“Hideo Nakata”, y su terror japonés que atravesó fronteras

El trabajo del director japonés Hideo Nakata consiguió dejar eco en la industria cinematográfica hollywoodense con una historia original. Lograr que su influencia prevalezca en un género tan duro como el terror fue una titánica victoria.

 

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Hideo Nakata nació el 19 de julio de 1961 en Okayama, Japón. Estudió en la Universidad de Tokio, después de graduarse entró a trabajar a Nikkatsu Studio, una reconocida compañía japonesa fundada en 1912 que se dedica al entretenimiento, además de ser uno de los principales estudios de cine y el más antiguo de Japón.

Durante sus primeros siete años en el estudio fungió como ayudante de directores como Masaru Konuma (Female Prisoner: Cage, 1983) Hiroyuki Nasu (Bee Bop High School, 1985) y Yoichi Sai (Blood and Bones, 2004), con quienes entabló una solida carrera como ayudante de director.

Debutó en la dirección en 1996 con Ghost Actress, una cinta que nos narra como el elenco de una película descubre una película dentro de su propia película, la cual es una cinta de 20 años atrás. Así una de las actrices del elenco muere de la misma manera que la actriz del viejo filme.

En 1998 estrenó la película que le daría reconocimiento mundial, Ringu. El filme trata sobre una reportera de televisión que investiga una cinta con un mito peculiar a su alrededor, pues mata a todo aquel que ve el video.

La película tuvo un remake hollywoodense titulad El Aro estrenada en 2002 y dirigida por Gore Verbinski (Rango, 2011). Dicho remake tuvo una secuela El Aro 2 (2005), la cual dirija el propio Hideo Nakata.

Nakata lanzó en 1999 una secuela de su cinta Ringu titulada Ringu 2, en la cual seguimos a una mujer que investiga una leyenda mortal sobre una videocinta que trae la muerte en 7 días.

Otras de sus cintas fueron Dark Water(2002), una cinta basada en la novela Koji Suzuki Honogurai Mizu No Soko A Kara del escritor Koji Suzuki, donde el fantasma de una estudiante acecha a una mujer divorciada y a su joven hija después de que se mudaran a un viejo edificio; y su largometraje El Bosque de los Suicidas que se estrenó 2013.

Otras películas que ha dirigido son Joseph Losey: The Man With Four Names (1998), Kaosu (1999), Sadistic and Masochistic (2000), Sleeping Bride (2000), Sotohiro (2000), Last Scene (2002), Kaiki Daisakusen – Second File (2007), Kaidan (2007), L Change The World (2008), Chatroom (2010) y Inshite Miru: 7-Kakan No Desu Gemu (2010).

Hideo Nakata se ha hecho de un pequeño legado silencioso, ya que logró que más de una nación conociera su obra, sin saber que se convertiría en una de las favoritas del los amantes del cine de terror noventero.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Wes Craven, y su cine que entró en nuestras pesadillas

Hablar de Wes Craven es hablar de uno de los personajes más importantes en la historia del cine de terror. Creador de personajes icónicos que siguen provocando miedo, logró plasmar su nombre con letras de oro gracias a su increíble imaginación.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Wesley Earl Craven nació el 2 de agosto de 1939 en Cleveland, Ohio, Estados Unidos. Hijo de Caroline y Paul Craven. Tuvo una educación bautista, aunque tiempo después se declaró ateo.

Consiguió en la Universidad de Wheaton dos licenciaturas, una en inglés y otra en psicología, mientras que en la Universidad Johns Hopkins obtuvo una maestría en filosofía y escritura. Tras esto, Craven impartió por un breve tiempo clases de inglés en el Westminster College y fue profesor de humanidades en el Clarkson College Of Technology (ahora Universidad de Clarkson).

En la década de los 70, Craven se hizo de una pequeña fama como director truculento, debido a que sus primeras cintas eran trabajos de escasos fondos económicos pero que tenían imágenes controvertidas por ser demasiado explícitas para esa época. Además, en ese tiempo dirigió y escribió una película pornográfica bajo el pseudónimo de Abe Snake.

Durante esta etapa estrenó La Ultima Casa a la Izquierda (1972), The Fireworks Woman (1975), Las Dos Caras De Julia (1978), la cinta con la que comenzaría a hacer ruido en la industria; Las Colinas Tienen Ojos (1977), película que ganó el premio de la crítica en el Festival de Cine de Sitges, y que nos cuenta como una familia estadounidense se va de camping a un desierto de Nevada, sin saber que una vez ahí serán cazados por un clan de caníbales deformes que habitan el lugar.

Ya en los años 80 escribió el guión de lo que sería la obra que le daría un renombre mundial: Pesadilla en la Calle del Infierno (1984). Tras intentar vender esta idea a diferentes estudios y productoras y ser rechazado constantemente debido a que parecía una cinta demasiado surrealista y sin credibilidad, fue finalmente New Line Cinema quien se arriesgó con el proyecto, para después sacar diversas secuelas que fueron criticadas por el propio Craven (exceptuando la séptima entrega), ya que las consideraba “malas continuaciones” y que habían destruido la esencia original.

La cinta sigue a Freddy Krueger, un asesino que atormenta a un grupo de adolescentes matándolos en sus sueños para de esta manera eliminarlos en la vida real.

Este largometraje marca la primera aparición de Freddy Krueger, uno de los personajes más emblemáticos del cine de terror. Craven cuenta que la inspiración de dicho personaje nació de un sujeto que se apareció una noche afuera de su ventana cuando era un niño. Un hombre de aspecto aterrador y escalofriante. Dicho hombre miró fijamente al pequeño Craven a los ojos y le sonrió. Cuando decidió contarle esto a su hermano mayor, bajó las escaleras para echar un vistazo, pero no encontró nada.

En esta década también dirigió Bendición Mortal (1982), La Cosa del Pantano (1982), Invitation Hell (1984), Las Colinas Tienen Ojos 2 (1984), Hibernando Vivo (1985), Amiga Mortal (1986) La Serpiente y el Arcoíris (1988), Shocker, 100.000 Voltios de Terror y varios capítulos de la famosa serie de televisión, Más Allá de los Limites de la Realidad (The Twilight Zone).

En 1997 estrenó Scream: Grita Antes de Morir, la primera de cuatro entregas de lo que se convertiría en otro de los referentes de Craven.

Como parte del mismo universo también dirigió Scream 2: Grita y Vuelve A Gritar (1997), Scream 3: La Máscara de la Muerte (2000) y Scre4m: Grita de Nuevo (2011), la cual fue la última película dirigida por Craven.

En su carrera también se encuentran las cintas Visiones Nocturnas (1990), El Sótano del Miedo (1991), La Nueva Pesadilla de Wes Craven (1994), Un Vampiro Suelto en Brooklyn (1995), Música del Corazón (1999), La Maldición (2005), Vuelo Nocturno (2005) y Paris, je t’aime (2006)

Tristemente, el 30 de agosto de 2015, falleció Wes Craven a la edad de 76 años en Los Ángeles, California, Estados Unidos, debido a cáncer de cerebro.

“Todo el mundo está haciendo películas de terror y, en mi opinión, no lo hacen especialmente bien. No sé si la culpa es de las grandes empresas que se están apoderando de los pequeños estudios o qué. Pero realmente hace falta que los jóvenes cineastas empiecen a hacer lo que les salga directamente del corazón”, aseguraba Craven.

Su huella en la historia del cine de terror es innegable, y su legado, al igual que Freddy, se mantendrá vivo en nuestras mentes, sobre todo en nuestras más terribles pesadillas.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.

 


“Midsommar”, un infierno que florece

Midsommar, cinta de terror dirigida por Ari Aster, nos lleva a una comunidad en Suecia donde van a celebrar un festival; Dany y sus compañeros estadounidenses están invitados al evento, y descubrirán tradiciones y costumbres sanguinarias. 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

En momentos de depresión se suele buscar una salida fácil: donde no estemos vulnerables, solitarios, incomprendidos o desesperados. Más si el sentimiento de tristeza viene de la muerte de un ser querido, es decir, estar en duelo. Una confrontación personal por aceptar la pérdida de alguien.

En esos casos, pueden aparecer, como carroñeros, personas que te brindan su ayuda, consuelo y comprensión. Y lo que te ofrecen parece ser lo que necesitas, recuperar esa parte que se te ha ido. Aceptas su ayuda, te entregas a su amor, en un estado de vulnerabilidad todos somos presas fáciles, sin entender o querer comprender que firmas tu entrada a una secta.

De eso trata la cinta Midsommar, del director Ari Aster, una obra que como su primer largometraje Hereditary, nos habla de las heridas y lo complicado que es recuperarse después de la muerte de un familiar.

Aster vuelve abordar el tema del duelo para llevarnos a un mundo que parece onírico, paradisiaco, como un bello canto que nos atrae hacía él; pero que en el fondo, detrás de esa primera y hermosa imagen, está una secta que lleva a cabo sacrificios humanos, justifica el incesto y realiza acciones sangrientas y depravadas, con el fin de alegrar a sus dioses.

El filme comienza narrando la tragedia que sufrió Dany (Florence Pugh), cuando su hermana se suicida y mata a sus padres. Ante eso llama a su novio Christian (Jack Reybor), quien unas horas antes de que sucediera tal evento hablaba con sus amigos de que ya quería terminar con ella. Un distanciamiento que se va a ver en toda la película y será punto clave de su premisa, ya que Dany no encuentra en su pareja el consuelo que busca.

Christian, con dos amigos más, planearon viajar a un pueblo en Hälsingland, Suecia, donde creció su compañero de la universidad Pelle (Vilhelm Blomgreen), y así conocer la fiesta tradicional que realizan en dicho lugar cada noventa años. Dany no estaba considerada para ir al viaje, sin embargo después de lo que le ocurrió deciden invitarla.

Los cuatro jóvenes estadounidenses, llegan al pueblo de Pelle, quien les explica que ahí son una comunidad muy unida donde todos son hermanos y hermanas. Así llegan a un sitio lleno de luz, con una naturaleza floreciente y resplandeciente, un lugar donde todos visten de blanco y las mujeres llevan coronas hechas de rosas.

Todos se abrazan, cantan, bailan, y reciben con mucha amabilidad a los invitados de Pelle. Además de darles hongos alucinógenos para que su experiencia sea más mística.

Mientras los jóvenes están ahí cada día ven tradiciones más raras, fuera de lo normal, que los hace dudar de la cordura del pueblo. Sobre todo Dany, que en su estado de duelo no encuentra paz, pero varios detalles y apoyo de la comunidad hacen que ella se siente protegida y querida. Esto provoca que en medio de un lugar que parece un paraíso florezca un infierno.

Aster es un director que sabe construir ambientes tétricos (más si consideramos que en esta cinta todo pasa con luz de día), gracias a intrigantes movimientos de cámara, detalles sombríos en la ambientación, diálogos sencillos pero misteriosos, escenas perturbadoras y, quizá la mayor de sus fortalezas, poner la música correcta en los momentos de tensión y terror.

En ese sentido, no es un director que busque crear jump scares o mostrar entes diabólicos. Su reflexión es más profunda y a diferencia de su ópera prima Hereditary, donde sí mostraba una explicación paranormal, en Midsommar nos enseña los actos diabólicos a los que puede llegar el ser humano cuando está convencido que sus dioses exigen sangre.

El duelo de Dany se convierte en el pretexto perfecto para que una secta la atraiga, con promesas de comprensión y amor.

Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


“It: Chapter Two”, Pennywise y el alma de sus Perdedores

It: Chapter Two comienza con la profecía descrita en la primera entrega, que reza que tras 27 años el pueblito de Derry será atacado otra vez por Pennywise, el monstruoso payaso hambriento de carne humana.

 

Por Isaac Piña Galindo*

@IsaacPi15a 

El director argentino Andy Muschietti nos hace volver al mundo de “IT” con una eficaz secuencia que sintetiza la “fórmula del horror” de la primera entrega: dos marginados que sufren el ataque por parte de un grupo violento (bullies), agravio que provoca la llegada de Pennywise, quien captura y mata a uno de los agredidos.

El peso de la película recae por completo en la química del elenco estelar, cuyos integrantes construyen el clima emocional a partir de lo conseguido por el entrañable reparto juvenil de la primera entrega.

 

Para reforzar la química de los adultos, Muschietti y el guionista Gary Daubermann juegan con el concepto de la memoria a fin de crear flashbacks que nos lleven a redescubrir a los Perdedores, develando aspectos desconocidos no sólo de su historia como grupo sino también de la personalidad de cada uno.

El contraste entre infancia y adultez confiere un mayor realismo al drama de It: Chapter Two, porque incluso replantea que el relato de It: Chapter One, al contarse desde la perspectiva de los niños, conservaba su inocencia y cubría a la historia de un halo de fantasía aun cuando se encontraban azorados por el terror de Pennywise.

De la sólida actuación grupal destaca el enérgico bit cómico de Bill Hader, quien poco a poco se roba la película. El terror de It: Chapter Two funciona porque Muschietti contrapone la descabellada parafernalia violenta del payaso (y el pueblo) con el mordaz y ágil humor negro que representa Hader.

El guión de Daubermann también sobresale por reunir elementos icónicos de la novela original al mismo tiempo que adopta el espíritu pop de la obra de Stephen King: un abanico de elementos sobrenaturales y de terror, desde la magia ancestral de un pueblo indio hasta criaturas grotescas de varios tamaños (y consistencias), así como varios guiños a otros “kingsismos”.

Es posible entender It: Chapter Two como una aventura épica por las décadas que cubre, los entresijos emocionales que la envuelven y la mitología escondida detrás de la sanguinaria empresa de Pennywise. No obstante, Muschietti nunca pierde de vista que el alma de la historia la constituyen los Perdedores, los niños inadaptados que crearon un universo propio nutrido por su invencible núcleo afectivo, el cual les sirve como refugio del mundo y fuente de valentía para vencer cualquier mal.

*Cineasta y Colaborador en CinEspacio24 Noticias


Macabro proyectó la restauración de la cinta “La Llorona”

Como parte de MACABRO Festival Internacional de Cine de Horror de la ciudad de México, se proyectó la restauración de la película La Llorona, de 1933, dirigida por Ramón Peón, ayer por la noche en la Biblioteca México.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

El evento contó con la presencia de Edna Campos, directora del festival, quién fue la encargada de dar la bienvenida a todos los asistentes que se dieron cita en el recinto.

También estuvo presente Hugo Villa, director de la Filmoteca de la UNAM, quien resaltó la calidad técnica con la que se cuenta en México, haciendo alusión a los avances tecnológicos de La Llorona en 1933.

Por su parte, Viviana García Besné, de Permanencia Voluntaria (organización que conserva el acervo filmográfico mexicano), dio una breve explicación sobre la manera en que fue grabada dicha cinta, además de mencionar algunos datos curiosos sobre el rodaje.

La restauración de la película estuvo a cargo de The Academy Film Archive, Cine Fantástico, Filomoteca de la UNAM, The Hanson Institute y presentada por el Archivo Permanencia Voluntaria.

La Llorona es considerada una de las primeras películas de horror en México. Con una duración de aproximadamente 75 minutos, el largometraje nos narra como una familia está agobiada por el personaje de la mítica leyenda mexicana, La llorona.

Sin duda, Macabro ha logrado hacerse de un renombre dentro de la industria, y es indudable el aumento en el alcance que consigue año tras año. Se ha convertido en uno de los festivales de cine de terror más importantes, y eso es gracias a esta clase de eventos que cada vez atrae a más personas, con la promesa de sumergirlos en un viaje a través del terror que nunca olvidarán.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


“The Siren”, terror en un lago

En la cinta de terror The Siren, un joven se enamora de una misteriosa chica quien le gusta nadar por la noche en un lago donde varias personas se han ahogado.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

En la cinta de terror The Siren, que forma parte del Festival Macabro 2019, Tom (Evan Dumouchel), es un religioso y mudo muchacho que se va a vivir a una pequeña cabaña ubicada cerca de un lago, con la intención de descansar un tiempo. Una vez ahí, conocerá a Nina (Margaret Ying Drake), una misteriosa y hermosa chica de la cual se enamora, sin saber todo lo que esconde detrás de su linda apariencia.

A su vez, Tom también se relaciona con Al (MacLeod Andrews), un chico que perdió a su pareja por culpa de un monstruo que habita en el lago, una sirena y a la cual juró matar.

La película dirigida por el cineasta Perry Blackshear juega con crear un conflicto moral en el espectador.

Los tres personajes principales los desarrolla de una manera eficaz, así es fácil entender sus motivaciones y comprender las razones de sus actos, por tal motivo, generan cierta empatía con el público.

La figura mitológica de una sirena aún no ha sido aprovechada al máximo. A pesar de que existen varias cintas que giran alrededor de este ser fantástico, no han logrado hacerle justicia, una situación que repite esta cinta.

La sirena no se siente como el principal atractivo de la cinta. Fácilmente pude ser opacada por alguno de los demás personajes. No tiene una memorable caracterización ni alguna escena inolvidable donde nos muestre por qué hay que temerle.

La relación amorosa que se desarrolla en la cinta, por momentos nos recuerda a La Forma del Agua (Guillermo del Toro, 2017), sólo que en este caso el chico es el mudo y la chica es el ser acuático. Y otra diferencia es que The Siren se siente más experimental.

La tensión de la cinta salta constantemente entre el horror y el romance, aunque el balance no es el mejor. Se inclina más hacia un lado y le resta importancia al otro, lo cual no permite una correcta armonía entre géneros.

Siempre es arriesgado jugar y experimentar con los géneros cinematográficos, ya que pueden crearse joyas que refresquen a la industria, en este caso lo intentaron.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


“Model Home”, buen terror psicológico

Model Home es una cinta de terror psicológico, sobre una madre y su hijo que intentan decorar una casa para después venderla como el lugar perfecto para vivir; sin embargo, problemas mentales agobiarán a los protagonistas.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Siempre he creído que el terror psicológico en el cine se encuentra muy infravalorado. Atrae y emociona más al público una cinta donde las puertas y las ventanas se cierren solas a causa de un espíritu maligno, que una propuesta peculiar que se tome su tiempo para realizar una obra novedosa.

La película Model Home, dirigida por Patrick Cunningham, que se presentó en México como parte del Festival Macabro 2019,  es una interesante historia que se enfoca en la perdida de la cordura y los problemas que eso implica.

Camila (Monique Gabriela Curnen), es una madre soltera que se muda a una nueva casa con el fin de decorarla y prepararla para venderla. Vive con su hijo Jaime (Luke Ganalon), quien se encarga de que su madre se tome sus pastillas y no descuide su salud. Durante los meses de mayo, junio, julio y agosto veremos a la pequeña familia adaptarse a su nuevo hogar sin saber que las cosas no fluirán como esperan.

La paleta de colores del filme va de la mano con el hecho de que la historia transcurre en su mayoría durante el día y en lugares iluminados, algo que no ha sido explotado del todo en las películas de terror.

La mayoría de cintas de este género intentan transmitir miedo y pánico hasta en el más pequeño de sus detalles, sin embargo en Model Home usan una vía completamente diferente. Crean personajes sumamente carismáticos e incluso se dan el lujo de ponerle unos tintes de comedia al guion.

El estilo del largometraje es muy fresco. Cintas como esta o Cita de Sangre (Sean Byrne, 2009), le dan un respiro al género, pues aún con todas sus libertades logran su objetivo que es meter en tensión al espectador.

El terror psicológico de la cinta funciona gracias al ritmo de la misma. En ningún momento se siente apresurada pero tampoco pierde al espectador y su atención. Si en la pantalla no está ocurriendo una catástrofe nos muestran momentos ocurrentes que nos harán encariñarnos hasta con el más irrelevante de los personajes.

El filme involucra al espectador y lo hace parte de la historia. No exagera con las explicaciones, y provoca que el público una los fragmentos de la cinta como si fueran un rompecabezas.

Siempre hay cosas nuevas que explorar, aún cuando parece que todas las posibilidades de un género se han agotado, todo es cuestión de ingenio y perspectiva.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.

 


“Morgue Maldita”, buen terror brasileño

Morgue Maldita es una cinta de terror brasileña, que narra la vida de un trabajador de una morgue que puede hablar con los muertos; cuando se entera que su esposa lo engaña, utilizará a los muertos para dañar a su pareja.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Una buena película de terror no sólo causa miedo, también es una crítica social. Bien puede abordar cosas sobrenaturales y demoníacas, y de trasfondo realizar una denuncia sobre un deplorable acto, el cual en la realidad es más espantoso que los propios monstruos que nos presenta la cinta.

Para ejemplo está el reciente filme brasileño, Morgue Maldita (Morto Nao Fala), del director Dennison Ramalho, una buena propuesta de terror que narra la vida de Stenio (Daniel de Oliveira), un empleado de una morgue en Sao Paulo que puede hablar con los cadáveres, y que tiene como subtexto el machismo.

Stenio es un persona que trabaja el turno nocturno en la morgue, su trabajo consiste  en coser las heridas de los cadáveres y limpiarlos. Para este personaje una noche común es recibir a una persona acuchillada en un partido de futbol, algún atropellado o un cuerpo destruido por el crimen organizado.

Por una desconocida razón, Stenio puede hablar con los muertos, quienes le cuentan sus secretos. Así se entera de la rivalidad entre las bandas delictivas de la ciudad.

Stenio está casado y tiene dos hijos, su esposa Odete (Fabuila Nascimento), es una mujer que ya no soporta a su marido, no le gusta la vida que lleva y odia el olor de su esposo cuando regresa de trabajar, es una mujer infeliz.

Una noche, a la morgue llega un cadáver que en vida conocía a Stenio, y le confiesa que Odette lo engaña con el dueño de la panadería de su comunidad. Esto desatará una ira estrepitosa en Stenio y convencerá a una banda de narcotraficantes para que ataque a su mujer y a su amante. Sin embargo, al hacer esto los muertos le reclaman: “los secretos de los muertos se van con ellos a la tumba, ahora estás maldito”.

Por tal motivo, un espíritu diabólico agobiará a Stenio e intentará matar a sus hijos.

El filme la Morgue Maldita tiene de trasfondo lo enfermizo que pueden ser los celos, el machismo, la negación y responsabilidad de nuestros actos, y esto lo retrata de manera brillante y temeraria el director Dennison, quien utiliza el género de terror para reflexionar sobre estos asuntos y de paso causarnos varios sustos. 

Con un ritmo trepidante, una ambientación tenebrosa de principio a fin, una paleta de colores verdosa y unas escenas donde el cuerpo del ser humano es un producto desechable más (un recurso que refuerza la premisa del filme), es una cinta que impacta desde su primera secuencia cuando un cadáver empieza a hablar coloquialmente con el encargado de la morgue.

El largometraje no explica por qué Stenio puede hablar con los cadáveres, y no es necesario hacerlo, ya que su enfoque es otro, retratar a un tipo que perdió la cordura y tiene que soportar las consecuencias de sus actos, ese hilo conductor jamás se pierde en la cinta.

El largometraje tiene aterradoras tomas sangrientas,  imágenes espeluznantes  que para el protagonista son normales, jump scares bien realizados y con una crítica del comportamiento del hombre hacía la mujer, Morgue Maldita es reflexiva y con secuencias que sí te van a espantar.

*Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.

 


“Historias de miedo para contar en la oscuridad”, el poder de las historias

Dirigida por André Øvredal y producida por Guillermo del Toro, Historias de miedo para contar en la oscuridad es una agradable cinta que narra las historias de unos adolescentes que se enfrentan a unos horripilantes monstruos. 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Las buenas historias son poderosas, ya que pueden generar diversas emociones: felicidad, ira, miedo, desasosiego, tristeza, esperanza, entre otras. Asimismo, la fuerza de la palabra escrita puede crear mundos fantásticos, oníricos, bellos y diabólicos. Entender eso y dejarse llevar por una historia es entrar a otro universo.

Esa es la esencia de la cinta de horror Historias de miedo para contar en la oscuridad. Un filme que no se enfoca en  jump scares sencillos o en diabólicas posesiones, las fortalezas del filme están en su ambientación, en el diseño de sus monstruos, en el terror psicológico y en destacar que las historias pueden dañar o sanar.

Dirigida por André Øvredal, quien ya había mostrado su capacidad para dirigir este género en la cinta The autopsy of Jane Doe, y producida por el reconocido director mexicano Guillermo del Toro, el filme es una invitación a la lectura, a crear historias, a soñar con otros mundos y a  no criticar ni rechazar lo “diferente”.

“La historias dañan, las historias sanan”, es la frase que se repite constantemente en la película, y es lo que nos va a mostrar el largometraje: una obra de horror diseñada para abordar ese círculo donde una historia puede ser la peor pesadilla, y después convertirse en una catarsis para sanar y tener esperanza.

En diferentes entrevistas sobre la cinta, Guillermo del Toro resaltó la importancia de contar historias de terror para todo el público, sobre todo a los niños, ya que esas narraciones tienen  a la muerte y a lo diferente como eje principal, y entender eso es comprender mejor la naturaleza humana.

Basada en la novela Scary Stories to tell in the Dark de Alvin Schwartz, el director André presenta una cinta que parecería sencilla pero que exige al espectador una mayor introspección para comprender el mensaje del filme, un mensaje que parte de la muerte para finalizar en un estado de sanación.

Así, nos cuenta las aventuras Stella (Zoe Margaret Colleti), una joven adolescente, taciturna, poco sociable y a quien le gusta escribir. Vive en una constante depresión, ya que su madre la abandonó a ella y a su padre.

Tiene dos fieles amigos Auggie (Gabrie Rush) y Chuck (Austin). Cuando los tres están celebrando la noche de Halloween, uno de sus días preferidos, conocen a Ramón (Michael Garza), y lo llevan a una casa aparentemente embrujada. Según la leyenda en ese lugar una mujer espectral le cuenta historias de terror a los adolescentes, quienes después de escucharlas, desaparecen.

En esa casa Stella encuentra el libro donde vienen las supuestas historias malditas. Decide llevárselo y eso provoca consecuencias aterradoras, ya que en dicho libro comienzan a aparecer nuevas historias, cada una de ellas con un monstruo que tiene como objetivo cazar al protagonista del cuento, en este caso a los amigos y conocidos de Stella.

Historias de miedo para contar en la oscuridad tiene unos subtextos atractivos, reales, que muestran que las historias son como un duelo, donde al principio sufres pero siempre encontrarás una etapa de paz y armonía.

 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


El Festival Macabro anuncia su programación

La décimo octava edición de Macabro se llevará a cabo del 21 de agosto al 1 de septiembre en 16 sedes de la Ciudad de México. Se inaugura con la proyección de la película El Fantasma de la Ópera, dirigida por Rupert Julian en 1925, función musicalizada por EL CLAN en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”, y contará con 148 películas en exhibición: 55 largometrajes y 93 cortometrajes de 31 países.

Este año Macabro Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México celebra dieciocho años de realización continua.  Durante todo este tiempo el festival se ha realizado con un espíritu inquebrantable de lucha por encontrar y consolidar los espacios y mantener un continuo crecimiento.

Cuenta con reconocimiento tanto institucional como internacional que ahora lo ubican como uno de los festivales más respetados del circuito. Medios prestigiados -como la MovieMaker Magazine– lo incluyeron entre los 30 festivales de cine de género fantástico más esperados para este año.

El esperado verano Macabro será en su mayoría de edad, una fantasmal fiesta de la cinematografía de horror para el ansioso público que lo espera. Aquí la programación:

Selección Largometraje Internacional de Horror

15 títulos de 5 países integran la selección

  • The Wind |Dirección. Emma Tammi |Guion: Teresa Sutherland |Estados Unidos | 86 min | 2018 *ELAT
  • The Head Hunter | Dirercción. Jordan Downey |Guion: Kevin Stewart, Jordan Downey |Portugal – Estados Unidos | 72 min | 2018 |*EM
  • Reborn. |Dirección: Julian Richards. Guion: Michael Mahin. EUA | 80 min | 2018 *EM
  • Alive | Dirección: Rob Grant. Guion: Chuck McCue y Jules Vincent | Canadá | 91 min |2018 *EM
  • Red Letter Day. Dirección y guion: Cameron Macgowan | Canadá | 76 min | 2019 *EM
  • Why don’t you just die? Dirección y guion: Kirill Sokolov | Rusia | 95 min | 2018 *EM
  • Artik | Guion y dirección: Tom Botchii | EUA |77 min |2019 Reparto: Lauren | *EI
  • True Fiction | Dirección y guion: Braden Croft | Canadá | 94 min | 2019 | *EM
  • Model Home | Dirección: Patrick Cunningham Guion: Patrick Cunningham y William Day Frank |EUA | 82 min | 2018 | *EM
  • The Night Sitter | Dirección y guion: Abiel Bruhn y John Rocco | EUA | 88 min | 2018 *EM
  • Finale | Dirección: Søren Juul Petersen | Dinamarca | 99 min | 2019 | *EM
  • The Siren |Dirección y guion: Perry Blackshear |EUA | 80 min | 2019*EM
  • The Cleaning Lady | Dirección: Jon Knautz. Guion: Alexis Kendra y Jon Knautz.| EUA | 90 min | *ELAT
  •  Something else |Dirección: Jeremy Gardner y Christian Stella Guion: Jeremy GardnerEstados Unidos | 83 min | 2019 | *ELAT
  • Deep Evil | Guion y dirección: Mark Lu Taiwán | 103 min | 2019 |*ELAT

 

Selección de Horror Ibereoamericano
10 títulos de 7 países
  • Feral | Guion y dirección: Andrés Kaiser |México | 98 min | 2018Con la presencia del director Andrés Kaiser.
  • Alex Winter | Guion y dirección: César Demian | México | 66 min | 2018

Con la presencia del director César Demian

  • Soy Tóxico | Dirección: Pablo Parés | Guion: Pablo Parés, Paulo Soria, Daniel de la Vega | Argentina | 81 min | 2018 | *EM
  • El vampiro del lago | Guion y dirección: Carl Zitelmann |Venezuela | 102 min | 2018
  • Punto muerto | Guion y dirección: Daniel de la Vega | Argentina | 77 min | 2018 *EM
  • ¿Eres tú papá? | Guion y dirección: Rudy Riverón Sánchez | Cuba – Reino Unido | 107 min | 2018 *EM
  • Ghost Killers vs. Bloody Mary |Guion y dirección: Fabrício Bittar | Brasil | 108 min.| 2018  *EM
  • Sangre para la carne |Guion y dirección: Alex Hernández |México| 65 min | 2019| ESTRENO MUNDIAL
  • En el pozo | Guion y dirección: Bernardo Antonaccio y Rafael Antonaccio |Uruguay | 82 min | 2018 |*EM
  • M | Guion y dirección: Javier Devitt | Argentina – 74 min – 2018  *EM

 

Panorama Macabro y Macabro Docs

Esta es una apuesta al cine contemporáneo y al documental

  • Ende Neu |Dir. Leonel Dietsche |Guion: Leonel Dietsche y Michael Glasauer |Alemania | 90 min | 2018 *EM
  • The Mongolian Connection |Dirección: Drew Thomas| Guion: Caleb Monroe y Drew Thomas.  Mongolia | 90 min | 2019 *EM
  • Hous3 | Dirección: Manolo Munguía España | 104 min |2018 *ELAT
  • Deodato Holocaust |Dirección y guión: Felipe M. Guerra |Brasil | 71 min | 2019 *EM
  • Hail Satan? | Guion y dirección: Penny Lane | Estados Unidos | 95 min | 2019 | Selección oficial: Sundance Film Festival 2019, Rotterdam Film Festival 2019 *ELAT

 

 

Estreno Latinoamericano *ELAT
Estreno en México *EM
Estreno Internacional *EI

 

Inauguración

El Fantasma de la ópera musicalizada por El Clan

El festival se inaugura el 21 de agosto a las 20 horas en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris” con el largometraje El Fantasma de la Ópera | Dir. Rupert Julian |Estados Unidos | 106 min | 1925. Sinopsis: En los sótanos de la Ópera de París vive oculto el misterioso Eric, el hombre de voz de án-gel y rostro desfigurado de demonio, que acecha entre pared y pared a la hermosa soprano Christi-ne Daeé, a la que desea catapultar hasta la cima de la fama; pero cuando se entera de que la cantante está prometida al apuesto vizconde Raoul, se vuelve loco de celos. EL CLAN ha sido considerada la banda pionera y precursora del movimiento dark gótico en nuestro país. Su constante reinvención y su descarada actitud a la experimentación, le han permitido man-tener el interés del público a lo largo de los años, convirtiéndose en la banda más innovadora e in-fluyente de la subcultura oscura gestada en México. EL CLAN está conformado por: Gustavo Pérez Ramírez “El Castor” en la voz, Jaime Chávez Bravo en la guitarra, Omar Federico Mundo González en el bajo, Luis Gerardo García López en el teclado, Germán Quintero Castro en la batería. – Acceso gratuito hasta llenar cupo. Boletos mismo día en las taquillas del Teatro

 

Pre estreno

En colaboración con Corazón Films este año Macabro pre estrenará la cinta Midsommar de Ari Aster | Estados Unidos | 146 min |2019 . Reparto: Florence Pugh, Jack Reynor, William Jackson, Will Poulter Sinopsis: Una pareja de jóvenes viaja con sus amigos a un pueblo en Suecia, para el festejo de un festival tradicional. Lo que empieza como un retiro idílico se convierte rápidamente en una violenta competencia de fuereños contra paganos.

 

Para sedes y horarios visita la página oficial del festival macabro.mx