“Hideo Nakata”, y su terror japonés que atravesó fronteras

El trabajo del director japonés Hideo Nakata consiguió dejar eco en la industria cinematográfica hollywoodense con una historia original. Lograr que su influencia prevalezca en un género tan duro como el terror fue una titánica victoria.

 

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Hideo Nakata nació el 19 de julio de 1961 en Okayama, Japón. Estudió en la Universidad de Tokio, después de graduarse entró a trabajar a Nikkatsu Studio, una reconocida compañía japonesa fundada en 1912 que se dedica al entretenimiento, además de ser uno de los principales estudios de cine y el más antiguo de Japón.

Durante sus primeros siete años en el estudio fungió como ayudante de directores como Masaru Konuma (Female Prisoner: Cage, 1983) Hiroyuki Nasu (Bee Bop High School, 1985) y Yoichi Sai (Blood and Bones, 2004), con quienes entabló una solida carrera como ayudante de director.

Debutó en la dirección en 1996 con Ghost Actress, una cinta que nos narra como el elenco de una película descubre una película dentro de su propia película, la cual es una cinta de 20 años atrás. Así una de las actrices del elenco muere de la misma manera que la actriz del viejo filme.

En 1998 estrenó la película que le daría reconocimiento mundial, Ringu. El filme trata sobre una reportera de televisión que investiga una cinta con un mito peculiar a su alrededor, pues mata a todo aquel que ve el video.

La película tuvo un remake hollywoodense titulad El Aro estrenada en 2002 y dirigida por Gore Verbinski (Rango, 2011). Dicho remake tuvo una secuela El Aro 2 (2005), la cual dirija el propio Hideo Nakata.

Nakata lanzó en 1999 una secuela de su cinta Ringu titulada Ringu 2, en la cual seguimos a una mujer que investiga una leyenda mortal sobre una videocinta que trae la muerte en 7 días.

Otras de sus cintas fueron Dark Water(2002), una cinta basada en la novela Koji Suzuki Honogurai Mizu No Soko A Kara del escritor Koji Suzuki, donde el fantasma de una estudiante acecha a una mujer divorciada y a su joven hija después de que se mudaran a un viejo edificio; y su largometraje El Bosque de los Suicidas que se estrenó 2013.

Otras películas que ha dirigido son Joseph Losey: The Man With Four Names (1998), Kaosu (1999), Sadistic and Masochistic (2000), Sleeping Bride (2000), Sotohiro (2000), Last Scene (2002), Kaiki Daisakusen – Second File (2007), Kaidan (2007), L Change The World (2008), Chatroom (2010) y Inshite Miru: 7-Kakan No Desu Gemu (2010).

Hideo Nakata se ha hecho de un pequeño legado silencioso, ya que logró que más de una nación conociera su obra, sin saber que se convertiría en una de las favoritas del los amantes del cine de terror noventero.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Con el documental “#Female Pleasure” inicia el festival DocsMx

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Con la proyección del documental #Female Pleasure de la directora Barbara Miller, comenzó anoche, en el teatro Esperanza Iris, la decimocuarta edición de DocsMx, el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México.

DocsMX cuenta con un extenso catálogo de documentales nacionales e internacionales y se llevará a cabo del 10 al 19 de octubre.

En la inauguración, ayer por la noche, tras la presentación de un cuarteto musical que tocó una serie de música tradicional de diferentes partes del mundo, salieron al escenario el embajador de Suiza en México, la directora Barbara Miller, entre otros tantos invitados de honor.

Después de unas palabras de los invitados donde resaltaron la importancia del documental, se proyectó #Female Pleasure.

#Female Pleasure es un documental que nos narra la historia de cinco mujeres que profesan cada diferentes religiones: judaísmo, islamismo, cristianismo, hinduismo y budismo). Mujeres de distintos puntos geográficos hablan del placer sexual femenino y el tabú que esto representa en su respectiva religión.

La directora Barbara Miller expresa de una manera impactante lo difícil que es la vida para una mujer en una sociedad machista. Comienza con algo que aparentemente es un tema ligero: el placer sexual; pero conforme va avanzando desglosa el tema de tal manera que consigue abrirnos una ventana hacia un mundo que nos rodea y no queremos ver.

Uno de los mayores aciertos del documental es que la directora en ningún momento victimiza a sus protagonistas, por el contrario, las empodera y les da voz para mostrar su inconformidad de lo que les sucede y les ha sucedido desde hace siglos.

Su mensaje en ningún momento se torna agresivo, de hecho nunca trata de dividir sino de sumar a la causa, y muestra de ello es que extiende la lucha a combatir junto a los hombres para derrocar al machismo.

Inició DocsMX y tiene proyectos muy interesantes. El documental es un puente directo entre el director y el público por donde pasa un mensaje de la manera más pura posible; por tal motivo,  en DocsMX todo lo que verás te hará reflexionar.

 

Descubre DocsMX

Consulta la programación completa en www.docsmx.org

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


“Proyecto Géminis”, acción y rejuvenecimiento de un actor

Proyecto Géminis es una película de acción dirigida por Ang Lee y protagonizada por Will Smith, que destaca por su tecnología para rejuvenecer a un actor.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

En la cinta Proyecto Géminis, Henry Brogan (Will Smith) es un asesino a sueldo que lleva años en el negocio. Es reservado, poco amigable y desconfiado. Tras asesinar a un hombre que estaba a dos kilómetros de distancia y que viajaba en un tren, decide retirarse, pues a pesar de triunfar en su misión, comienza a atormentarlo la idea de que si hubiera fallado por 15 centímetros pudo haber acabado con la vida de una inocente niña.

Henry mataba para hacer el “bien”, pero gracias a un viejo amigo se entera de que su última víctima era una persona inocente y que lo habían manipulado para matarlo con la idea de que era un terrorista. Impactado por la noticia comienza a buscar respuestas, por lo cual mandan a Junior (una persona más joven e idéntica a Henry) tras él, pues es el único capaz de acabar con el mejor asesino a sueldo es él mismo.

El director Ang Lee usa una innovadora tecnología para poder enfrentar en la gran pantalla a un veterano Will Smith contra un Will Smith veinteañero.

Los efectos especiales están a  cargo de Bill Westenhofer (Mujer Maravilla, 2017) y Guy Williams (The Avengers: Los Vengadores, 2012), por lo cual se nota cierto cuidado en dicho aspecto, aunque parece que gran parte del presupuesto se fue en la tecnología para el rejuvenecimiento de Will Smith.

Las coreografías de peleas y las persecuciones cuentan con un juego de cámaras que las vuelven muy interesantes y hace que los enfrentamientos no se sientan planos.

Ang Lee se arriesga y lleva la tecnología de rejuvenecimiento a sus límites. Sin embargo, en ocasiones se llega a sentir un tanto falso, sobre todo cuando las escenas son a plena luz del día. Por su parte, Will Smith se adueña de la pantalla y nos regala una gran actuación.

La clonación en seres humanos es algo que quizá se hará realidad algún día, pero en lo que esperamos, podemos ver a un Will Smith joven compartir pantalla con un grande de la actuación como  Will Smith.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.

 


Eres afortunado, Jessie Pinkman

Por Ivan Quecha Reyna *

Una historia más sobre Breaking Bad, que inicia inmediatamente después de terminar de escuchar Baby blue, de Badfinger, con Jessie Pinkman huyendo y recordando todas las torturas las que fue sometido, por sus captores o bien, por la indiferencia de la vida ante los deseos de las personas.

Esta película no tiene la intención de “atar cabos sueltos”, sino terminar de contar la historia de Jessie, un personaje que está a salvo porque tiene corazón, que lo guía para tratar de comprender a las personas que, a su alrededor, quienes solo se preocupan por el dinero o el poder.

¿Por qué es tan entrañable este personaje? Quizá debido a la rápida conexión que establece a través de un carisma sincero, en donde sus pares delincuentes genuinamente piensan que no quiere hacerles daño. Pero no se confundan, en la serie Breaking Bad su complejidad emocional reside en que hace lo que tiene que hacer, cuando lo tiene que hacer.

¿Quiénes han sido los mentores de Jessie? Obviamente Walter White, Mike, Gus, Saul, e incluso la banda de nazis que lo tenía secuestrado. Ahora veremos cómo utiliza toda esa sangre vertida, ese dinero obtenido, esa violencia explosiva para encontrar su propio significado.

Este filme tiene un ritmo lento, al parecer a Vince Gilligan, el director de película, le interesó más profundizar personajes para que empatices, a mostrar grandes escenas de acción, que no resta decirlo, también le salen bien. Puedes esperar más una historia contada al estilo de Better Call Saul, con un ritmo tranquilo pero tenso, que Breaking Bad, que en ciertos momentos es como el automóvil en el que escapa Jessie, de 0 a 100 en segundos.

La música como siempre, impecable, con un trabajo de conexión muy íntima, aunque ahora tiene una selección mucho menos homogénea que en la serie, lo cual no está mal, solo es diferente, pues hay ansias de contar mucho más en menos tiempo, que se logra medianamente, pues para los aficionados a esta historia, siempre nos resultará que falta y falta más por contar.

¿Salen personajes de antaño? ¿Es un cierre a la obra? Piénsalo de esta forma: esta es una invitación a una reunión de viejos conocidos, antes de que te vayas, bien a darte un tiro en la cabeza, o a viajar por el mundo, pero ya no los verás más; es la nostalgia una de las mejores partes de la historia de Breaking Bad, y yo creo que hay que aceptar esta última interpretación de una de las historias más populares en lo que va de este siglo. Eres afortunado, Jessie Pinkman.

 

 

*  Periodista, realizador. Director CinEspacio24. Fundador Quecha Producciones.


Wes Craven, y su cine que entró en nuestras pesadillas

Hablar de Wes Craven es hablar de uno de los personajes más importantes en la historia del cine de terror. Creador de personajes icónicos que siguen provocando miedo, logró plasmar su nombre con letras de oro gracias a su increíble imaginación.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Wesley Earl Craven nació el 2 de agosto de 1939 en Cleveland, Ohio, Estados Unidos. Hijo de Caroline y Paul Craven. Tuvo una educación bautista, aunque tiempo después se declaró ateo.

Consiguió en la Universidad de Wheaton dos licenciaturas, una en inglés y otra en psicología, mientras que en la Universidad Johns Hopkins obtuvo una maestría en filosofía y escritura. Tras esto, Craven impartió por un breve tiempo clases de inglés en el Westminster College y fue profesor de humanidades en el Clarkson College Of Technology (ahora Universidad de Clarkson).

En la década de los 70, Craven se hizo de una pequeña fama como director truculento, debido a que sus primeras cintas eran trabajos de escasos fondos económicos pero que tenían imágenes controvertidas por ser demasiado explícitas para esa época. Además, en ese tiempo dirigió y escribió una película pornográfica bajo el pseudónimo de Abe Snake.

Durante esta etapa estrenó La Ultima Casa a la Izquierda (1972), The Fireworks Woman (1975), Las Dos Caras De Julia (1978), la cinta con la que comenzaría a hacer ruido en la industria; Las Colinas Tienen Ojos (1977), película que ganó el premio de la crítica en el Festival de Cine de Sitges, y que nos cuenta como una familia estadounidense se va de camping a un desierto de Nevada, sin saber que una vez ahí serán cazados por un clan de caníbales deformes que habitan el lugar.

Ya en los años 80 escribió el guión de lo que sería la obra que le daría un renombre mundial: Pesadilla en la Calle del Infierno (1984). Tras intentar vender esta idea a diferentes estudios y productoras y ser rechazado constantemente debido a que parecía una cinta demasiado surrealista y sin credibilidad, fue finalmente New Line Cinema quien se arriesgó con el proyecto, para después sacar diversas secuelas que fueron criticadas por el propio Craven (exceptuando la séptima entrega), ya que las consideraba “malas continuaciones” y que habían destruido la esencia original.

La cinta sigue a Freddy Krueger, un asesino que atormenta a un grupo de adolescentes matándolos en sus sueños para de esta manera eliminarlos en la vida real.

Este largometraje marca la primera aparición de Freddy Krueger, uno de los personajes más emblemáticos del cine de terror. Craven cuenta que la inspiración de dicho personaje nació de un sujeto que se apareció una noche afuera de su ventana cuando era un niño. Un hombre de aspecto aterrador y escalofriante. Dicho hombre miró fijamente al pequeño Craven a los ojos y le sonrió. Cuando decidió contarle esto a su hermano mayor, bajó las escaleras para echar un vistazo, pero no encontró nada.

En esta década también dirigió Bendición Mortal (1982), La Cosa del Pantano (1982), Invitation Hell (1984), Las Colinas Tienen Ojos 2 (1984), Hibernando Vivo (1985), Amiga Mortal (1986) La Serpiente y el Arcoíris (1988), Shocker, 100.000 Voltios de Terror y varios capítulos de la famosa serie de televisión, Más Allá de los Limites de la Realidad (The Twilight Zone).

En 1997 estrenó Scream: Grita Antes de Morir, la primera de cuatro entregas de lo que se convertiría en otro de los referentes de Craven.

Como parte del mismo universo también dirigió Scream 2: Grita y Vuelve A Gritar (1997), Scream 3: La Máscara de la Muerte (2000) y Scre4m: Grita de Nuevo (2011), la cual fue la última película dirigida por Craven.

En su carrera también se encuentran las cintas Visiones Nocturnas (1990), El Sótano del Miedo (1991), La Nueva Pesadilla de Wes Craven (1994), Un Vampiro Suelto en Brooklyn (1995), Música del Corazón (1999), La Maldición (2005), Vuelo Nocturno (2005) y Paris, je t’aime (2006)

Tristemente, el 30 de agosto de 2015, falleció Wes Craven a la edad de 76 años en Los Ángeles, California, Estados Unidos, debido a cáncer de cerebro.

“Todo el mundo está haciendo películas de terror y, en mi opinión, no lo hacen especialmente bien. No sé si la culpa es de las grandes empresas que se están apoderando de los pequeños estudios o qué. Pero realmente hace falta que los jóvenes cineastas empiecen a hacer lo que les salga directamente del corazón”, aseguraba Craven.

Su huella en la historia del cine de terror es innegable, y su legado, al igual que Freddy, se mantendrá vivo en nuestras mentes, sobre todo en nuestras más terribles pesadillas.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.

 


“El ombligo de Guie’dani”, la rebeldía de una niña para no perder su identidad

Guie’dani es una niña indígena zapoteca, quien se ve obligada junto con su madre a trabajar de empleadas domésticas en una casa de una familia de clase alta en la Ciudad de México. En ese hogar la niña encontrará burlas y desprecio por parte de sus empleados, y ella se rebelará ante eso. Un filme que nos muestra el clasismo y la pérdida de identidad que sufren las comunidades indígenas. 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Hay clasismo que se esconde en “buenas intenciones”. Se tiene la falsa idea de que ayudar o emplear a la gente con bajos recursos justifica comentarios y críticas hacía ellos por su condición social; así se burlan de su forma de vestir, hablar y sus tradiciones y costumbres; más si abordamos el trato que se le da a las comunidades indígenas. México es un país clasista.

Mejor ejemplo de este trato desdeñable es el que se les da a las empleadas domésticas, donde la clase media o alta contratan a mujeres de comunidades indígenas y creen que por darles un lugar donde vivir, comida y un sueldo ínfimo, pueden tratarlas casi como esclavas, y en su burbuja clasista llamarlas chachas, gatas, criadas, sirvientas y más apelativos burlones y ofensivos.

Este penoso acto y ejemplo de clasismo es la esencia de la cinta El ombligo de Guie’dani, una obra sincera, brutal, que nos lleva sin tapujos a un México, y no es exageración, donde hay empleos que son una vida de esclavitud, ya que sus derechos laborales no existen. “Ya les damos comida y un lugar para vivir, que más necesitan”, comentan sus empleadores.

Desde la visión de una niña que fue obligada por su madre a ser parte del servicio doméstico de una familia de clase alta, el largometraje aborda un forzado cambio de identidad y la rebeldía para no perder su esencia y cultura; una rebeldía que se acentúa en la cinta en la forma de ser y de actuar de una niña que añora su pueblo, y odia el trato condescendiente y burlón que le dan sus jefes. “Sírveme la comida y recuerda que sus tenedores están en el cajón de abajo de la cocina”, les comentan en varias ocasiones a la niña y a su mamá, no vayan a osar utilizar las mismas cosas que los dueños de la casa.

Dirigida por Xavi Salas, el largometraje narra la vida de Guie’Dani (Sótera Cruz), una niña indígena,oriunda de un pueblo Oaxaca y donde hablan zapoteco. Con la idea de darla una mejor vida, su madre decide que tienen que ir a la Ciudad de México a trabajar como empleadas domésticas.  

Llegan a una casa grande, con una familia que los agentes de las “buenas costumbres” estarían orgullosos: un padre de familia empresario, una madre que se dedica al “hogar” y que está embarazada, y dos hijos adolescentes que se burlan cuando las dos nuevas empleadas hablan zapoteco.

Guie’Dani y su madre hablan zapoteco porque es su identidad, su pertenencia, sus raíces, y el filme lo deja claro, la niña le pide a su madre hablando su dialecto que regresen a su hogar, a su sociedad; por su parte, sus nuevos jefes, hablan inglés cuando no quieren que las empleadas los entiendan. Estos pequeños detalles de la película dicen mucho y es la forma como el director nos enseña un fuerte clasismo y una pérdida de identidad.

Porque a nuestra protagonista sus jefes le piden que deje de hablar zapoteco, ya que en la Ciudad de México sólo recibirá burlas por hacerlo (mismas burlas que encuentra desde el lugar donde labora); también le exigen que sonría, que deje de tener una cara sería, sobre todo cuando les lleva el desayuno a la cama a los padres de familia.

Guie’Dani es una niña con sueños, y su seria y misteriosa  cara es la ejemplificación de lo que vive ahí, un mundo donde escucha como el padre se burla de su cara y la regaña de forma violenta si tira algo, donde la madre le da ropa usada para que no se vea tan “desarreglada”, y los dos hijos, sólo saben de su existencia cuando levantan la mano para pedirle algo.

El largometraje nos lleva a ese mundo que para Guie’Dani es un infierno, un infierno en el que no aceptará estar, ya que realizara varios actos de una sana y necesaria rebeldía: como descomponer una computadora, o pintar un póster, hasta llegar a un punto donde provoca la ira de sus jefes; el mayor logro del filme es mostrarnos a esa Guie’Dani, con una tomas contemplativas y una primeros planos de su cara, nos muestra como ella defiende su ser y su identidad. La casa y sus dueños bien puede ser una metáfora del trato que le da la sociedad mexicana a la comunidad indígena.

El ombligo de Guie’dani aborda la temática de las empleadas domésticas como las premiadas Roma de Alfonso Cuarón y La Camarista de Lila Avilés, pero lo hace desde una visión diferente, el de una niña que no acepta que le roben su niñez y su identidad.

Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.

 

 


DocsMX presenta su decimocuarta edición

La decimocuarta edición de DocsMX, el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México, se llevará a cabo del 10 al 19 de octubre en 13 sedes de la capital del país.

Este año DocsMX tiene en su programación más de 110 documentales provenientes de 32 países y estos se podrán ver en cerca de 147 proyecciones. Una de las particularidades de este festival, y garantía de la calidad de la programación, es que cada una de las películas programadas fue seleccionada de entre las 1373 que se recibieron en la convocatoria de este 2019; esta dota a su programa, además de una singularidad propia, de una oferta no replicada de catálogos, lineamientos de industria o programaciones de otros festivales.

#ConexionesReales
Para esta edición, un hashtag funge como el tema central del festival. En un mundo interconectado, multipantalla y en el que todo está al alcance de un clic, los vínculos humanos son cada vez más perecederos, superficiales e incluso falsos; y lo mismo ocurre con la información, paradójicamente en una sociedad en la que tenemos fácil acceso a cualquier fuente de conocimiento, las fake news y las noticias mediadas y preconcebidas son el objeto de consumo diario. Por esa razón el festival se compromete a ofrecer historias reales, directas y honestas y ponerlas en contacto íntimo y sin ninguna intermediación con el espectador, para que las juzgue y las disfrute, sin necesidad de guiarse por ningún referente externo ni ajeno a él.

DocsMX crece más allá del festival. Además de ser una plataforma permanente de exhibición, tendrá más espacios de formación, producción y promoción del cine de no ficción, programando actividades de diferente naturaleza a lo largo de todo el año en diferentes puntos del país. Ejemplo claro son Plataforma MX, que tiene talleres de desarrollo de proyecto documental en Puebla, Xalapa, Comala, Tijuana, Ciudad Juárez y en la CDMX.

Este 2019 DocsMX ha desplegado sus actividades y componentes en ediciones hechas en Xalapa, Chihuahua, Puebla y muy pronto, en noviembre, llegará a Zacatecas y de nueva cuenta,  a Valéncia, España.

 

Doctubre Mx y Doctubre Ib
Octubre es desde hace años el mes del documental, esto gracias a las redes de exhibición colaborativa Doctubre Mx y Doctubre Ib, las cuales se apoyan en la labor de los cineclubes y los exhibidores independientes dotándoles con parte de la programación del festival. Esta vez, 161 espacios de 21 estados de la República participan en esta nueva edición, además de otras 21 sedes en ocho países de Iberoamérica.

Mediante todas estas acciones, DocsMX refuerza su compromiso con el público de la ciudad a ofrecer un cine de no ficción de calidad, a facilitar su acceso y a apoyar a todos los agentes involucrados en la producción cinematográfica de no ficción; desde losestudiantes, los directores, productores hasta los distribuidores y exhibidores. Un festival que no apoya y fomenta la producción no tiene sentido.

 

Homenaje
En este 2019 se rinde homenaje al documentalista cubano Santiago Álvarez a 100 años de su nacimiento. Por este motivo, en la Cineteca Nacional se realizará una proyección de algunos de sus noticieros y documentales (declarados «Memoria del Mundo» por la UNESCO) así como una exposición en su memoria. Llamado el «cronista del tercer mundo», fue sin duda el gran cineasta del bloque socialista en la Guerra Fría.

 

Proyecciones especiales

 Función de bienvenida

#Feme Pleasure | Suiza, Alemania | 2018 | 97’ | alemán, inglés, francés, japonés

En el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris se vivirá el inicio del festival; la película elegida como primera proyección es #Feme Pleasure, de la directora Barbara Miller; en su trama, mujeres de distintas geografías y religiones hablan del placer sexual, el cual siempre ha estado sujeto al deseo masculino.

Jueves 10 | 19:00 | Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

 

Función de despedida

La historia de Tony Alva | Estados Unidos | 2019 | 54’ | inglés

Este documental dirigido por Coan «Buddy» Nichols y Rick Charnoski cuenta la historia de Tony Alva, considerado el padre del skateboard moderno, quien ha inspirado a varias generaciones de jóvenes en el mundo.

Sábado 19 | 21:00 | Parque México

 

Sedes

  • Centro Cultural Universitario Tlatelolco | Av. Ricardo Flores Magón 1,
  • Cine Lido | Tamaulipas 202, Hipódromo Condesa.
  • Cine Tonalá | Tonalá 261, Roma Sur.
  • Cineteca Nacional | Av. México-Coyoacán 389, Xoco.
  • Ciudad Universitaria (Islas y Pantalla Universitaria) | Av. Universidad 3000, Pedregal de San Ángel.
  • Goethe-Institut Mexiko | Tonalá 43, Roma
  • Huerto Roma Verde | Jalapa 234, Roma Sur.
  • Jardín Juárez | Av. Chapultepec 61,
  • La Casa del Cine Mx | República de Uruguay 52,
  • Parque México | Av. México s/n, Hipódromo Condesa.
  • Pulquería los Insurgentes | Insurgentes Sur 225, Roma
  • Teatro de la Ciudad Esperanza Iris | Donceles 36,
  • Universidad de la Comunicación | Zacatecas 120, Roma

 

 

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Consulta la programación completa en www.docsmx.org

 

 

 

 

 

 

 


“Investigación secreta”, cinta sobre el cambio climático

Protagonizada por Nicolas Cage, Investigación secreta nos lleva a un futuro catastrófico para la humanidad, provocado por el cambio climático, razón por la cual el gobierno de los Estados Unidos comienza a exiliar a personas que consideran improductivas y las llevan a un lugar llamado el Edén.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Existen películas que tienen buenas intenciones. Cuentan con propuestas interesantes e intentan dejar un mensaje en el espectador, pero por más que el argumento pueda sonar prometedor, puede que no se obtenga el mejor resultado.

La cinta Investigación secreta está ambientada en el año 2030, el mundo se encuentra en un estado permanente de recesión económica, además de pasar por grandes problemas medio ambientales gracias a la evolución del calentamiento global, por lo cual, todos las personas que sean consideradas improductivas por el gobierno son mandados a Edén, una colonia donde se les promete una mejor vida.

Noah Kross (Nicolas Cage), es un trabajador social encargado de contactar a dicha gente para evaluarlos y decidir si aportan más a la sociedad de lo que consumen. En una de estas visitas conoce a Rachel Weller (Sarah Lind) y su hijo Lucas (Jakob Davies), quienes parecen tener una conexión especial con Noah, quien tras enterarse de la verdad que se esconde detrás del Edén decide huir con ellos para intentar salvarlos.

El director Rob W. King nos entrega una cinta que deja mucho que desear. El filme inicia con buenas intenciones, pero en la puesta en escena no resulta tan bien como se esperaría. El mensaje es contundente. En un mundo donde todo es monitoreado de manera minuciosa y donde nos preocupamos por todo menos por las personas, siempre llena de esperanza encontrase con un poco de humanidad.

Hablar sobre el medio ambiente y todo el daño que le estamos haciendo es algo bien intencionado cuando se utiliza en el cine, pero es difícil que esto brille cuando se ve opacado constantemente con la poca calidad de la cinta.

Las tomas en interiores se sienten incluso como bromas, ya que  se utiliza constantemente una pantalla verde para emular a la naturaleza  como fondo. Además, las actuaciones, incluyendo a Nicolas Cage, no destacan.

A pesar de todo esto, la cinta tiene unos cuantos destellos a lo largo de la trama. Pequeños giros de tuerca que llegan a sorprender o incluso escenas que están parcialmente bien ejecutadas, por más que su villano parezca de caricaturas y le reste dramatismo a las mismas.

Investigación Secreta es una película que fácilmente puede pasar desapercibida y que parece más una película para televisión o lanzada directamente a DVD que una superproducción para la pantalla grande.

En definitiva es una de esas cintas que verías un domingo en la mañana porque no hay nada mejor en la televisión.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


“Joker”, una cinta que no podía fallar

Joker, dirigida por Todd Phillips y protagonizada por Joaquin Phoenix, narra la trágica vida de Arthur Fleck, que ante una sociedad que lo rechaza por sus  problemas mentales, este comete actos atroces.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

La cinta Joker, protagonizada por Joaquin Phoenix, no pertenece al subgénero de súper héroes, ya que es un filme más realista, con un mensaje crudo, una obvia crítica a la sociedad moderna y una premisa totalmente opuesta a sólo presentar el simplismo de buenos contra malos o mejor dicho villanos contra héroes encapuchados.

Es por eso que el Joker del director Todd Phillips no reivindica dicho subgénero, no es parte de esos universos y sería un error considerarla como tal.

Si bien se basa en un personaje de cómics (quizá el villano más popular de la editorial DC), Phillips se apropia de esa figura y mantiene cierta esencia del payaso psicótico, pero a partir de él construye una nueva narrativa, una alejada de secretos y con explicaciones sobradas, para abordar el rechazo y el poco caso que la sociedad le hace a las personas con problemas mentales y el enojo de la gente por los privilegios y diferencias entre clases sociales.

Antes de que se estrenará el filme, Phillips comentó en varias entrevistas que sus influencias para realizar el Joker, eran la cintas del director Martin Scorsese, Taxi Driver y el Rey de la Comedia – la primera considerada una obra de arte y la segunda desafortunadamente infravalorada – pero lo que no dijo el director (obviamente) es que no sólo son sus influencias son su motor, ya que algunas escenas del Joker son casi unas  copias (eso sí bien hechas) de las secuencias más icónicas de los dos filmes de Martín.

Incluso el personaje que interpreta Joaquin Phoenix, Arthur Fleck, es tan parecido a Travis Bickle (el perturbado y solitario veterano de guerra en Taxi Driver) y a Rupert Pupkin (aquel hombre de 35 años, que imaginaba cosas, vivía con su madre y que realizó un acto deplorable para ser comediante en El Rey de la comedia), que este Joker deja un sabor de ser un personaje reciclado de las dos cintas de Martin, las cuales protagonizó magistralmente Robert de Niro.

Es así que la fórmula que uso Phillips no podía fallar: utilizar al villano más conocido de la cultura de los cómics, reinventar su historia y darle unas claras motivaciones, y combinarlo con las características de los personajes de Travis y Rupert – hombres blancos, heterosexuales, solitarios y con problemas mentales – y así dar como resultado un Joker tenebroso, con un sonrisa inefable y un arco argumental que lo lleva hacía la locura.

Joker narra la trágica vida de Arthur Fleck, un hombre que tiene problemas mentales, vive con una enfermedad que hace que se ría en los momentos en los que se encuentra incómodo o fuera de su zona de confort. Vive con su madre, una mujer que no se cansa de decir que el multimillonario Thomas Wayne los puede ayudar a salir de sus problemas económicos.

Arthur intenta llevar una vida normal, trabaja en una empresa que ofrece espectáculos de payasos,  y visita con regularidad un centro de ayuda social para personas con problemas mentales, lugar donde le dan varios medicamentos para que controle sus impulsos o pensamientos negativos. Pero cuando cierran dicho establecimiento, por recortes al presupuesto, Arthur ya no tiene cómo conseguir los medicamentos que necesita y ahí se desata el caos.

De esa forma la cinta realiza una voraz crítica a la poca atención que se la da a las personas con problemas mentales. Asimismo, muestra una sociedad agresiva con el más débil, intolerante con alguien fuera de los parámetros de ser “normal”, una comunidad que vive enojada y frustrada por las desigualdades sociales.

Todos estos temas que aborda la cinta los hace de una forma demasiado explicativa, no da pie a la reflexión o la metáfora visual,  todo nos los aclara; incluso el momento de inflexión de Arthur, cuando la trabajadora del servicio social que visita le comenta tajantemente: “a esta sociedad personas como tú no le importan”, diálogos como estos donde nos explican de más, deja un poco afuera el poder de lo visual; a veces tanta explicación puede quitarle misterio a un filme.

Sin embargo, Joker cumple con su objetivo, con sus duras críticas, con su complejo personaje  y con una conclusión impactante. Por su parte Phoenix realiza un trabajo apabullante, demuestra su atención al detalle que le exige su papel, la corporalidad, la modulación de voz, su ruidosa y tétrica risa rebasan incluso a la propia película.

Joker es un trabajo que no falla, pero lejos está de ser una obra maestra; no obstante sus influencias, el personaje, Joaquin, su mordaz crítica, su atractiva fotografía, hacen de la obra de Phillips una cinta seductora.

Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


El poder de la comprensión: “Unbelievable”

Basada en una historia real, Unbelievable, miniserie de Netflix, trata sobre una joven que fue violada y la culpan por mentir al respecto. Dos mujeres detectives investigaran el caso. Protagonizada por Kaitlyn Dever, Toni Collete y Merritt Wever.

Por Isaac Piña Galindo*

@IsaacPi15a 

En estos tiempos es difícil no estar familiarizados con las series policíacas o el procedural, género que alude a los programas cuya trama trata sobre un caso que es investigado y resuelto en un solo capítulo.

Junto con los reality shows y las sitcom (comedia de situaciones como Friends o The Big Bang Theory), el procedural es sin duda el género televisivo más consumido tanto por espectadores ocasionales como por ávidos fanáticos de este tipo de historias.

Todos hemos ojeado en algún momento la clásica The X Files, Law and Order en alguna de sus versiones, Criminal Minds, u otras propuestas como The Blacklist, donde el “detective” es un asesino, o Castle, donde un novelista exitoso funge como investigador.

Entonces, ¿por qué Unbelievable de Netflix puede sentirse como una bocanada de aire fresco? En esencia, la nueva serie que la cadena de streaming estrenó al final de este verano (2019) es un procedural: dos mujeres detectives, Duvall y Rasmussen, persiguen a un repulsivo violador serial.

La clave para comprender lo genial de Unbelievable y el por qué la trama puede calificarse de inteligente, la encontramos en la decisión de narrar la serie desde la perspectiva de Marie Adler, una adolescente víctima del crimen y a quien los escritores eligen como protagonista.

Al ser Marie Adler el hilo narrativo, la miniserie gana originalidad al mismo tiempo que peso dramático. La dura historia personal de Adler contada en primera persona contrasta con el punto de vista objetivo de la investigación, que es relatada dentro del marco estructural de un procedural.

De forma similar a como lo hizo Cary Joji Fukunaga en HBO con la primera temporada de True Detective, Unbelievable expone dos líneas temporales cuyo punto de encuentro significa el clímax y la resolución de la serie, eficiente herramienta narrativa para construir un panorama emocional completo de quienes protagonizan la historia.

Capítulo a capítulo, la investigación de las detectives adopta el enfoque realista, cercano al melodrama, del retrato de Adler. La proximidad a la pena apabullante que sufre Marie provoca que el espectador enfrente con mayor angustia cada evento en la investigación: un traspiés enfurece o indigna, e incluso una pequeña victoria deja un sabor amargo, puesto que desconocemos cómo las detectives ayudarán a aliviar la pesadumbre de Adler.

El doble gancho presente en los dos capítulos iniciales permite que empaticemos aún más con los tres personajes principales, porque lo que está en juego trasciende la importante tarea de resolver un caso complejo. El objetivo es obtener justicia, claro está, pero la verdadera fuerza narrativa recae en escuchar y comprender a Marie Adler.

La empatía, aspecto inequívoco para conectar con un relato, cobra mayor profundidad en Unbelievable ya que los creadores de la miniserie aciertan en permitir que Marie cuente su historia sin santificarla, ni juzgarla, ni dejando que el morbo juegue ningún rol.

El retrato de Marie demuestra el daño irreversible del crimen, pero el horror continúa cuando el trauma se torna asfixiante y reina la confusión, la negación y el inevitable aislamiento.

La interpretación de Kaitlyn Dever es memorable porque equilibra fiereza con desapego para desentrañar los pormenores del proceso emocional de Marie; Dever aprovecha su aspecto físico infantil para explorar la vulnerabilidad de Marie a la par de otras actitudes del personaje: huraña, aguerrida, taciturna e inclusive indiferente, sin superar el rastro de incredulidad y profunda tristeza que se halla en sus expresiones.

De igual manera, y sin sobreactuar ni caer en maniqueismos, Merritt Wever (Duvall) y Toni Collette (Rasmussen) exponen varios aspectos de la personalidad de las detectives que complementan la comprometida actuación de Kaytlin Dever.

Este contrapunto resulta ideal porque la química que nace entre las detectives permite al espectador desahogar tensión y reflexionar sobre el progreso de la investigación, al mismo tiempo que se identifica con la fortaleza emocional que las mismas detectives descubren sobre la marcha.

La minserie desarrollada por Susannah Grant, Michael Chabon y Ayelet Waldman sirve como ejemplo del uso inteligente de un formato narrativo familiar para poder explorar personajes complejos que reaccionan ante un acontecimiento violento.

Con el apoyo de la excelente creatividad para estructurar la historia, el espectador tiene la libertad de comprender el rango emocional de las tres protagonistas y de esta forma reevaluar su hipotética respuesta ante un evento tan traumático, en el rol que fuese.

Así, Unbelievable es una lección sobre la importancia de conducirse con respeto y compasión. En pocas palabras: ilustra el porqué y el cómo actuar con sensibilidad ante un mundo sumido cada vez más en el caos.

*Cineasta y Colaborador en CinEspacio24 Noticias