molestia ante la Academia estadounidense por darle el Oscar.

Nació el 12 de agosto de 1975 en Falmouth, Massachusetts. Debutó en 1995 con la cinta Todo por un sueño, de Gus Van Sant, donde compartió créditos con Nicole Kidman, Matt Dillon y Joaquin Phoenix (amigo de Casey).

Su inicio en el cine se lo debe (un poco) a su hermano mayor Ben Affleck, ya que participó con él en 1997 en dos películas: Mi pareja equivocada de Kevin Smith y Mente Indomable, de nuevo de Gus Van Sant; por ésta última su hermano  Ben y su amigo Matt Damon ganaron el Oscar a Mejor Guion.

Así seguía su carrera, en papeles secundarios que no le exigían mucho, pero que siempre los hacía correctamente. También incursionó como guionista y junto a Matt Damon y Gus Van Sant escribe en 2002 la cinta Gerry.

Escalando a pasos lentos pero seguros, en 2001 le llega la oportunidad de ser parte del reparto de la trilogía de Ocean´s Eleven, del director Steven Soderbergh, y trabajó con George Clooney, Brad Pitt, Julia Roberts, Matt Damon, entre otros. Aquí su nombre empezaba a sonar más, pero seguía siendo un desconocido o solamente el hermano de Ben.

En 2006 se casó con Summer Phoenix, la hermana de unos de sus mejores amigos, el actor Joaquin Phoenix. Y es en 2007 que su nombre llama la atención gracias a dos grandes actuaciones: una en la cinta Gone Baby Girl, dirigida por su hermano Ben, y la otra en el filme El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, dirigida por Andrew Dominik y donde Brad Pitt es Jesse James y Casey, Robert Ford; por este trabajo fue nominado al Oscar como Mejor Actor de Reparto.

Ya con mayor presencia en la industria cinematográfica en 2010, dirige el falso documental I´m Still Here, protagonizado por su cuñado Joaquin Phoenix y que trata de la carrera musical de Joaquin como rapero. Es aquí, donde dos grandes escándalos sacuden su carrera, ya que dos colaboradoras del filme lo demandaron por acoso sexual.

Amanda White, productora asistente, y Magdalena Gorka, directora de fotografía, aseguraron que Casey las insultaba y acosaba en el rodaje. El caso no llegó a la corte porque se resolvió extrajudicialmente. No obstante, culpable o no, la mancha queda ahí, y es difícil que se quite. Tanto, que ahora que está en la cima de su profesión dicho escándalo volvió  a salir en la prensa.

En 2015 se anunció que Matt Damon abandonaba el nuevo proyecto del director Kennet Lonergan  y que su remplazó sería Casey Affleck. Así llegó a la cinta que le exigió su mayor actuación Manchester by the Sea, donde interpreta a Lee Chandler, un hombre lúgubre y solitario que tiene que hacerse cargo de su sobrino adolescente tras la muerte de su hermano.

Después de esa cinta ha destacado en los largometrajes Historia de fantasmas  (2017) y Un caballero y su revolver ( 2018, el último trabajo del actor Robert Redford); ambos filmes dirigidos por David Lowery. Asimismo, en 2019  se estrena la cinta Luz de mi vida dirigida y escrita por Casey.

Escaló poco a poco posiciones en Hollywood, llegó a la cima,  los escándalos aparecieron (y la duda permanecerá) y ganó el  Oscar por una actuación destacada, tal vez así, deje de ser solamente el hermano de Ben y la gente sepa quién es Casey Affleck.

 


10 grandes actuaciones de Natalie Portman

Natalie Portman es una actriz que desde su primera película, a la edad de 13 años, se convirtió en una artista querida y admirada por el público. Carismática, fiel a sus principios, sus actuaciones no tienen desperdicio.

Por Redacción CinEspacio24 Noticias 

Nació el 9 de junio de 1981, en Jerusalén, Israel, pero desde muy joven se mudó a los Estados Unidos, tiene ambas nacionalidades. Es una actriz, productora y psicóloga.

Estudio psicología en la Universidad de Harvard en 2003, en ese tiempo declaraba que no le importaba que sus estudios universitarios arruinaran su carrera como actriz; y no lo hicieron, al contrario, mostró a una interprete inteligente, sensible y con mayor capacidad actoral.

Para ejemplo estas diez películas de una actriz que bien puede hacer cine independiente y blockbusters (por ejemplo, en unos años la vamos a ver como la nueva Thor en el Universo de Marvel)

 

1.- Léon (1994)

A los trece años Natalie Portman hizo su debut en el cine, y fue con una película que actualmente se considera de culto, Léon.

Comparte créditos con Jean Reno y Gary Oldman. En la cinta, dirigida por Luc Besson, Portman interpreta a una niña huérfana que se encariña con el asesino a sueldo que la salva.

 

 

2.- Closer (2004)

Por esta película Natalie recibe su primera nominación al Oscar como Mejor Actriz de Reparto.

El filme, dirigido por Mike Nichols, es un obra sobre el amor y las infidelidades; con unos diálogos cínicos e irónicos, la cinta nos lleva a un mundo donde el amor puede ser doloroso.

Natalie hace el papel de Alice, una chica misteriosa que se enamora de un escritor fracasado.

Comparte créditos con Jude Law, Clive Owen y Julia Roberts.

 

 

3.- V for Vendetta (2005)

Esta película basada en la novela gráfica de Alan Moore y David Lloyd, adaptada al cine por las hermanas Wachowski y dirigida por James McTeigue, es una cinta sobre un misterioso personaje que se hace llamar V, usa una máscara (que se ha convertido en un sello iconico para protestar) y que busca que la gente despierte y se manifieste contra un gobierno opresor.

Natalie realiza el papel de Evey una joven que comprenderá las intenciones de V y lo ayudará. Un filme que poco a poco se ha convertido en una obra de culto.

 

 

4.- La otra reina (2008)

Esta película de época cuenta la historia de Ana Bolena, la mujer que en la Inglaterra monárquica del siglo XVI convenció al Rey Enrique VIII de que se divorciara y se peleara con las iglesia católica.

El filme esta basado en la novela homónima de Philippa Gregory, y narra la vida de las hermanas Bolenas, Ana (Natalie Portman) y Mary (Scarlett Johansson).

Portman muestra a una Ana seductora, orgullosa y desesperada por darle un hijo varón al Rey.

 

5.- Entre hermanos (2009)

Esta cinta, remake de una película danesa, narra un cruel y desgarrador triángulo amoroso; una tragedia contemporánea.

Dirigida por Jim Sheridan, cuenta la historia del soldado Sam Cahill (Tobey Maguire), quien está casado con Grace Cahill (Natalie Portman) y tienen dos hijos. Cuando se va a luchar a Afganistan, el Gobierno le anuncia a su familia que ha muerto. Su hermano, Tommy Cahill (Kaje Gyllenhaal) cuida de su cuñada y sus sobrinos, pero tomará el lugar de padre y esposo; sin embargo, su hermano sólo desapareció.

Fuerte historia que aborda el estrés postraumático de los soldados;  con una Natalie Portman demostrando una capacidad actoral impresionante.

 

 

6.- El cisne negro (2010)

Por esta cinta Natalie ganó el Oscar a Mejor Actriz. Dirigida por Darren Aronofsky, Portman da vida a Nina una destacada bailarina que forma parte de la compañía de ballet de Nueva York.

Nina se obsesiona por obtener el papel principal, hasta llegar a puntos de delirios, donde no reconoce que es realidad y ficción.

Las expresiones, su corporalidad y su tono de voz hacen que lo mejor de la cinta sin duda sea Portman.

 

 

7- Jackie (2016)

Realizada por el reconocido director chileno Pablo Larraín, la cinta es una biopic de Jackie Kennedy, después del asesinato de su esposo, el presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, en 1963.

La cinta se enfoca sólo en los días que le siguieron al asesinato y lo que pasó con Jackie.

De nuevo su voz, su corporalidad y sus movimientos destacan. Por este excelente trabajo recibió una nominación más al Oscar como Mejor Actriz.

Aquí pueden leer nuestra reseña de la película: “Jackie”, la fascinante actuación de Portman

 

 

8.- Song to song (2017)

Esta película de Terrence Malick no será su mejor obra; pero destacan el reparto y sus agradables actuaciones, Ryan Gosling, Rooney Mara, Michael Fassbender y, sobre todo, Natalie Portman.

Ambientada en la escena musical de Austin, Texas, narra dos triángulos amorosos y sus problemas y obsesiones de cada uno de los involucrados.

 

 

9.- Aniquilación (2018)

Una preciosa y brillante obra de ciencia ficción dirigida por Alex Garland y basada en la novela homónima de Jeff VanderMeer.

La cinta nos cuenta la expedición de unas científicas y militares a un desconocido lugar en donde las leyes de la física no existen.

Misteriosa, con un buen ritmo y escenas deslumbrantes, Portman da vida a al bióloga Lena, quien descubrirá de dónde salió ese inhóspito mundo.

 

 

10.- Vox Lux (2018)

 

Vox Lux trata sobre una estrella del pop que llegó a la fama después de sufrir una tragedia escolar. Protagonizada de manera brillante por Natalie Portman.

Dirigida por Brady Corbet, es una cinta que muestra el cinismo y la decadencia de una cantante de pop; en el contexto de una sociedad violenta, hipócrita, y donde la fama parece ser la mayor virtud.

Aquí pueden leer nuestra reseña de la cinta: “Vox Lux”, de la tragedia a la fama

 

¿Qué otra película agregarías?


Seis películas que tienes que ver de Carey Mulligan

Talentosa, con una bella cara que parece que nunca envejece, y  siempre acompañada de expresiones de tristeza y melancolía, así es la actriz Carey Mulligan.

Por Redacción CinEspacio24 Noticias 

Carey es una actriz inglesa, que nació  el 28 de mayo de 1985; su padre era administrador de hoteles y su madre una profesora universitaria. A pesar de la negación de sus padres, ella hizo todo lo posible por ser actriz y a los 19 años consigue un papel en la cinta Orgullo y Prejuicio (2005). Después varios capítulos en series de televisión británica y obras de teatro.

No ha conseguido ese papel que le dé muchos premios; pero al final eso no importa, en estas películas ha demostrado que su capacidad actoral, en conjunto con su taciturna y tierna cara, es destacada.

 

1.- An Education (Enseñanza de vida 2009)

Quizá sea la película que la llevó al estrellato, ya que por este papel estuvo nominada al Oscar como Mejor Actriz.

En este filme interpreta a Jenny Mellor una joven un poco ingenua y soñadora que se enamora de David (Peter Sarsgaard), un hombre 20 años mayor que ella. La relación va bien hasta que ella descubre que su pareja es un ladrón y estafador; pero Jenny encontrará en ese estilo de vida algo que le atrae.

Dirigida por Lone Scherfig y basada en un texto autobiográfico de la periodista inglesa Lynn Barber.

 

2.- Never let me go (Nunca me abandones 2010)

Basada en la novela homónima del escritor japonés Kasuo Ishiguro (premio nóbel de literatura en 2017), es una cinta de ciencia ficción y amor, que narra un mundo donde hay seres humanos que son creados y cuidados para que se conviertan en donadores de órganos, es decir, cuando llegan a una edad madura les quitan varios órganos, para después llevarlos a la población “normal” y estos puedan vivir muchos años más.

Entre esos jóvenes donadores, que saben que su vida es corta, se encuentran Kathy (Carey Mulligan), Ruth (Keira Knigthley) y Tommy (Andrew Garfield), entre ellos nace un triángulo amoroso.

Carey hace un trabajo destacado de una mujer fuerte y decidida en ayudar pero consiente de su destino. La película, bella en fotografía, es una poesía de la fugacidad de la vida y el amor.

 

 

 

3.-Drive (Drive, le escape 2011)

Dirigida por el danés Nicolas Winding Refn, narra la historia de una madre soltera, Irene (Carey Mulligan) y cómo tiene que sobrevivir a las vicisitudes de la vida. Mientras tanto conoce a Drive (Ryan Gosling), un hombre taciturno y misterioso.

Entre los dos comienza a nacer destellos de amor; pero  Drive tiene una vida complicada y de violencia, la cual sin quererlo involucrará a Irene.

Carey hace un papel melancólico, amoroso, sensible ante un hombre que es todo los contrario.

Punto aparte tiene la increíble fotografía de la cinta y la partes reflexivas de las tomas.

 

 

4.- Shame (Deseos culpables 2011)

Sissy (Carey) es la hermana desastrosa de Brandon (Michel Fassbender), un hombre con un buen trabajo, guapo, educado y ordenado; pero tiene un problema que llega a afectar su vida, es adicto al sexo.

Cuando su hermana llega de visita y se queda unos días con él, esta adicción parece crecer hasta llegar a límites inesperados. Ella intenta sin lograrlo comprender a su hermano. Sus diferentes ideologías y comportamientos se contraponen para mostrarnos una historia de celos, lujuria y algo violenta.

Es dirigida por el reconocido director Steve McQueen.

 

5.- The great Gatsby (El gran Gatsby 2013)

Basada en la novela homónima del escrito F. Scott Fitzgerald, (muchos consideran este libro la obra americana por excelencia). Trata de la vida de Gatsby (Leonardo Dicaprio), un joven pobre que se enamora de Daisy (Carey Mulligan), pero su amor no puede ser por la falta de riqueza de Gatsby.

Después de varios años Gatsby regresa siendo un multimillonario excéntrico y vuelve para demostrarle a Daisy que se convirtió en alguien exitoso, ahora pueden esta juntos; sin embargo ella ya esta casada y así comenzará un triángulo amoroso, donde la avaricia tiene más poder que el amor.

A pesar de que la dirección de Baz Luhrmann hizo de la obra un espectáculo circense (muy lamentable), la actuación de Carey destaca.

 

 

6.- Las sufragistas (2015)

En esta cinta, dirigida por Sarah Gavron, Carey comparte créditos con Meryl Streep y Helena Bonham Carter.

Basado en un hecho real, narra el movimiento sufragista en Inglaterra antes de la Primera Guerra Mundial, donde mujeres de clase obrera protestaban por su derecho a votar, pero ante la negativa del gobierno poco a poco comenzaron a luchar más arriesgadamente.

Carey da vida a Maud Watts una mujer que se comprometió fuertemente con el movimiento. Destacado papel de Mulligan.

 

¿Qué otra película pondrías?

 

 

*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.

 


5 buenas actuaciones de Cumberbatch de personajes inteligentes y algo soberbios

Benedict Cumberbatch es un buen actor inglés que ha destacado tanto en series, películas independientes y producciones inmensas; en sus entrevistas siempre refleja que es un tipo simpático y carismático; sin embargo, sus mejores actuaciones han tenido una característica: resaltan más sus papales donde interpreta a un intelectual insoportable.

Por Redacción CinEspacio24

Su nombre completo es Benedict Timothy Carlton Cumberbatch, nació el 19 de julio de 1976. Ha hecho teatro, cine, doblaje y televisión. El papel que lo “lanzó” a la fama fue  la película para televisión Hawking (dirigida por Philip Martin en 2004), donde le da vida al astrofísico Stephen Hawking.

Con una voz potente y con expresiones sobrias y elegantes, Benedict tiene en su filmografía unas actuaciones donde es el sabelotodo que nadie lo soporta; series y películas bien hechas donde la actuación de Cumberbatch es extraordinaria.

Aquí la lista de sus personajes que son inteligentes pero de difícil trato.

 

 1.- La serie Sherlock (2010)

Esta serie británica, producida por la BBC, es un versión moderna del detective Sherlock Holmes, creado por el escritor Arthur Conan Doyle.

En esta nueva interpretación de Holmes, se basan en los clásicos cuentos del detective y lo acoplan a un ambiente actual.

Benedict interpreta a Sherlock un detective privado con un gran coeficiente intelectual y que puede resolver cualquier caso gracias a su privilegiado pensamiento deductivo;  es antisocial, se burla de los policías (a quienes ve como unos ignorantes) y el único que lo soporta y lo entiende es su inseparable amigo el doctor Watson, papel que realiza Martin Freeman.

 

 

2.- El quinto poder (2013)

Dirigida por Bill Condon, esta película es una biopic sobre el polémico Julian Assange, creador de WikiLeaks ese portal donde se difundieron secretos de estado de todos los países. Lo que provocó que Assange se convirtiera en un personaje perseguido por las autoridades, sobre todo del gobierno estadounidense.

La cinta es un buen thriller con un ritmo agradable, donde Benedict interpreta a Assange, un tipo excéntrico, con una inteligencia sobresaliente, un tanto paranoico y pretensioso, que busca que la información sea gratuita y para todo el mundo. 

 

 

 

3.- El código enigma (2014)

Esta cinta, dirigida por Morten Tyldum, es una bipoc de Alan Turing, un destacado matemático inglés, quien tuvo un papel importante para que los aliados salieran victoriosos en la Segunda Guerra Mundial, ya que gracias a su ingenio, creó un aparato (antecedente de lo que hoy conocemos como computadora) que descifró los códigos secretos nazis contenidos en la máquina Enigma.

Benedict realiza el papel de Turing, un joven con un gran coeficiente intelectual y que demerita el trabajo de sus colegas; es antisocial y poco amable.

Por este trabajo Cumberbatch recibió una nominación al Oscar.

 

 

4.- Doctor Strange (2016)

Esta cinta del universo de super héroes de Marvel, Benedict interpreta al Doctor Stephen Strange, quien antes de convertirse en superhéroe, era un reconocido cirujano, presumido, vanidoso y que se burlaba del trabajo de los demás.

 

5.- Brexit: The Uncivil War (2019)

Esta película, producida por HBO, narra un hecho real y perturbador: la estrategia de comunicación que creo Dominic Cummings para que la gente en Inglaterra votara por salirse de la Unión Europea.

Dominic se enfocó en las redes sociales y en un programa de espionaje, así como la creación de frases potentes para llegar a un cierto sector de la sociedad y así culpar a los extranjeros de los males que aquejan a Inglaterra.

Esta misma estrategia la replicaron en la campaña de Donald Trump para ser presidente de los Estados Unidos.

La cinta, dirigida por Toby Haynes, es muy reveladora e invita a la reflexión. Por su parte, Benedict realiza el papel de Dominic, un analista y estratega político que muestra una gran inteligencia.

 

 

¿Qué otra película agregarías?