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Actualmente hay directores que utilizan una fotografía en blanco y negro porque su narrativa se los exige, ya sea para crear un ambiente más nostálgico, recrear un tiempo pasado, convertir a las sombras en un personaje, hacer un estética más elegante, es decir, el uso de este recurso nos ha entregado propuestas maravillosas.

 

Por Redacción CinEspacio24 Noticias

Quizá también el presupuesto influye y no queda de otra que filmar en blanco y negro, pero son más los casos que se utiliza en torno al concepto o a la premisa que busca dar el director.

Eso ha dejado películas con una gran calidad, que resalta la belleza en la fotografía, en la forma del encuadre y en las actuaciones. Para ejemplo estas nueve películas en blanco y negro que se filmaron en esta década.

 

1.- El caballo de Turín (2011)

Comenzamos con esta gran película dirigida por Béla Tarr y Ágnes Hranitzky. Fotografiada por Fred Kelemen, la cinta tienes largos planos secuencias que se combinan con precisión con el recurso en blanco y negro para abordar un tema reflexivo y filosófico.

Inspirada en una vivencia del filósofo Friedrich Nietzsche, cuando vio a un cochero golpear con un látigo a un caballo que ya no quería moverse, y ante tal acto Nietzsche abraza al caballo.

La cinta no se pregunta por la acción del filósofo, aunque sí es su eje narrativo, sino ¿qué le paso al caballo después? Así, de una forma metafórica aborda la rutina de la vida y el sin sentido que puede tener hacer todos los días lo mismo.

 

2.- El artista (2011)

Esta película es un homenaje al cine silente y a sus protagonistas, y el conflicto que literalmente sufrieron cuando llegó el cine sonoro y su vida como interpretes tuvo que cambiar radicalmente.

Por razones casi obvias el filme está en blanco y negro y con un cuidadoso diseño de producción para transpórtanos al inicio del cine.

Dirigida por Michel Hazanavicius, nos cuenta la vida del actor George Valentin (Jean Dujardin), un exitoso y famoso actor de cine silente, que al llegar el sonido no encuentra en ese cine la manera de expresarse, por lo que siente que su carrera se ha terminado.

Filmada de forma silente, con escenas de baile y una actuación brillante de Jean, que tiene su mayor aporte en realizar una interpretación totalmente física y expresiva, gracias a esto ganó el Oscar a Mejor Actor en 2012. Asimismo, la cinta ganó mejor vestuario, banda sonora, director y Mejor Película.

 

 

3.- Frances Ha (2012)

Dirigida por Noah Baumbach y protagonizada por Greta Gerwig, Mickey Summer y Adam Driver, es una cinta que utiliza el blanco y negro para destacar las sombras y crear un ambiente de sueños casi imposibles de la juventud, con estilo nostálgico y  humor negro.

Nos narra la vida Frances (tremenda actuación de Greta), quien a sus 27 años aún está convencida que su destino es convertirse en una bailarina, es así que vive feliz y sin preocupaciones, aunque sus objetivos parezcan lejanos.

Una bella postal en blanco y negro de las ambiciones juveniles.

 

 

4.- Nebraska (2013)

El directo Alexander Payne no sólo utiliza el blanco y negro en su película para causar nostalgia, sino también de manare disruptiva abordar problemas familiares, la senectud como detonador de una vida sin objetivos y, sobre todo, la compresión entre un padre y su hijo.

Con esta película Alexander demuestra que con poco se puede hacer una obra magnífica; a veces poco es más.

El filme nos cuenta cómo Woody Grant, un anciano con síntomas de demencia, alejado de sus hijos por sus problemas de alcoholismo, decide ir caminando de Montana a Nebraska para reclamar un premio falso de un millón de dólares, que según él ganó en una revista.

David, su hijo, lo acompaña en dicha travesía, donde comprende más a su padre y lo ayuda a cumplir su objetivo de llegar a Nebraska.

La cinta estuvo nominada a Mejor Película y el actor Bruce Dern, quien da vida a Woody, ganó en Cannes el premio a mejor actor.

 

5.- Ida (2013)

Una maravillosa obra del director polaco Pawel Pawlikowski, con la cual ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera. Aquí usa el blanco y negro para resaltar la estética y su premisa, el blanco y negro como símbolo de contradicción.

Ya que la cinta aborda las contradicciones de la vida y las decisiones que tomamos entorno a eso. De esa forma, ambientada en 1962, en Polonia, nos cuenta la vida de Anna (Agata Trzebuchowska), quien ha vivido toda su vida en un convento y está a punto de tomar los votos para ser una monja.

Sin embargo, descubre que tiene una tía, y que sus padres eran judíos, asesinados por la intervención nazi a su país.

 

6.- Güeros (2014)

Dirigida por Alonso Ruizpalacios, y protagonizada por Tenoch Huerta, Ilse Salas y Leonardo Ortizgris, la cinta usa el blanco y negro como motivo de nostalgia y de una vida juvenil donde el paso del tiempo parece que pasa lento y los sueños y obligaciones son cosas del futuro.

Con una bella fotografía, grandes actuaciones, escenas contemplativas, la cinta es una road movie sobre lo que somos y de donde venimos.

Narra como Sombra (Tenoch) recibe la vista de su hermano menor, quienes, acompañados de Santos (Leonardo) iniciarán un viaje para encontrar a un músico que marcó su infancia.

 

7.- Roma (2018)

La multipremiada y aclamada obra de Alfonso Cuarón, es una obra basada en los recuerdos de la infancia del propio cineasta, que utiliza el blanco y negro para llevarnos a esas memorias, a esa nostalgia y a ese México de los años 70, donde las represiones sociales eran mortales.

Ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera, Roma nos narra la vida de dos mujeres, Cleo (Yalitza Aparicio), una empleada doméstica, y Sofía (Marina de Tavira), la ama de casa.

Nos cuenta las vicisitudes que sufren estas dos mujeres, cada una desde sus diferentes perspectivas, sobre el abandono, el machismo y la lucha de clases.

Con una brillante fotografía y un diseño de producción sin parangón, la reflexiones de la obra y su lenguaje cinematográfico son profundas y complejas.

Destaca que las dos protagonistas fueron nominadas al Oscar, Marina como Mejor Actriz de Reparto, Yalitza como Mejor Actriz.

 

8.- Cold War (2018)

Cold War, del director Pawel Pawlikowski, es una historia de amor sincera, realista, conmovedora, con bellos y desgarradores contrastes. Ambientada en la Polonia de los años 50, en la pos guerra, nos cuenta el amor entre un director de música y una cantante, que a pesar de estar enamorados viven atrapados en sus diferentes ideologías.

El filme utiliza una banda sonora que se convierte en un personaje más, movimientos de cámara como una danza seductora y resalta el contraste de color entre el blanco y negro, contraste que sirve como metáfora entre el amor y las diferencias de los dos protagonistas.

Por esta cinta Pawel ganó el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes.

 

9.- Leto (2018)

Leto es una biopic sobre el músico ruso  Viktor Tsoy. El filme narra el comienzo de su carrera en el rock en los años 80, a pesar de las prohibiciones de la ex Unión Soviética; una cinta que aborda la importancia de los movimientos musicales y culturales para “denotar” el cambio.

Dirigida por Kirill Serebrennikov, quien se caracteriza por realizar un cine profundo, contemplativo y metafórico sobre las carencias y e injusticias en Rusia, y además refleja y analiza el pasado de su país.

En su reciente cinta, que estuvo en la Sección Oficial del Festival de Cannes en 2018, Kirrill crea una biopic de unos de los cantantes más influyentes del rock en Rusia, Viktor Tsoy, quien murió a los 28 años en un accidente automovilístico.

En toda la cinta vamos a ver escenas contradictoras que reflejan la “pelea” de una juventud transgresora y una sociedad que los detiene; una sutil metáfora  de los movimientos musicales y culturales.

 

 

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