Tilda Swinton: Una Actriz Camaleónica

Hay actrices que son tan camaleónicas que llegan a ser irreconocibles, como en el caso de Tilda Swinton

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Katherine Matilda Swinton nació en Londres, Inglaterra, el 5 de noviembre de 1960. De ascendencia escocesa, es hija de Sir John Swinton (lugarteniente de Berwickshire, Escocia) y Judith Balfour.

De pequeña estudió en tres diferentes escuelas privadas: Queen´s Gate School, West Heath Girl´s School –donde fue amiga y compañera de la que en ese entonces era la futura princesa de Gales, Diana Spencer- y por un breve periodo en el Fettes Collage. Posteriormente, en 1983, se graduó con un titulo en Ciencias Políticas y Sociales en la Universidad de Cambridge.

Durante esa época, asistió frecuentemente al Partido Comunista de Gran Bretaña, aunque más tarde se unió al Partido Socialista Escocés. En este periodo también dio sus primeros pasos en la actuación. Antes de comenzar su carrera en la industria cinematográfica, Swinton trabajó en el Traverse Theatre y en la Royal Shakespeare Company.

Comenzó su carrera actoral de manera formal en 1986, con pequeños papeles en diversas cintas, realizando en su mayoría, trabajos para el director Derek Jarman. En 1993 realizó el rol protagónico en la película Orlando, de la directora Sally Potter, la cual está basada en la novela homónima de la escritora Virginia Woolf.

Tilda se hizo de una pequeña fama en 1995, al formar parte de una exposición viviente llevada a cabo en la Sepentine Gallery de Londres. En ella, estuvo expuesta durante una semana al público, dentro de una caja de cristal en la que yacía dormida, o aparentemente dormida. La artista detrás de esta obra fue la escultora Cornelia Parker.

En 1998 trabajó junto a Dereek Jacobi y Daniel Craig en la cinta biográfica sobre el pintor Francis Bacon titulada: Love Is The Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon (John Maybury)

A pesar de apoyar el cine experimental y de poco presupuesto, se enfocó, tiempo después, en proyectos mucho más taquilleros, lo cual la llevó a encarnar al Arcangel Gabriel en Constantine (Francis Lawrence, 2005), la adaptación cinematográfica del cómic Hellblazer.

También trabajó junto a Leonardo DiCaprio en La Playa (Danny Boyle, 2000) y Tom Cruise en el Vanilla Sky (Cameron Crowe, 2001), remake de la cinta Abre los Ojos (Alejandro Amenabar, 1997).

En 2004, formó parte del jurado en el Festival de Cannes.

Para 2005, se unió a la saga de Narnia con el papel de la reina blanca en Las Crónicas de Narnia: El León , La Bruja y El Ropero (Andrew Adamson). Interpretó una vez más a este personaje en Las Cronicas de Narnia: El Príncipe Caspian (Anndrew Adamson, 2008), para finalmente hacer un pequeño cameo en Las Cronicas de Narnia: La Travesia del Viajero del Alba (Michel Apted, 2010) y así despedirse de este papel.

Swinton ganó el Oscar a mejor actriz secundaria por su papel en Michael Clayton (Tony Gilroy, 2007), donde interpretó a Karen Crowder, una implacable abogada.

En 2011 protagonizó, junto a Ezra Miller la cinta Tenemos Que Hablar de Kevin (Lynne Ramsay), la cual está basada en la novela homónima de la autora Lionel Shriver. Swinton, da vida a Eva Khatchadourin, una mujer que tiene que lidiar con las consecuencias de un terrible acto perpetuado por su hijo.

En 2012 trabajó junto a Wes Anderson en la cinta Un Reino Bajo La Luna. Para 2013 participó en El Expreso del Miedo (Bong Joon-ho), The Zero Theorem (Terry Giliam), y protagonizó Solo Los Amantes Sobreviven (Jim Jarmusch), donde da vida a Eva, una mujer vampiro.

Trabajó una vez más junto a Wes Anderson en El Gran Hotel Budapest interpretando a Madame D, una adinerada mujer de la tercera edad que asiste al hotel para disfrutar del “servicio excepcional” que ofrece el lugar.

Tuvo unos pequeños papeles antes de que en 2016 apareciera en ¡Salve, César! (Joel Coen y Ethan Coen) y se uniera al UCM (Universo Cinematográfico de Marvel) con Doctor Strange, donde interpreta a Ancestral.

Participó en el filme de Netflix, que compitió por la Palma de Oro en el Festivale de Cannes 2017; Okja (Bong Joon-ho, 2017), donde dio vida a las hermanas gemelas Lucy y Nancy Mirando.

Prestó su voz para encarnar Oracle en el largometraje animado Isla de Perros, donde una vez más colaboró con Wes Anderson. Ese mismo año, en 2018 se estrenó Suspiria (Luca Guadagnino), cinta basada en la obra de mismo nombre dirigida por Dario Argento en 1977. Swinton interpreta tres personajes: Madame Blanc, el Dr. Josef Klemperer y a Helena Karkos.

Partcipó de nueva cuenta en el MCU con su personaje Ancestral en Avenger: Endgame (Anthony y Joe Russo, 2019) y ese mismo año apareció en los proyectos Los Muertos No Mueren (Jim Jarmusch, 2019) como Zelda Winston y The Souvenir (Joanna Hogg, 2019) como Rosalind.

El nivel actoral de Tilda Swinton es innegable. Desde mujeres vampiros, hasta una madre en crisis, pasando por una hechicera suprema, ha demostrado que puede interpretar el papel que se le ponga enfrente, sin importar si es una producción de pequeño, mediano o gran presupuesto. Ella está lista para sorprendernos una vez más en la gran pantalla con su talento camaleónico para actuar, que la hace una actriz única.

 

 

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Seis cosas que nos encantó de “Once Upon a Time in Hollywood”

Once Upon a Time in Hollywood, la nueva película del director Quentin Tarantino, es una cinta que ha causado polémica. Los más fieles seguidores de Tarantino encuentran en este filme a un director más contemplativo, sus acérrimos detractores ven por fin a un realizador de calidad, el revisionismo de Quentin es para muchos un ejemplo de su misoginia.

Por Redacción CinEspacio24 Noticias 

Es por eso que quisimos hacer esta lista de los que más nos gustó de la novena cinta de Quentin Tarantino.

Su toque personal

Para Tarantino, como lo ha manifestado en varias entrevistas, esta es su película más personal, la ha comparado con el filme Roma del mexicano Alfonso Cuarón, ya que Quentin muestra el Hollywood de los años 60 que él recuerda, ese donde se empezaban a crear nuevos mitos e ideas y en el que un movimiento cultural de amor y paz se terminaba.

Su cinta cuenta la bella amistad entre dos hombres, Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), un actor de westerns que siente que su carrera ha llegado a su fin, y Cliff Booth (Brad Pitt) , el doble de acción de Dalton. Entre sus peripecias y la lucha de los dos por seguir trabajando, una historia en paralelo se está formando, la de la actriz Sharon Tate (Margot Robbie), esposa del director Roman Polanski.

 

La forma en que muestra a Sharon Tate

En el filme, Tarantino nos muestra dos personajes ficticios, Dalton y Cliff, basados en varios actores de la vida real de esa época; y aborda uno de los sucesos más escalofriantes en la historia de Hollywood: el 8 de agosto de 1969, Sharon Tate (quien tenía ocho meses de embarazo), junto con tres amigos de ella, fueron asesinados por tres miembros de la secta “La Familia” de Charles Manson.

A Sharon Tate siempre se le recuerda como la esposa de Polanski que fue asesinada por órdenes de Manson; pero en el filme de Tarantino nos presenta a una mujer que amaba a su esposo, su trabajo, a sus amigos, y que era dulce y amigable; es decir, como una especie de homenaje retrata a Sharon Tate llena de vitalidad.

 

La escalofriante escena en el Rancho Spahn

El rancho Spahn era un sitio en Los Ángeles, California, donde se filmaron westerns y programas de televisión. En dicho lugar vivió la secta de Charles Manson entre 1968 y 1969.

La mayor parte de la secta eran jóvenes mujeres quienes fueron manipuladas por Manson. El dueño del lugar, George Spahn, les “permitía” vivir ahí, gracias a que las chicas le realizaban favores sexuales.

En la cinta, Cliff va a ese lugar, le da un aventón a una joven que es parte de La Familia. Cliff, quien trabajó años atrás en un programa de televisión en ese rancho, pide, más bien exige, ver al dueño.

Mientras esto sucede van saliendo chicas de las casas, calladas y con una mirada perdida; Tarantino logró crear un ambiente sombrío, siniestro y aterrador, como si fuera una película de terror, y en realidad ese rancho bajó las órdenes de Manson fue un infierno.

 

El diseño de producción

Tarantino es un director que se ha caracterizado por ser obsesivo en sus tomas y en la dirección de arte. En Once Upon a Time in Hollywood, el diseño de producción y dirección de arte estuvo a cargo de Barbara Ling y Richard L. Johnson, quienes construyeron hasta el más mínimo detalle de la época, bajo la visión de Tarantino.

Varias de las calles de Los Ángeles y cines antiguos fueron reconstruidos para la cinta. Su trabajo raya en la perfección.

 

– La interpretación de DiCaprio

Le ha costado trabajo, pero DiCaprio lleva años demostrando que es uno de los mejores actores de su generación; y en esta cinta lo comprueba. Da vida a un personaje que siente que su tiempo como actor ya pasó y que su carrera está por terminar.

Destaca la escena cuando está en su tráiler y se regaña a sí mismo por olvidar sus diálogos; según Tarantino esa actuación fue una improvisación de Leonardo.

 

– La pureza de la cinta

Como en todas las películas de Tarantino las referencias cinematográficas no pueden fallar y más en esta película que sirve como un homenaje a esa época donde Hollywood cambió.

Asimismo, destaca un Tarantino más maduro con escenas más contemplativas, con un lenguaje cinematográfico más purista. En tiempos donde la pantalla verde y los efectos especiales dominan el cine, Quentin realiza su película sin tantos efectos, recrea los lugares de la época y sus movimientos de cámara hacen lo demás.

 

 

 

¿Qué otro punto agregarías a esta cinta?


Mary Elizabeth Winstead, de actriz “X” a reina de la “comedia”

Por Daniel Flores Chávez*

Una de las actrices más “X” de Hollywood, Mary Elizabeth Winstead, famosa por… ¿Scott Pilgrim?.. ¿Duro de Matar 4?.. ¿Súper Escuela de Héroes?.. ¿la precuela de The Thing?, parece salir de su zona de confort tras varias décadas probando suerte. En 2018 estrenó en el Festival de Sundance el interesante filme, All about Nina (de esos independientes que nunca se estrenan ni en Netflix), en el que interpreta al personaje central, Nina, una comediante de stand-up, que luego de fracasar profesional y personalmente, tendrá la oportunidad de incorporarse a un popular programa humorístico.

Bajo la dirección de la española Eva Vives, esta cinta, femenina y feminista, es por demás trascendente, ya que muestra lo que sucede tras bambalinas con las mujeres que hacen comedia, donde no hay glamour ni fama ni nada que se le parezca, peor aún, hay una brutal competencia entre ellas para acaparar los pocos espacios de trabajo. Si bien la realizadora no se corta las venas en torno a dicha rivalidad, sí pone el dedo en la yaga en lo referente a las injustas condiciones laborales de la mujer, incluso, en los Estados Unidos.

Así, Nina tendrá que mudarse de Nueva York, donde vive con un tipo abusivo y golpeador, para intentar colarse en el cast de Comedy Prime, una famosa emisión de comedia con base en Los Ángeles, California, o de plano, quedarse en el ostracismo del fracaso. Su madre, Débora (Camryn Manheim), le ayuda a buscar casa en la ciudad angelina con la hija de una amiga, Lake, interpretada por Kate del Castillo, dando pie a una relación de amistad entre ambas, así como la aparición de un rol distinto sobre una mexicana residiendo en California, ya que ni es la doméstica ni es ilegal, de hecho, es lesbiana, adoradora del new-age y los gatos y un alma vieja que guiará a Nina hacia su destino.

La actuación de Del Castillo es de destacar, más allá de sus polémicos roles como reina del narco, ya que incluso, se despoja de la exuberante belleza con que vende su imagen en México, para verse avejentada, hippiosa y como motor de la protagonista, demostrando que Kate sí sabe actuar.

Volviendo a Winstead, quien ya había logrado superarse en la serie, Fargo, como Nikky Swango, una fría y calculadora anti-heroína, consigue con Nina una interpretación excepcional, convirtiéndose en esta comediante de gran talento, pero abatida por la difícil vida que le ha tocado llevar. Nina siempre está al borde de quebrarse, de romper por completo su existencia y su única relación romántica verdadera con Rafe (Common), un buen individuo que la quiere, pero la tremenda Nina le saca al parche en aras de no volverse a enamorar.

Durante el filme, Winstead hace varias imitaciones de celebridades, destacando a la cantante islandesa, Bjork, y al director alemán, Werner Herzog, cuya parodia es desternillante, logrando una mezcla actoral entre lo cómico y lo dramático que invita al espectador a, efectivamente, conocer todo sobre Nina.

La realizadora Vives, también se le va a la yugular a este tipo de emisiones cómicas plagadas de hombres, en especial, Saturday Night Live (SNL), que aquí es pintado con el nombre de Comedy Prime, y en lugar de transmitirse desde Nueva York, lo hace desde Los Ángeles, bajo el imperial régimen del productor, Larry Michaels (Beau Bridges), en una clara crítica al canadiense, Lorne Michaels, creador y productor de SNL, si bien un Rey Midas, considerado también un tanto misógino a la hora de castear mujeres comediantes.

Definitivamente, éste es el mejor trabajo de la guapísima Mary Elizabeth Winstead, quien como Kirsten Dunst, encontró en el serial de culto, Fargo, un crecimiento actoral enorme, demostrándose a sí misma, que puede interpretar roles complejos, más allá de una cara bonita.


*Periodista. Colaborador en CinEspacio24, Director de Cio Noticias, Crítico de Cine, Columnista en el Heraldo de México Toluca 


Terry Gilliam un genio de la comedia

Cineasta de talento nato. Desde sus inicios, Terry Gilliam demostró sus capacidades para la creación de proyectos audiovisuales con un peculiar enfoque. Como referente del cine moderno, consiguió que su trabajo trascendiera en distintos géneros. Desde la comedia hasta el drama, sus películas cuentan con un surrealismo único, que se convirtió  en su marca personal.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Terence Vance Gilliam nació el 22 de noviembre de 1940 en Minneapolis, Minnesota, Estados Unidos. Es uno de los tres hijos del matrimonio entre Beatrice Vance y James Hal Gilliam.

Su infancia transcurrió en Medicine Lake, un campo rural de cultivo de maíz, donde el mayor  entretenimiento familiar era una pequeña radio, lo cual orilló al pequeño Gilliam a desarrollar su imaginación.

En 1951, él y su familia se mudaron a California, ya que su hermana menor padecía de asma. Su padre, un antiguo miembro de la caballería estadounidense (que después se convertiría en carpintero), tomó esta decisión para poder tratar el problema de salud de su pequeña.

Ya en California, durante una de las sesiones de matiné en los cines locales, vio un filme que lo marcaría, La Patrulla Infernal (Stanley Kubrick, 1957). Gracias a ese largometraje, Gilliam tuvo una pequeña epifanía sobre el cine, y comenzó a verlo como algo más que mero entretenimiento.

Cautivado por el séptimo arte, se volvió seguidor del trabajo de Georges Mélies (uno de los principales líderes en el desarrollo técnico y narrativo durante los inicios del cine), ya que se sentía identificado con la tendencia de engañar al espectador.

En 1958, ingresa a la universidad Occidental College, donde comenzó a estudiar física, para después cambiarse a la carrera de arte y finalmente graduarse en ciencias políticas.

Durante su paso por la universidad, editó la publicación Fang, una revista de poesía y arte, que después él y sus compañeros convirtieron en un cómic de gags y dibujos satíricos, y envió unas cuantas copias a las oficinas de la revista Help! (ubicadas en Nueva York). En dicho lugar trabajaría más tarde, y ahí conoció al actor británico, John Cleese (los dos serían miembros de Monty Python).

En esta época también colaboró como dibujante en la revista MAD, cuyo particular estilo humorístico, satírico y sarcástico marcó al cineasta, el cual se vería reflejado tiempo después en Monty Python.

Más adelante, Help!, comenzó a tener problemas económicos , por lo que Gilliam decidió abandonar su puesto en la compañía, lo que lo llevó a unirse a la Guardia Nacional durante un breve tiempo para evitar su incorporación a la guerra de Vietnam.

Después de este suceso, decide abandonar Nueva York y vive un breve tiempo en Los Ángeles, y finalmente en 1967 opta por marcharse a Londres, Inglaterra.  

Gracias al contacto que mantuvo con John Cleese, el 5 de octubre de 1969 se estrenó Monty Python’s Flying Circus, un programa televisivo enfocado en sketches de comedia, en los que actuaba el propio Terry Giliam, además de encargarse de las animaciones.

Gilliam, era el integrante menos conservador y el que gozaba de mayor libertad creativa. Encargado de las animaciones que servían como enlace entre los sketches, fungía como el elemento extravagante e innovador, que se convirtió en el principal atractivo del show. En ellas se podía vislumbrar el toque surrealista y humorista de Terry.

En 1971 se estrenó la cinta Se armó la gorda, lo que significó el “salto” a la gran pantalla del fenómeno Monty Python. La película duraba casi 90 minutos, y presenta sketches de las dos primeras temporadas del programa.

 

Junto a Terry Jones, dirigió Los Caballeros de la mesa cuadrada, filme que también pertenece a los Monty Python, se estrenó en 1975. La cinta es una sátira que se desarrolla en la corte del Rey Arturo.

Para 1977, Gilliam estrena  su primer largometraje en solitario, titulado La Bestia del Reino, una parodia de la época medieval que adapta un poema de Lewis Carroll (autor de Alicia En el país de las maravillas).

Participó como guionista y actor para La vida de Brian (Terry Jones,1978), el tercer largometraje del grupo de comedia de Monty Python, que nos narra la historia de Brian, un judío que nace justo el mismo día que Jesucristo, por lo cual los confunden varias veces con Jesús.

En 1981 estrenó Los héroes del tiempo, una cinta de aventuras a través del tiempo, en la que además de ser director también marca su inicio como productor. Esta cinta forma parte de su trilogía de la imaginación, aquí representa a la infancia.

En 1983 sale el cuarto largometraje de Monty Python, El sentido de la vida, dirigida por Terry Jones y donde  Giliam formaba parte del cast.

Brazil, la segunda película de la trilogía de la imaginación, la cual simboliza la juventud, se estrenó en 1985. La cinta nos cuenta la historia de Sam Lowry  (Jonathan Prce), un noble tecnócrata quien tras un error burocrático se ve obligado a encargarse del papeleo, ya que como oficialmente no existen errores, y nadie quiere hacerse cargo.

Para terminar su emblemática trilogía, estrena en 1989, Las aventuras del Barón Munchausen. El largometraje, que representa la vejez, se desarrolla en una ciudad anónima de Europa en el siglo XVIII, y narra la vida de un oficial alemán que recuerda todas sus hazañas en la Luna, el inframundo y la guerra.

En 1991 estrena Pescador de ilusiones, película que marca el inició de la trilogía americana. La cinta nos cuenta la historia del exitoso locutor de radio Jack Lucas (Jeff Bridges), que busca pagar sus culpas, ya que su programa orilla a un psicópata a asesinar a siete personas.

Continuando con la trilogía americana, sale Doce monos (1962), inspirada en la película El muelle (Chris Marker, 1962), en la que Giliam nos cuenta como un presidiario del futuro es enviado al pasado para investigar el origen de una plaga que acabó con gran parte de la humanidad.

 

Para finalizar esta trilogía, el cineasta presenta en 1998, Miedo y asco en Las Vegas, película basada en la novela homónima del escritor Hunter S. Thompson, la cual nos cuenta como un periodista y un misterioso abogado viajan a las vegas con el maletero del carro repleto de drogas.

Gilliam da la bienvenida al nuevo siglo presentando en 2005 Tideland, largometraje que narra la vida de la pequeña Jeliza-Rose, la cual conoce a un taxidermista y su inestable hermano, tras la muerte de sus drogadictos padres.

En ese mismo año, Gilliam también realiza Los hermanos Grimm, cinta que se centra en los hermanos Will y Jake Grimm, los cuales inician un viaje por el país con el pretexto de proteger a la gente de la ciudad de las criaturas encantadas y míticas.

En 2009 estrena El Imaginario del Doctor Parnassus, donde nos narra como el Doctor Parnassus (Christopher Plumer), tras haber hecho un pacto con el diablo para poder ser inmortal, se ve envuelto en una maldición oscura, además de tener el don de guiar la imaginación de los demás.

The Zero Theorem sale en 2013, y en ella nos cuenta como Qohen Leth (Christopher Waltz), un solitario genio de la informática, dedica su vida a resolver el Teorema Zero.

En 2018 estrenara Mr. Vertigo, adaptación de la novela de mismo nombre escrita por Paul Auster, en la que nos cuenta la autobiografía de Walt, un joven que aprendió a volar y levitar con la ayuda de su maestro Yehudi.

Y finalmente, logra llevar a la gran pantalla su proyecto maldito. Tras varios intentos fallidos por filmarla, El Hombre que mató a Don Quijote se presentó en el festival de Cannes 2018. En la cinta, nos narra como un anciano que está completamente seguro de ser Don Quijote, confunde a un ejecutivo publicitario con su fiel escudero Sancho Panza, con el cual emprenderá un viaje a través del siglo XXI y el siglo XVII.

La marca de Giliam está presente en todas sus películas. Ese surrealismo que raya en lo bizarro puso su trabajo en la categoría de cine de autor, ya que su estilo tan particular convierte a Terry Gilliam en la verdadera estrella de sus películas, atrayendo al público a ver sus largometrajes por el simple hecho de llevar su nombre.

Como lo dijo el propio director alguna vez: “Quedas atrapado por las historias. Me he ganado la reputación de estar fuera de control, pero no es cierto, simplemente esa es una historia más interesante que la verdad”.

 

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Seis películas de terror buenas y originales

Hay películas de terror que se salen de los convencionalismos: no utilizan los estereotipos de siempre, jump scares predecibles, guiones absurdos, sustos fáciles, o una trama con todos los clichés posibles del género.

 

Por Redacción CinEspacio24 Noticias 

Estas películas, que les vamos a recomendar, además de causar miedo, son novedosas y abogan por una historia más profunda y un subtexto más real, con un mensaje más allá del simple hecho de que con el Diablo no se juega. Disfrútenlas en compañía.

 

The Babadook (2014)

Es una película de terror australiana, escrita y dirigida por Jennifer Kent. La cinta fue exhibida en el Festival de Sundance donde tuvo una buena recepción.

Narra la historia de una madre soltera, Amelia (Essie Davis), que tiene que lidiar con la mala conducta y la hiperactividad de su hijo, Samuel (Noah Wiseman) un niño que le gusta construir armas peligrosas y tiene un comportamiento que desespera.

Cuando Amelia encuentra un libro llamado Mister Babadook, se lo lee a su hijo y esto provoca que un demonio escape. Lo que causa que Samuel tenga un comportamiento aún más incontrolable y Amelia cada vez sea menos paciente.

La cinta habla sobre los problemas de la hiperactividad y el mal comportamiento de un niño y la vicisitudes de una madre que está sola, si a esto le agregamos un demonio, la cosas no salen nada bien.

 

 

La bruja (2015)

Esta cinta de terror, que también se presentó en el Festival de Sundance, tuvo buenas críticas, pero no le fue muy bien en taquilla y con el público en general, ya que es un filme que se sale de todo lugar común, con una narrativa más reflexiva, una ambientación lúgubre y sombría y una historia que aborda el fanatismo religioso.

Dirigida y escrita por Robert Eggers, es una película de época que narra la vida de una familia puritana del siglo XVII, quienes por romper las reglas de su comunidad se vieron forzados a vivir en medio del bosque y crear una granja en Nueva Inglaterra.

La familia descubrirá que en ese bosque hay un ente maligno que buscar dañarlos. La cinta, con pocos diálogos tiene su soporte en un preciso y detallado lenguaje cinematográfico que crea una ambiente sombrío, escenas perturbadoras, imágenes con una simpleza diabólica sin parangón (por ejemplo, dos niños que juegan con una cabra maligna).

Toca temas como el fanatismo religioso, aborda el sistema familiar de la época, y las tradiciones y leyendas sobre las brujas y sus aquelarres. Una delicia en fotografía y en narrativa; sin duda una propuesta diferente y terrorífica del género.

 

 

Voraz (2016)

Dicen que cuando un animal carnívoro come carne humana, se vuelve un ser peligroso, ya que sólo lo va a satisfacer la misma comida. Ahora, imagina que ese animal sea un humano, un caníbal. De eso trata la película Voraz, una cinta de terror y gore que no sólo habla de antropofagia, tiene como contexto a una familia disfuncional y a una joven que busca su independencia y libertad sexual.

Voraz es una cinta francesa que se presentó en el Festival de Cannes; asimismo, fue aplaudida por la crítica con varios premios en el Festival de Cine de Londres y el Festival Internacional de Cine de Palm Springs. Es la opera prima de la directora francesa Julia Ducournau, quien hace un filme de horror complejo, inteligente, profundo y perturbador.

Cuenta la historia de Justine (Garaence Marillier), una chica de 16 años, bien portada y poco sociable, que viene de una familia en la cual todos son vegetarianos. Ella entra a la facultad de veterinaria, lugar donde también estudia su hermana mayor, Alexia, quien es sociable y rebelde. En un accidente Alexia pierde su dedo y Justine se lo come lo que “desatara” secretos familiares. Una película con unos temas de trasfondo que le dan una peculiaridad tétrica y original.

Aquí puedes leer nuestra reseña: “Voraz”, una cinta de canibalismo y secretos familiares

 

 

Viene de noche (2017)

Viene de noche es una obra llena de tensión y terror psicológico, que deja más preguntas que respuestas (por eso no le gustó a mucha gente); sin embargo, la fuerza de esta película radica en no dar explicaciones y demostrar que para el humano lo desconocido es aterrador.

Dirigida por Trey Edwars Shults es una cinta que sabe provocar en todo momento tensión, nunca explica de donde viene el mal, nos deja con el desosiego de que el terror es lo desconocido y está afuera y viene de noche.

Nos narra una historia pos apocalíptica, donde el ser humano está muriendo por una extraña enfermedad que se contagia de una manera rápida y desconocida; pero en la cinta no vemos zombies, ni mucho menos persecuciones, aborda el tema desde la perspectiva de los miedos del ser humano: la desconfianza hacia el otro.

Así, se enfoca en la vida de una familia que vive en medio del bosque y que no deja pasar a nadie y está siempre atenta a lo que viene de afuera. Película que juega con la tensión y lo desconocido de una manera brillante.

Aquí puedes leer nuestra reseña: Viene de noche”, terror no convencional

 

Hereditary (2018)

Hereditary, o como le pusieron en español El Legado del Diablo (título que le quita esencia a la cinta), trata sobre la muerte de una mujer que le hereda a su hija y nietos unos rituales endiabladamente aterradores.

La madre de Annie (Tony Collete) acaba de fallecer, era una persona  con problemas mentales; algo común en su familia, ya que sus antepasados sufrieron de dichos problemas de salud. Annie tiene miedo de la herencia que su madre le pudo haber dejado: la locura, y más porque también corren riesgo sus dos hijos, Charlie (Milly Shapiro) de 13 años y Peter (Alex Wolff) de 17.

Sin embargo, no sólo les puede heredar la locura, también les deja a una comunidad satánica que busca sacrificar a la familia. Hereditary es el primer largometraje de Ari Aster, que de trasfondo toca el tema de los dramas y pérdidas familiares,  la aceptación de dónde venimos, la herencia de enfermedades y  la infelicidad de ser madre.

Aqui puedes leer nuestra reseña: “Hereditary”, gran cinta de terror sobre locura y demonios

 

Ghostland (2018)

Dirigida por el francés Pascal Laugier, es una buena propuesta del cine de terror slasher, ya que logra reivindicar al subgénero.

Narra el sufrimiento de tres mujeres, una madre y sus dos hijas, cuando se mudan a su nueva casa, donde encuentran un sitio lleno de muñecas viejas, rotas o en buen estado (un recurso muy utilizado en la cintas de terror, pero que siempre da resultado para provocar un ambiente tétrico). Mientras están desempacando son atacadas por dos personajes . Uno es un tipo grande y gordo que sólo hace ruidos guturales; la otra parece ser una mujer, con una cara sombría y diabólica. Ellos intentan torturar a la niñas y matar a la madre.

El filme reivindica al subgénero al que pertenece, tocando temas profundos y tratando a los personajes femeninos con más sutileza, nos presenta a adolescentes más reales, y esa sinceridad le da un toque más verosímil y refuerza el argumento y terror de la cinta.

Aquí puedes leer nuestra reseña: “Pesadilla en el infierno”, reivindicar al cine slasher

 

 

¿Que otra película agregarías?


“Bond” y sus cinco mejores villanos

Caricaturescos, presuntuosos o vulgares ladrones, los villanos de “James Bond” se han convertido en un ingrediente esencial para el éxito de la saga fílmica que comenzó en 1962. Importantes histriones como Christoph Waltz o Javier Bardem han dado vida a notables enemigos del espía británico, que engrandecen más al personaje, ya que para todo gran héroe se necesita un némesis igual de potente.

Por Daniel Flores Chávez*

Enumeremos a las cinco máximas almas malvadas de la franquicia de “007”:

5) Donald Grant de Desde Rusia con Amor (1963): El talentoso Robert Shaw será eternamente recordado por dar vida a Quint, el temible capitán que sale a dar caza al tiburón de Jaws (Steven Spielberg, 1975) y que termina devorado brutalmente por el escualo, pero doce años antes de este rol, interpretó a Grant, un tremendo agente de Spectre, que no sólo trata de arrebatarle a Bond (Sean Connery) la máquina descifradora, Lektor, también, ha sido comisionado para humillar al británico luego de que éste, un año antes, dio cuenta del Dr. No, otro pillastre de Spectre.

Así, el hombrón casi logra su propósito a bordo de un tren en el que “Bond” y su chica, Tatiana Romanova, escapan a Occidente, pero gracias a los típicos gadgets otorgados por la sección “Q”, en este caso un maletín explosivo, el agente secreto se salva luego de una impactante lucha entre ambos en un espacio tan reducido como el del cuarto de una ferrocarril de pasajeros.

4) Raoul Silva de Skyfall (2012): El español Javier Bardem interpreta a este vengativo villano, cuyo único deseo es dar cuenta de la jefa del M16, “M” (Judi Dench), en gran medida porque lo desahució tras una misión fallida. Enloquecido y con severas afectaciones psicológicas, Silva no destaca por su autenticidad, de hecho, es un tanto caricaturesco, pero tanto Bardem como el director, Sam Mendes, moldearon de este modo al rival de Bond (Daniel Craig) para que se convirtiera en el detonante de una cinta que es a la vez secuela, reboot e historia de origen, además de que Raoul extrae un dato nunca antes conocida de “007”: ¿es bisexual?

3) Auric Goldfinger de Goldfinger (1964): Este maleante es más del tipo de John McClane (Bruce Willis) de la saga de Duro de Matar, principalmente porque no quiere destruir al mundo, no es un terrorista, ni forma parte de Spectre, es sólo un vil ladrón, pero dicha vileza recae en su intrincado proyecto para que el oro norteamericano se torne radioactivo, y el suyo, sea la única moneda de cambio para las generaciones futuras.

Interpretado por el alemán, Gert Frobe, millonario y caprichoso, el regordete Goldfinger se venga de un modo brillante de Bond (Connery) luego de que éste descubre sus trampas jugando a las cartas: cubre de pintura dorada a la amante en turno de “007”, Jill (Shirley Eaton), dejando un vistoso cadáver.

 

2) Hugo Drax de Moonraker (1979): Otro millonario que denota total desinterés por la especie humana, a la que pretende destruir con base en un compuesto químico, el cual pretende liberar desde el espacio, a bordo de una estación secreta que orbita la Tierra.

Encarnado por el eficaz Michael Lonsdale, Drax es tan pulcro y ordenado que causa pavor en el público, de hecho, semeja tener alguna clase de autismo, tipo Asperger, que le impide cualquier empatía. Su dura mirada es simple motivo para que Bond (Roger Moore) la piense dos veces antes de actuar.

1) Rosa Klebb de Desde Rusia con Amor (1963): En la piel de Lotte Lenya, la Doctora Rosa Klebb es sin duda la más despiadada villana de la saga, ni Blofeld hizo padecer tanto a Bond jalando los hilos detrás de su grupo de delincuentes y esbirros. Ésta auténtica soldado del PRI… perdón, de Spectre, pone en juego un elaborado plan que hace de la trama una genuina historia de espías.

La interpretación de Lenya es genial, dando a Klebb un aire autoritario y amenazante en cada escena, incluso, lanzando sutiles esbozos de lesbianismo, una afrenta para la industria del cine comercial de la época, pero que terminaron conformando a la más auténtica criminal de la franquicia.

Incluso, en la escena final, donde enfrenta a Bond en una batalla física (ella intenta clavarle una filosa y envenenada punta que emerge de su zapato), muestra una real desesperación por acabar la tarea de aniquilar al héroe, pero para fortuna de éste, la “chica Bond”, la mencionada Tatiana (Daniela Bianchi), le receta unos balazos, pero de que la Klebb casi se echa a Bond no cabe duda.

 

*Periodista. Colaborador en CinEspacio24, Director de Cio Noticias, Crítico de Cine, Columnista en el Heraldo de México Toluca 

 


“Cowboy Bebop”, una obra de culto

Cowboy Bebop es una serie de animación japonesa de 1998, que sólo duro 26 episodios. Ambientada en el año 2071, narra la travesía de un grupo de caza recompensas que viajan en la nave Bebop. Actualmente es considerada una serie de culto.

 

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Una de las características de una obra de culto es que en su estreno no alcanzó gran popularidad, pero con el paso de los años logró su auge para consolidarse entre los favoritos del público. Si mencionamos un ejemplo del vasto catálogo de la animación nipona, el indicado sería la serie de 1998, Cowboy Bebop.

Narra la travesía de Spike Siegel, un desaliñado caza recompensas, que junto a su astuto compañero Jet Black, viajan a lo largo y ancho del espacio buscando a los más peligrosos criminales del universo para capturarlos, llevarlos ante la justicia y, por supuesto, cobrar las recompensas que cuelgan sobre sus cabezas.

Este peculiar dúo cruzará caminos con el siempre fiel y protector Ein, la brillante pero torpe Edd y la despampanante Valentine, quienes huyen de su pasado y terminan enfrascándose con la tripulación Bebop en donde encontrarán un refugio.

El creador de la serie, Shinichiro Watanabe, parte de una idea muy simple para crear su universo: lograr que el protagonista luzca lo más genial posible. Por ello, es que traza el camino del personaje principal siguiendo los pasos del icónico cowboy de películas como El Bueno, El Malo y El Feo (Sergio Leone, 1966) –esos aclamados western en los que un montón de vaqueros del viejo oeste se mataban a tiros y defendían su honor-, y con tintes de los clásicos detectives como Sherlock Holmes.

Watanabe toma elementos de distintas obras que son referentes para varios realizadores, por tal motivo, nos resulta familiar todo este universo. La ambientación cyberpunk con ese enfoque futurista nos recuerda a Blade Runner (Ridley Scott, 1982), o incluso al clásico del cine japonés animado Akira (Katsuhiro Otomo, 1998); mientras las aventuras de nuestros protagonistas pueden balancearse entre Alien (Ridley Scott, 1979) y Operación Dragón (Robert Clouse y Mani Haghighi, 1973), consiguiendo así una “ensalada” de géneros “aderezada” con una banda sonora compuesta en su mayoría por jazz, un delicioso platillo hecho de referencias .

Los protagonistas de la serie trabajan y actúan con relación a aquello que los atormenta. Como si estuvieran atados a unos grilletes que los llevan de vuelta a lo que intentan olvidar, encontrándose así en un círculo interminable que los obliga a enfrentar a lo que más temen. De esa manera es fácil vislumbrar la verdadera esencia de Cowboy Bebop: el pasado.

Cowboy Bebop se ha convertido en un referente de la cultura pop gracias a su trama madura y profunda que se puede tornar reflexiva para el público. No podemos evitar nuestros problemas, pues sin importar cuán rápido huyamos, estos tarde o tempranos alcanzarán para vernos a los ojos y así martillará en nuestra mente una pequeña frase: “Vas a cargar con ese peso”.

See you space cowboy…

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.

 


La película racista que es la base del lenguaje cinematográfico

El nacimiento de una nación (1915) es una de las películas más racistas, pero como si fuera una cruel ironía es una de las cintas que crearon el lenguaje cinematográfico.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

En 2018 el director neoyorkino, Spike Lee, estrenó su filme El infiltrado del KKKlan, donde narra la historia de un policía afroamericano de Colorado Springs, que se infiltra, con ayuda de su compañero (un policía blanco), en una organización racista de su comunidad, el Ku Klux Klan.

De esa forma, Spike muestra que el racismo ha estado impregnado por muchos años en la comunidad estadounidense, y que actualmente  hay organizaciones de dicha índole.

Una de las escenas más significativas del filme de Lee, es cuando los miembros de Ku Klux Klan celebran una reunión y lo hacen viendo la película El nacimiento de una Nación. Mientras la ven, hombres y mujeres gritan de alegría, se emocionan y aplauden las escenas.

El nacimiento de una Nación es un filme silente de 1915, dirigida por D.W. Griffith, hijo de un coronel sudista que perdió todo en la Guerra de Secesión de los Estados Unidos, que ocurrió entre 1861 y 1865.

Dicho conflicto fue una guerra civil entre el gobierno federal, comandando por el entonces presidente Abraham Lincoln, que quería abolir la esclavitud hacia las personas afroamericanas, contra los estados sureños que deseaban impedir tal acto.

La cinta se basó en la novela The Clansman del reverendo Tomas Dixon, quien narró con grandilocuencia el supuesto heroísmo y el nacimiento de una organización llamada el Ku Klux Klan, hombres blancos que protegían a la sociedad de la “peligrosa” raza negra.

El filme de Griffith se enfoca en la amistad de dos familias, los Cameron, oriundos de Carolina del Sur, y los Stoneman del norte del país; quienes a pesar de su gran cariño tendrán que ser enemigos en la Guerra de Secesión.

Sin embargo, al final, cuando el gobierno federal gana y se prohíbe la esclavitud, los Cameron y los Stoneman se unirán y crearán una organización para combatir a su principal enemigo, al afroamericano.

En el largometraje Griffith destaca dos personalidades de los afroamericanos: los esclavos, gente leal y de buen corazón; y los que son libres o buscan su libertad, personas incultas, holgazanes, borrachos, asesinos y violadores,

Una de las escenas más polémicas de la cinta es cuando al finalizar la guerra el congreso de los Estados Unidos está dominado por personas afroamericanas, quienes se la pasan durmiendo, riendo o emborrachándose.

Pero para las familias blancas todo termina bien gracias a los verdaderos patriotas que han creado al Ku Klux Klan, los cuales usan sombreros blancos y puntiagudos, que les cubre toda la cara porque así se asemejan a unos fantasmas y, según la película, es más fácil espantar a los negros.

Su argumento es totalmente racista, no obstante, El nacimiento de una nación es una de las cintas que creó las bases de lo que hoy conocemos como lenguaje cinematográfico.

Griffith era un director innovador, dejó de utilizar una estética teatral, se arriesgó al utilizar varios planos: planos generales, planos detalles, para crear más dramatismo; uso de manera novedosa el montaje en paralelo y movimientos de cámara. Asimismo jugó con la temporalidad como nadie lo había hecho.

En su tiempo fue un éxito en taquilla, pero causó polémica en todo el país, los conservadores la aplaudían, los liberales la querían censurar. Después de su estreno el 8 de febrero de 1915 hubo varios disturbios en varias ciudades de los Estados Unidos, sobre todo agresiones contra la gente negra.

Esto es como una cruel ironía, ya que los valores estéticos de El nacimiento de una nación son innegables, que marcó los “pasos” para el cine que hoy conocemos es incuestionable, pero también puede ser un referente, como lo mostró Spike Lee, para la gente más racista de su país y del mundo. 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


10 grandes actuaciones de Natalie Portman

Natalie Portman es una actriz que desde su primera película, a la edad de 13 años, se convirtió en una artista querida y admirada por el público. Carismática, fiel a sus principios, sus actuaciones no tienen desperdicio.

Por Redacción CinEspacio24 Noticias 

Nació el 9 de junio de 1981, en Jerusalén, Israel, pero desde muy joven se mudó a los Estados Unidos, tiene ambas nacionalidades. Es una actriz, productora y psicóloga.

Estudio psicología en la Universidad de Harvard en 2003, en ese tiempo declaraba que no le importaba que sus estudios universitarios arruinaran su carrera como actriz; y no lo hicieron, al contrario, mostró a una interprete inteligente, sensible y con mayor capacidad actoral.

Para ejemplo estas diez películas de una actriz que bien puede hacer cine independiente y blockbusters (por ejemplo, en unos años la vamos a ver como la nueva Thor en el Universo de Marvel)

 

1.- Léon (1994)

A los trece años Natalie Portman hizo su debut en el cine, y fue con una película que actualmente se considera de culto, Léon.

Comparte créditos con Jean Reno y Gary Oldman. En la cinta, dirigida por Luc Besson, Portman interpreta a una niña huérfana que se encariña con el asesino a sueldo que la salva.

 

 

2.- Closer (2004)

Por esta película Natalie recibe su primera nominación al Oscar como Mejor Actriz de Reparto.

El filme, dirigido por Mike Nichols, es un obra sobre el amor y las infidelidades; con unos diálogos cínicos e irónicos, la cinta nos lleva a un mundo donde el amor puede ser doloroso.

Natalie hace el papel de Alice, una chica misteriosa que se enamora de un escritor fracasado.

Comparte créditos con Jude Law, Clive Owen y Julia Roberts.

 

 

3.- V for Vendetta (2005)

Esta película basada en la novela gráfica de Alan Moore y David Lloyd, adaptada al cine por las hermanas Wachowski y dirigida por James McTeigue, es una cinta sobre un misterioso personaje que se hace llamar V, usa una máscara (que se ha convertido en un sello iconico para protestar) y que busca que la gente despierte y se manifieste contra un gobierno opresor.

Natalie realiza el papel de Evey una joven que comprenderá las intenciones de V y lo ayudará. Un filme que poco a poco se ha convertido en una obra de culto.

 

 

4.- La otra reina (2008)

Esta película de época cuenta la historia de Ana Bolena, la mujer que en la Inglaterra monárquica del siglo XVI convenció al Rey Enrique VIII de que se divorciara y se peleara con las iglesia católica.

El filme esta basado en la novela homónima de Philippa Gregory, y narra la vida de las hermanas Bolenas, Ana (Natalie Portman) y Mary (Scarlett Johansson).

Portman muestra a una Ana seductora, orgullosa y desesperada por darle un hijo varón al Rey.

 

5.- Entre hermanos (2009)

Esta cinta, remake de una película danesa, narra un cruel y desgarrador triángulo amoroso; una tragedia contemporánea.

Dirigida por Jim Sheridan, cuenta la historia del soldado Sam Cahill (Tobey Maguire), quien está casado con Grace Cahill (Natalie Portman) y tienen dos hijos. Cuando se va a luchar a Afganistan, el Gobierno le anuncia a su familia que ha muerto. Su hermano, Tommy Cahill (Kaje Gyllenhaal) cuida de su cuñada y sus sobrinos, pero tomará el lugar de padre y esposo; sin embargo, su hermano sólo desapareció.

Fuerte historia que aborda el estrés postraumático de los soldados;  con una Natalie Portman demostrando una capacidad actoral impresionante.

 

 

6.- El cisne negro (2010)

Por esta cinta Natalie ganó el Oscar a Mejor Actriz. Dirigida por Darren Aronofsky, Portman da vida a Nina una destacada bailarina que forma parte de la compañía de ballet de Nueva York.

Nina se obsesiona por obtener el papel principal, hasta llegar a puntos de delirios, donde no reconoce que es realidad y ficción.

Las expresiones, su corporalidad y su tono de voz hacen que lo mejor de la cinta sin duda sea Portman.

 

 

7- Jackie (2016)

Realizada por el reconocido director chileno Pablo Larraín, la cinta es una biopic de Jackie Kennedy, después del asesinato de su esposo, el presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, en 1963.

La cinta se enfoca sólo en los días que le siguieron al asesinato y lo que pasó con Jackie.

De nuevo su voz, su corporalidad y sus movimientos destacan. Por este excelente trabajo recibió una nominación más al Oscar como Mejor Actriz.

Aquí pueden leer nuestra reseña de la película: “Jackie”, la fascinante actuación de Portman

 

 

8.- Song to song (2017)

Esta película de Terrence Malick no será su mejor obra; pero destacan el reparto y sus agradables actuaciones, Ryan Gosling, Rooney Mara, Michael Fassbender y, sobre todo, Natalie Portman.

Ambientada en la escena musical de Austin, Texas, narra dos triángulos amorosos y sus problemas y obsesiones de cada uno de los involucrados.

 

 

9.- Aniquilación (2018)

Una preciosa y brillante obra de ciencia ficción dirigida por Alex Garland y basada en la novela homónima de Jeff VanderMeer.

La cinta nos cuenta la expedición de unas científicas y militares a un desconocido lugar en donde las leyes de la física no existen.

Misteriosa, con un buen ritmo y escenas deslumbrantes, Portman da vida a al bióloga Lena, quien descubrirá de dónde salió ese inhóspito mundo.

 

 

10.- Vox Lux (2018)

 

Vox Lux trata sobre una estrella del pop que llegó a la fama después de sufrir una tragedia escolar. Protagonizada de manera brillante por Natalie Portman.

Dirigida por Brady Corbet, es una cinta que muestra el cinismo y la decadencia de una cantante de pop; en el contexto de una sociedad violenta, hipócrita, y donde la fama parece ser la mayor virtud.

Aquí pueden leer nuestra reseña de la cinta: “Vox Lux”, de la tragedia a la fama

 

¿Qué otra película agregarías?


5 íntimos documentales de mujeres que revolucionaron la música

Los documentales que narran la vida y obra de un artista en ocasiones caen en sensacionalismo y dramatizaciones banales que sólo dañan y manipulan la figura de la persona de la que hablan; no obstante, hay filmes que llegan a profundizar en la intimidad de sus personajes sin la necesidad de exagerar el drama y respetándolos.

Por Redacción CinEspacio24

Estos cinco documentales abordan la vida de cinco cantantes que sobresalieron en su género y lo hacen respetando la figura de cada una de ellas, mostrando su forma de pensar y su sensibilidad para que como espectadores disfrutemos más de su música.

 

1.- Janis: Little Girl Blue (2015)

Película dirigida por Amy Berg y narrada por la cantante Cat Power. La cinta aborda la vida de Janis Joplin desde su infancia hasta su penoso desenlace, por medio de su correspondencia personal y de entrevistas a las personas más cercanas a ella, como los miembros de su primera banda y sus dos hermanos.

Así nos narran la vida una cantante adelantada a su época. Su rasposa y melódica voz era ideal para el rock, blues, jazz, country y soul. Fue un icono de la contracultura en los años 60. En este tiempo y con una corta carrera se convirtió en un ídolo de la juventud.

 

 

2.- Amy (2015)

Este filme, dirigido por Asif Kapadia, tuvo su estreno en el Festival de Cannes y ganó el Oscar a mejor Documental en 2016.

La cinta aborda, sin censurarse, la vida y obra de Amy Winehouse, quien murió a los 27 años de edad por sus graves problemas de alcohol y drogadicción. El filme es un poético paso por la vida de una gran cantante de jazz, R&B y soul.

 

 

3.- Chavela (2017)

 

Chavela es un documental biográfico de una artista que nació en Costa Rica, afirmaba ser mexicana y fue exitosa en España. Adelantada a su época tuvo que esconder por algún tiempo su lesbianismo, ya que sufrió de un México misógino y homofóbico.

Dirigido por Catherine Gund y Daresha Kyi, un filme que nos muestra la intimidad de Chavela, desde su nacimiento en Costa Rica, donde era rechazada por sus padres y  su sociedad, hasta su éxito y muerte en México.

 

 

4.- Rita (2017)

 

El documental Rita, ópera prima de Arturo Díaz Santana, aborda cómo nació el talento y la figura casi mítica de Rita Guerrero, vocalista del grupo de rock Santa Sabina. Por medio de entrevistas a sus colegas, familiares y amigos más cercanos, el filme es un repaso de una cantante que inició en la actuación, se enfocó en la música y fue una activista, que ayudó al Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) y a los movimientos izquierdistas del país.

De esa forma el documental no sólo nos muestra a la artista, sino sus pasiones culturales y políticas y como estaba segura que el cambió de una sociedad era por medio del arte.

 

 

5.- Maria by Callas (2017)

Un íntimo documental que nos narra la vida de la famosa cantante de ópera, y lo hace usando la propia voz de Callas, por medio de entrevistas y su correspondencia. Una cinta conmovedora.

Dirigido por Tom Wolf es un paseo por la vida de la gran soprano, que de forma cronológica nos lleva a lo que sentía Callas sobre el amor, nos habla de su rigurosa madre (quien le robó su infancia), de su cariño hacía su maestra de canto, y de que interpretar a un personaje es una responsabilidad tan grande que a veces la agobiaba.