“Salvaje” honesto retrato sobre la prostitución masculina

Salvaje, ópera prima de Camille Vidal- Naquet, es una cinta francesa que con base en  tomas honestas, narra, sin prejuicios, la vida de Leo un joven de 22 años que se dedica a la prostitución homosexual. 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Vivir fuera de los “parámetros” que rigen las sociedad y no perder tu personalidad, ni tu capacidad de sentir o amar y ser amado; a esa reflexión nos lleva el cineasta francés Camille Vidal- Naquet, con su ópera prima Salvaje (Sauvage), donde retrata la vida de un hombre de 22 años que se dedica a la prostitución homosexual.

En ocasiones señalamos, juzgamos y rechazamos a quien ha seguido un camino diferente a lo que dictan los supuestos “valores morales” que nos han impuesto, pero por lo regular o casi siempre nuestros juicios parten de la ignorancia y la incomprensión.

Al respecto, después de tres años de investigación y de entrevistar a gente sin hogar que se dedica a la prostitución en París, Camille realiza un largometraje íntimo, honesto y crudo como la realidad, recrea una parte de la sociedad que está ahí, siempre ha estado ahí y muchos no la quieren ver.

El director logra su objetivo con el personaje de Leo (brutal y conmovedor trabajo de Félix Maritaud), un joven de 22 años que se dedica a la prostitución, no tiene un hogar, duerme por lo general en la calle y tiene problemas con las drogas; a pesar de que esta descripción puede llevarnos a una dramatización exagerada, el director supo reflejar la vida de este hombre sin victimizarlo, al contrario lo humaniza, le da un rostro, la de voz, y muestra que quiere amar, ser libre: un personaje anárquico cómodo con su forma de vivir.

Leo camina sin pudor por las calles de París, parece ir rumbo al abismo, al desasosiego, a la tragedia, pero la franqueza con la que Camille lo aborda nos muestra otra perspectiva, una sin juicios morales.    

Así, nos presenta la historia de un joven como cualquier otro, que siente, se enamora, sufre, se enferma, va a fiestas y le duele no ser correspondido por la persona que le gusta.

La cámara del director nos lleva a ese lugar donde los prostitutos en París se juntan, se paran a lado de la calle para conseguir trabajo, porque la cinta deja claro que ellos sólo están realizando un trabajo más; algunos lo hacen por gusto, otros por necesidad, pero en ningún momento se victimizan o se quejan de lo que hacen.

Esta cualidad que tiene la cinta  de humanizar y enseñarnos los sentimientos de estos personajes,  lo consigue con una narrativa que tiene su soporte en las imágenes, en el encuadre, en su fotografía, dejando al espectador que a partir de ahí saque sus propias conclusiones sobre unos hombres que sólo están trabajando.

Salvaje no juzga sólo refleja la parte de la ciudad que algunos rechazan, rompe la pared que ciega a muchos de esa realidad; y lo hace sin prejuicios, por eso el filme tiene secuencias explícitas, no se censura y esa es una de sus mayores virtudes.

En el viaje y andar de Leo nos tropezamos con una realidad que no cae en dramatismos banales, sino la vida misma vista desde otro punto de vista; Leo siente y también exige que lo amen.

Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


“Olimpia”, tres historias más personales sobre el 68

Con una estética atrevida, el uso de la técnica de animación rotoscopia, Olmipia, dirigida por José Manuel Cravioto, nos cuenta la historia de tres jóvenes que participaron en los movimientos estudiantiles del 68, y se enfoca en la entrada del ejército mexicano a las instalaciones de Cuidad Universitaria.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

En un acto represor y cobarde, el 18 de septiembre de 1968, el ejército mexicano entró y tomó a la fuerza las instalaciones de Cuidad Universitaria, con el fin de aprehender a los dirigentes de la Comisión Nacional de Huelga (CNH), quienes encabezaban las protestas de la comunidad estudiantil en México.

Tal evento, que sucedió en el mandato de Gustavo Díaz Ordaz, vaticinaba los desafortunados y lamentables actos que acontecieron unos días después: la matanza de estudiantes el 2 de octubre de 1968, en la Plaza de Tres Culturas en Tlatelolco.

El 68, la matanza de estudiantes y la represión a las demandas de los jóvenes, es una de las historias más oscuras y vergonzosas de México, cuando los gobernantes mandaron al ejército y a fuerzas especiales a liquidar y a desaparecer a los estudiantes, la mayoría de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y del Instituto Politécnico Nacional (IPN).

Dicha tragedia no se debe olvidar, aquí no cabe la frase de que “tenemos memoria corta”, en ese sentido, el cine ha tomado su papel como un medio para mantener nuestra memoria fresca y que la indignación por lo que pasó no desaparezca.

Así tenemos películas como el documental El grito de Leobardo López Aretche, que nos muestra valiosas tomas de lo que pasó el 2 de octubre; también ficciones como Rojo Amanecer (1989) de Jorge Fons o Borrar de la Memoria de Alfredo Gurrola.

Al respecto, este 2019 se estrena la película Olimpia del director José Manuel Cravioto, que si bien nos vuelve a transportar a ese ominoso año (cuando irónicamente se celebraron los Juegos Olímpicos en México, evento que promulga la paz mundial), el eje que toma Cravioto no es la matanza en Tlatelolco, sino la toma de Cuidad Universitaria por el ejército mexicano.

De esa forma, y usando la técnica de animación rotoscopia (redibujar las cintas grabadas, trabajó que realizó, durante ocho meses, la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM), el director nos cuenta la historia de tres jóvenes Raquel (Nicolasa Ortíz Monasterio) , Rodolfo (Luis Curiel) y Hernán (Daniel Mandoki), quienes eran parte de la CNH y se encontraban en Cuidad Universitaria cuando el ejército entró.

A estos tres personajes, esta ilegal represión de los militares les cambió su vida, los hizo dudar de seguir en el movimiento, la cinta nos muestra de una forma más personal la ideología de los estudiantes. Rodolfo y Hernán son dos aficionados a la fotografía y al cine que con sus cámaras graban lo sucedido y esto pone en peligro su vida.

Por su parte la historia de Raquel, gran trabajo de Nicolasa, está inspirada en la historia de la poeta uruguaya Alcira Soustm, quien estuvo escondida durante varias semanas en las instalaciones de la UNAM, mientras los militares se encontraban en el lugar.

Combinando estas tres historias, el director nos entrega una perspectiva más humana, sincera, valiente; que sabemos cómo culminará, pero antes nos muestra los miedos de los jóvenes, su decisión de seguir adelante, de escribir, de fotografiar, de filmar y sobre todo de levantar la voz. Con historias más personales Cravioto nos muestra el ambiente general antes de la matanza.

2 de octubre no se olvida y Olimpia hace su trabajo en mantener nuestra memoria fresca y seguir exigiendo respuestas.

Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


“Boda sangrienta”, comedia y sangre después del matrimonio

Boda sangrienta es un filme de terror y comedia, que narra el suplicio de Grace después de casarse, ya que tiene que esconderse de su nueva familia, que como parte de un juego intentan matarla. 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

“Hasta que la muerte los separe”, es la frase con la que concluyen casi todas las celebraciones de boda. Estarás con tu pareja hasta que alguno de los dos fallezca, quizá para los más románticos es una expresión hermosa, para otros es como estar encadenados.

A esos diferentes puntos de vista nos lleva la cinta Boda sangrienta, un filme cómico y gore, que usa el festejo de una boda para criticar este tipo de ceremonias, a la clase alta y su doble moral, al amor incondicional y a las absurdas tradiciones de la gente, y lo hace de una forma divertida y sangrienta.

Por medio de una narración y actuaciones exageradas los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillet, crean una anécdota combinando sin restricciones varios géneros cinematográficos, el horror, thriller y la comedia, para entregarnos un producto entretenido y con algunas partes para reflexionar sobre la condición humana y la necesidad de algunas personas por casarse.

Asimismo, ahonda sobre la clase alta, esa que parece vivir en una burbuja. El filme refleja su avaricia, su sentimiento de superioridad, el creer que pueden realizar cualquier acto sin tener consecuencias, como por error dispararle a una sirvienta y matarla y sólo ir a aventarla a los establos, y que eso se convierte en un acto cómico para ellos. 

Grace (Samara Weaving) es una joven chica, de clase media, que se casa con Alex Le Domas (Mark O´Brien), quien pertenece a una familia de clase alta, los Le Domas. Famosos por hacer su fortuna gracias a la invención de varios juegos de mesa. Entre varios familiares de los Le Domas hay algunos que piensan que Grace se casó por dinero y la miran con odio y desprecio.

Después de la boda, según la tradición de la familia de Alex, todos los familiares del novio se deben reunir en la sala de juegos y la novia tiene que sacar una carta con la descripción de un juego en el que todos deben participar. De no hacerlo, un ente maligno matará a toda la familia Le Domas.

Grace saca un carta que describe el juego de escondidillas , para ella es algo absurdo pero decide aceptar  las excentricidades de su nueva familia, sin saber que en realidad ese juego es un cacería donde los Le Domas la tienen que encontrar y matar.

La cinta Boda sangrienta es una divertida comedia gore, con escenas de asesinatos accidentales irrisorios, diálogos que juegan con el absurdo de la premisa, una ambientación que no se sale de sus forma y fondo para mostrarnos una película que bien puede entrar en la categoría de serie b.

Al final, este filme es un entretenido ejercicio de terror y comedia que no se detuvo hasta cumplir “hasta que la muerte los separe”.

Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


“Anna: el peligro tiene nombre”, acción y agentes secretos

El director Luc Besson regresa con Anna: el peligro tiene nombre, una cinta  de acción y de agentes secretos; protagonizada por Sasha Luss, quien interpreta a una asesina despiadada.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

Alfred Hitchcock, conocido como el maestro del suspenso, decía que existe un abismo de diferencia entre el suspenso y la sorpresa. Como ejemplo decía lo siguiente: si en una escena se ve a dos personas sentadas en una mesa tomando café y repentinamente explota una bomba debajo de ellos, eso es sorpresa, pero si antes de esa escena te muestran a un sujeto que coloca dicha bomba e inicia un cronometro de cinco minutos, en ese momento se vuelve suspenso.

En la cinta Anna: el peligro tiene nombre, Anna (Sasha Luss), es una hermosa chica oriunda de Moscú, la cual perdió el rumbo de su vida tras la muerte de sus padres, razón por la cual vive con su pareja que se gana la vida de una manera poco honrada. Un día es contactada por Alex Tchenkov (Luke Evans), miembro de la KGB, organización a la que Anna ha intentado entrar en reiteradas ocasiones.

Alex le comenta a Anna que si se une a la KGB, trabajará tan solo cinco años y después obtendrá lo que siempre ha deseado, que es su libertad. Ella acepta y así comienza una aventura en la que se verá envuelta en más de un apuro.

El director Luc Besson nos presenta una película que constantemente juega con el espectador. La cinta es como una matrushka, aquellas muñecas tradicionales rusas cuya peculiaridad es que se encuentran huecas por dentro, lo cual les permite tener una muñeca más pequeña en su interior, la cual tiene una muñeca más pequeña en su interior, y así sucesivamente, sólo que en el caso de la película nos encontramos con un plot twist -aquellos giros inesperados en la trama- dentro de otro plot twist, dentro de otro plot twist, y así sucesivamente.

Esta metáfora  cobra mayor fuerza ya que con cada plot twist que sucede, la película se va haciendo más intima y más pequeña. Deja de abarcar tantos personajes y situaciones para finalmente concentrarse todo en una sola situación.

El montaje ayuda a mantener la sorpresa. Hitchcok mencionó alguna vez que es muy importante saber que tanto mostrar en pantalla para no perder el factor sorpresa, y eso es algo que la cinta hace muy bien. Luc Besson logra involucrar al espectador como una extensión más de la cinta para mantenerlo siempre enganchado con la historia.

“El cine no es un trozo de vida, sino un pedazo de pastel” es una emblemática frase de Alfred Hitchcock, y es que siempre es divertido saber cuál es el relleno que tiene el pastel.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.

 


Locura preadolescente: “Todas las pecas del mundo”

Yibran Asuad, experimentado editor con un currículo que incluye películas festivaleras como Güeros (2014) o El lenguaje de los machetes (2011), presenta su segundo filme como director con la comedia juvenil Todas las pecas del mundo, la cual también edita y coproduce.

Por Isaac Piña Galindo*

@IsaacPi15a 

La película relata las desventuras de José Miguel (Hanssel Casillas), un niño recién llegado a la secundaria que se enamora perdidamente de la más popular y bonita del último grado, Cristina Palazuelos (Loreto Peralta), la novia del misterioso y también popular Kenji (Luis de La Rosa).

Escribir una película sobre la inocencia y calentura púber podría lucir como una tarea sencilla porque prácticamente todos nos identificamos con esas vergonzosas pero divertidas épocas de secundaria y preparatoria, donde hasta los “raros” gozan de anécdotas legendarias, como en el clásico ochentero Revenge Of The Nerds (1984).

A pesar de tratarse de una tarea en apariencia sencilla, existen aún trampas con las que el guión puede tropezar, como por ejemplo depender de personajes estereotípicos, chistes subidos de tono sin razón alguna o que la historia quede nulificada en favor de una sucesión de torpes sketches.

Afortunadamente, los escritores Gibrán Portela y Javier Peñalosa dibujan un enternecedor cuento de angustia preadolescente donde la comedia nace como consecuencia de actitudes infantiles típicas de la transición de niño a joven, en las que no faltan la confusión, los caprichos, las fantasías y los códigos de honor absurdos.

El mayor acierto del director y los escritores radica en la decisión de dejarse llevar por la perspectiva ilusa pero rebelde de José Miguel, cuyo punto de vista ayuda a comprender el ritmo veloz (casi atropellado) de la película, así como otras decisiones de estilo que permiten adentrarnos en la manera de pensar del protagonista.

Asimismo, la dirección actoral de Asuad realza el gran trabajo de casting de Marco Aguilar y Fernando Velasco, quienes reúnen un elenco secundario ideal para cada personaje. Destacan Alejandro Flores como Malo, un cabeza dura con un timing cómico asombroso, y Andrea Sutton dando vida a Liliana , una chica cuasi dark que parece salida de The Craft (1996) , con un interesante dilema de amistad, amor y celos.

Aunque la película por momentos tropieza con problemas de tono y montaje, al final Todas las pecas del mundo logra capturar a su audiencia porque Asuad y compañía crean un entretenido y afectuoso retrato de la locura solipsista del adolescente primerizo, de las metas imposibles, los cambios de humor y la agitada forma de enfrentar un mundo nuevo.

*Cineasta y Colaborador en CinEspacio24 Noticias


“Ana, mi amor”, del amor a la dependencia

La nueva cinta del director rumano Calin Peter Netzer, Ana, mi amor nos narra de una forma poco convencional cómo el amor en pareja puede llegar a ser un juego de dependencia y destructivo.

Por Martín L. González*

@martin_lgonzale

El amor es uno de los sentimientos más puros que existen. Estar con la persona correcta te motiva día a día para ser una mejor persona y lograr tus metas. Pero existe una delgada línea entre amar a alguien y depender de alguien.

Estos lo podemos ver en la cinta rumana Ana, mi amor (Ana, mon amour). Toma (Mircea Postelnicu), es un joven que desea ser escritor o periodista. Un día conoce a Ana (Diana Cavallioti), una linda chica que sufre de problemas psicológicos, motivo por el cual ha estado medicada desde pequeña.

Por medio de recuerdos, Toma le contará a su psicoanalista todo lo que ha vivido junto a Ana a lo largo de los años y como es que poco a poco se fue desbaratando su historia de amor.

El director Calin Peter Netzer nos presenta una película no muy alejada de la realidad. En lugar de contarnos la típica historia de amor al estilo Hollywoodense en la que todo suele ser hermoso y color de rosa, opta por una historia cruda pero real.

Por medio de una narrativa poco convencional, nos muestra cómo es que el amor entre una pareja puede ir desapareciendo poco a poco y a pesar de ello la relación no culmina, ya que lo que solía ser una sentimiento tan puro termina por convertirse en codependencia.

La cinta avanza tanto como sus personajes, lo cual fortalece el desarrollo de los mismos. Conforme esta avanza, cada vez se siente más diferente a lo que se nos presentó en un inicio. Pasamos de momentos lindos con pequeñas peleas a constantes discusiones y tan solo una chispa de amor que va perdiendo cada vez más su intensidad.

Incluso el ritmo del largometraje va aumentando su intensidad hasta el grado de provocar incomodidad, lo cual funciona en beneficio de la historia.

Los personajes no se encuentran nada alejados de la realidad. Tan sólo basta con dar un vistazo a nuestro alrededor para encontrarnos con más de una Ana o un Toma, por ello es fácil involucrarnos con la idea del director. Todo esto se refuerza con las situaciones que se presentan en pantalla, y más con los temas tan insignificantes que suelen desatar los conflictos.

El amor pude transformarse en algo enfermizo, puede incluso destruir nuestras vidas, por lo tanto  debemos saber en que momento una relación ya no es saludable, cortarla de tajo y alearnos de ahí, antes de que sea demasiado tarde.

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


GIFF abre su convocatoria para concurso de documental “Identidad y Pertenencia”

El Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), a través de su área de formación, abre la convocatoria para la Décimo primera edición del Concurso de Documental Identidad y Pertenencia.

La competencia tiene como principal objetivo contar las historias de Guanajuato a través de la mirada particular de los jóvenes universitarios de la región para fortalecer los vínculos que éstos tienen con su comunidad y, al mismo tiempo, registrar historias de valor comunitario con carácter universal.

A partir del 23 de septiembre y hasta el próximo 1 de diciembre de 2019, el GIFF mantendrá abierta la convocatoria que busca formar a los jóvenes universitarios con inquietudes por la actividad cinematográfica. A través del Concurso Identidad y Pertenencia se retrata el arraigo, las traiciones y la diversidad de las regiones del estado de Guanajuato.

Desde hace una década, el GIFF ha forjado a través de este concurso a 600 jóvenes y ha producido 60 documentales. Estas producciones no solo se exhiben durante el festival, además hacen un recorrido por diversos festivales nacionales e internacionales, entre ellos el más prestigioso encuentro cinematográfico del mundo: el Festival de Cine de Cannes, al cual gracias al apoyo de EDUCAFIN nuestros participantes tienen la oportunidad de viajar como representantes del talento nacional.

A través de esta convocatoria se seleccionan 6 equipos, mismos que entran a un programa de formación intensa cobijada por diversas instituciones nacionales como lo son SECTUR, CÁMARA DE DIPUTADOS, IMCINE y GUANAJOVEN y curado por la GIFF; la formación que reciben los jóvenes denominada #FORMACION GIFF es una serie de talleres con profesionales de la industria fílmica, que los prepara en áreas como: Lenguaje Cinematográfico, Storyboarding y Estructura, Producción de Documental, Crowdfunding, Dirección de Entrevistas, Producción Sonora, Diseño Sonoro, Mezcla Sonora, Iluminación, Fotografía, Montaje, Postproducción, Corrección de Color, entre otras materias.

Se ha logrado una proyección en más de 80 festivales a nivel internacional, donde documentales como Bajo las Brasas que fue seleccionado en el Festival de Sundace y viajó por más de 10 países; Minero Fui que tuvo la oportunidad de ser visto en Australia, Europa pasando por Japón y América Latina y fue galardonado como mejor documental; El Guardián que gozó de una exitosa gira europea donde se vio en países como Letonia y obtuvo dos galardones en Alemania y Rusia así́ como tres más a nivel nacional; El Diablito que se proyectó en Italia, India, Francia, Colombia, EUA y Argentina, estos son solo algunos ejemplos de éxito del concurso y del programa formativo Identidad y Pertenencia.

Si eres estudiante universitario en Guanajuato, GIFF está esperando tu historia, consulta las bases en

www.giff.mx


El 68 y el cine mexicano.

El 2 de octubre se conmemora uno de los movimientos estudiantiles que marcaron la historia de nuestro país; ocurrido en el año de 1968. Dicho suceso provocó una generación de cineastas que lo plasmaron en la pantalla grande; cintas como El Grito, que fue el resultado de ocho horas de grabación por parte de los estudiantes del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) durante lo ocurrido en la Plaza de las Tres Culturas, e inclusive la ya conocida Rojo Amanecer, que se grabó de forma clandestina en 1989 cerca del Estadio Azteca y que cada escena solo se rodó una vez.

En nuestro primer conversatorio entramos en más detalles sobre lo que representó el 2 de octubre en el cine, de manera político y social, en compañía de Gerardo Gil Ballesteros, crítico cinematográfico. 

 

 


“Midsommar”, un infierno que florece

Midsommar, cinta de terror dirigida por Ari Aster, nos lleva a una comunidad en Suecia donde van a celebrar un festival; Dany y sus compañeros estadounidenses están invitados al evento, y descubrirán tradiciones y costumbres sanguinarias. 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

En momentos de depresión se suele buscar una salida fácil: donde no estemos vulnerables, solitarios, incomprendidos o desesperados. Más si el sentimiento de tristeza viene de la muerte de un ser querido, es decir, estar en duelo. Una confrontación personal por aceptar la pérdida de alguien.

En esos casos, pueden aparecer, como carroñeros, personas que te brindan su ayuda, consuelo y comprensión. Y lo que te ofrecen parece ser lo que necesitas, recuperar esa parte que se te ha ido. Aceptas su ayuda, te entregas a su amor, en un estado de vulnerabilidad todos somos presas fáciles, sin entender o querer comprender que firmas tu entrada a una secta.

De eso trata la cinta Midsommar, del director Ari Aster, una obra que como su primer largometraje Hereditary, nos habla de las heridas y lo complicado que es recuperarse después de la muerte de un familiar.

Aster vuelve abordar el tema del duelo para llevarnos a un mundo que parece onírico, paradisiaco, como un bello canto que nos atrae hacía él; pero que en el fondo, detrás de esa primera y hermosa imagen, está una secta que lleva a cabo sacrificios humanos, justifica el incesto y realiza acciones sangrientas y depravadas, con el fin de alegrar a sus dioses.

El filme comienza narrando la tragedia que sufrió Dany (Florence Pugh), cuando su hermana se suicida y mata a sus padres. Ante eso llama a su novio Christian (Jack Reybor), quien unas horas antes de que sucediera tal evento hablaba con sus amigos de que ya quería terminar con ella. Un distanciamiento que se va a ver en toda la película y será punto clave de su premisa, ya que Dany no encuentra en su pareja el consuelo que busca.

Christian, con dos amigos más, planearon viajar a un pueblo en Hälsingland, Suecia, donde creció su compañero de la universidad Pelle (Vilhelm Blomgreen), y así conocer la fiesta tradicional que realizan en dicho lugar cada noventa años. Dany no estaba considerada para ir al viaje, sin embargo después de lo que le ocurrió deciden invitarla.

Los cuatro jóvenes estadounidenses, llegan al pueblo de Pelle, quien les explica que ahí son una comunidad muy unida donde todos son hermanos y hermanas. Así llegan a un sitio lleno de luz, con una naturaleza floreciente y resplandeciente, un lugar donde todos visten de blanco y las mujeres llevan coronas hechas de rosas.

Todos se abrazan, cantan, bailan, y reciben con mucha amabilidad a los invitados de Pelle. Además de darles hongos alucinógenos para que su experiencia sea más mística.

Mientras los jóvenes están ahí cada día ven tradiciones más raras, fuera de lo normal, que los hace dudar de la cordura del pueblo. Sobre todo Dany, que en su estado de duelo no encuentra paz, pero varios detalles y apoyo de la comunidad hacen que ella se siente protegida y querida. Esto provoca que en medio de un lugar que parece un paraíso florezca un infierno.

Aster es un director que sabe construir ambientes tétricos (más si consideramos que en esta cinta todo pasa con luz de día), gracias a intrigantes movimientos de cámara, detalles sombríos en la ambientación, diálogos sencillos pero misteriosos, escenas perturbadoras y, quizá la mayor de sus fortalezas, poner la música correcta en los momentos de tensión y terror.

En ese sentido, no es un director que busque crear jump scares o mostrar entes diabólicos. Su reflexión es más profunda y a diferencia de su ópera prima Hereditary, donde sí mostraba una explicación paranormal, en Midsommar nos enseña los actos diabólicos a los que puede llegar el ser humano cuando está convencido que sus dioses exigen sangre.

El duelo de Dany se convierte en el pretexto perfecto para que una secta la atraiga, con promesas de comprensión y amor.

Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


Primera edición de Cuórum Morelia, festival de cine experimental sobre diversidad sexual

Cuórum Morelia anunció su primera edición como el primer festival internacional de cine experimental sobre diversidad sexual, sociocultural y género, la cual estará dedicada a Dieter Kosslick. Se llevará acabo del 23 al 27 de octubre, en Morelia, Michoacán. Sus sedes serán el Centro Cultural Clavijero y la Sala Jeudi.

La programación del festival  está conformada por cuatro secciones:

•   TRIBUTO A TEO HÉRNADEZ.
Como parte de una serie de tributos, Cuórum Morelia en colaboración con la investigadora Andrea Ancira, inicia con el reconocimiento al cineasta Teo Hernández nacido en Ciudad Hidalgo, Michoacán el 23 de diciembre de 1939. El festival proyectará los filmes: Nuestra Señora de Paris, Tables d’Hivers y Estrellas de Ayer.

•   IV PROGRAMA DE DIVERSIDAD SEXUAL Y GÉNERO (Competencia Oficial Mexicana) 

Por cuarta ocasión consecutiva, Cuórum Morelia, antes programa de diversidad sexual, presentará una selección de cortometrajes mexicanos que por segunda vez competirán por La Camelina de plata, premio que diseña Sangre de mi sangre y que otorga un jurado especializado al cortometraje de diversidad sexual o género más destacado, además de un premio en efectivo por $50,000.00. En la selección de este año 16 títulos de la República Mexicana competirán por este galardón y por el premio del público.

Este año el jurado que otorgará la Camelina de Plata está conformado por: Renato Galamba, responsable de la estrategia de venta y distribución de la agencia de ventas, producción y distribución latinoamericana FiGa Films. Francisca Lucero, Miembro del comité de selección de documentales del Festival Cinélatino de Toulouse y coordinadora de FIDLab, plataforma de coproducción internacional del Festival de Marsella. Doly Malletperiodista y corresponsal con base en Nueva York y escritora del libro Mordiendo manzanas y besando sapos. María José Staffolani, guionista, productora, montajista y directora de las películas Colmena y Román (Sección Mirador, 2018). El jurado se termina de conformar por el extraordinario actor, director, producto y dramaturgo cubano español, Jaz Vilá, referente indiscutible del teatro cubano contemporáneo y nominado al Premio Goya por Juan de los Muertos de Alejandro Brugués.

Cuórum Morelia recibió 87 trabajos inscritos de las cuatro regiones de la República Mexicana, incluyendo la región Pacífico con Michoacán. De estos, 26 cortometrajes son dirigidos por mujeres de los cuales fueron seleccionados siete y una co-dirección.

A continuación la selección oficial:
1.    Alessa de Paola Adriana García Ruíz (Tabasco-Ciudad de México).
2.    Anacondas de Andrés Villa (Jalisco-Nayarit).
3.    La Bruja de Texcoco de Cecilia Villaverde y Alejandro Paredes (Ciudad de México).
4.    En color de James Lucas (Ciudad de México).
5.    Deep Web Cam de Itzael Franco (Aguascalientes).
6.    Dejarse crecer el cuerpo de Andrea Gudiño Sosa (Michoacán).
7.    Las Dos Claudias de Frida Paola Meza Coriche (Ciudad de México).
8.    Emilia de Diego Lomelín (Ciudad de México).
9.    Espuma de mar de Luis Mariano García (Ciudad de México).
10.    Fragmentos de Ofelia Reyes Botello (Ciudad de México).
11.    Fría culpa de Paula Aguilar (Estado de México).
12.    Iluminaria de Cinthya Zavala (Michoacán).
13.    Inmune de Martín Bautista (Ciudad de México).
14.    Instrucciones para soltar de Gustavo Gamero (Nuevo León).
15.    Una mujer enorme de Paulina Urreta Torres (Ciudad de México).
16.    Las Muñecas de la casa verde de Miguel Cruz (Puebla).

•   MIRADOR (Estrenos nacionales e internacionales de largometrajes de ficción y documental, fuera de competencia). 

Como parte de esta sección, Cuórum anunció el estreno en México de Los Días Particularesdel cineasta veracruzano Chucho E. Quintero, quien participó el año pasado en la competencia con su cortometraje Panquecito. Su tercera película será la encargada de clausurar la ceremonia de premiación de Cuórum este 26 de octubre. La función contará con la presencia del director y del elenco protagonizado por Gerardo del Razo, Sofía Sylwin y Carlos Hendrick Huber.

Mirador también contará con coproducciones mexicanas que serán estrenos en Michoacán: Love me notde Luis Miñarro estrenada en el pasado Festival Internacional de Cine de la Unam (FICUNAM), Siempre Síde Alberto Fuguet película seleccionada en la sección de Vanguardia y género del Buenos Aires Festivales Internacional de Cine Independiente (BAFICI); y el estreno nacional del documental Yo y Mr. Mauri, realizado por la Dr. Osa Hidalgo de la Riva que usa material de archivo de la vida de seis latinos de San Francisco que murieron de VIH durante la primera fase de la pandemia. La función en colaboración con el Colectivo Colmena, contará con la presencia de la directora y el Profesor Sergio de la Mora de la Universidad de California.

La película de apertura de Cuórum será la más reciente ganadora del Premio Teddy del Festival de Cine de Berlín, Breve historia del planeta verde, la cual estará acompañada por sus protagonistas Romina Escobar y Luis Sodá. Del Forum del Festival de Berlín, se contará con la presencia de la directora Jessie Jeffrey Dunn Rovinelli quien presentará la coproducción alemana-estadounidense So Pretty. Asimismo,  con la presencia de Anastasia Biefang y Samantha Sokolowski para presentar el documental alemán dirigido por Thomas Ladenburguer, Ich bin Anastasia(I am Anastasia), sobre la primera mujer trans en ser comandante en el ejército alemán. Además, la premiere latinoamericana de Adam, ópera prima de Rhys Ernest, quién estará presente en la función y es director de la serie Transparent, producida por Amazon Studios.  Cabe mencionar, que Cuórum agradece el apoyo por parte del Festival de Cine Sundance y el Instituto Sundance.

Por su parte, Marthe Djilo y Frieda Ekotto presentarán su más reciente trabajo audiovisual, Zurura Zururaun poema visual de dos mujeres que a la distancia logran reencontrarse a través de la palabra y la imagen. Ambas participarán en un conversatorio acerca de los cuerpos negros y presentarán el documental Vibrancy of silence: A discussion with my sisters.

En colaboración con Colectivo Árbol Rojo, encabezado por Alejandro Silveira, el festival presentará el estreno latinoamericano de Nevrland, una película austriaca de Gregor Schmidinger.

Pepe Ruibola,Coordinador y Programador de Premio Maguey del Festival Internacional de Cine Guadalajara (FICG), anunción que en colaboración con Cuórum, se presentará el más reciente largometraje que obtuvo dicho galardón referente en su última edición: One taxi ridede Mak Chun Kit. La película contará con la presencia del director Mak Chun.

Mirador también incluirá una selección de títulos de diversidad sexogenérica provenientes de países como Guatemala con José de Li Cheng, España con Carmen y Lolade Arantxa Echeverría, Francia-Israel con Sinónimosde Nadav Lapid, Italia-Suecia con Normal de Adele Tulli y de Brasil-Estados Unidos con Sócratesde Alexandre Moratto ganador del premio Someone to Watch de los Independent Spirit Awards del cine.

•   PALADAR (Cortometrajes internacionales de documental y ficción fuera de competencia).

Luego de presentar en dos ocasiones cortometrajes internacionales en nuestras pasadas ediciones de festivales como el Festival internacional de cine queer de Berlín, XPOSED, y el Festival de cine y artes escénicas Gaylesbitrans de Bilbao, ZINEGOAK, Cuórum Morelia presentará Paladar su sección dedicada al cortometraje internacional curada por Patricia Ríos que incluye títulos como Entropía de Flora Anna Buda acreedor del Premio Teddy 2019 a mejor cortometraje, Héctor de Victoria Giesen Carvajal, Self destructive boysde André Santos y Marco Leão , el cortometraje ganador de la Queer Palm 2018, El Huérfano de Carolina Markowicz, Parsi de Mariano Blatt y Teddy Williams, Anjo de Miguel Nunes, Blue Boy de Manuel Abramovich y en tributo a la recién fallecida directora emblemática de cine queer, Barbara Hammer, presentaremos Evidentiary Bodies, una de sus últimas colaboraciones en cine.

Cabe mencionar que habrá talleres en colaboración con el Instituto Mexicano de Cinematografía, los cuáles serán gratuitos y estarán abiertos a inscripción a partir del 19 de septiembre en www.cuorumfestival.com.

Proyectos Cuórum IMCINE: 
·      Proyecto I Realización cinematográfica por María José Staffolani.
23 y 24 de octubre – Biblioteca del Centro Cultural Clavijero.

·      Proyecto II Actuación para cine por Jaz Vilá.
25 y 26 de octubre – Biblioteca del Centro Cultural Clavijero.

·      Proyecto III Periodismo de cine por Doly Mallet.
23 y 24 de octubre – Sede por confirmar.

Asimismo, existirán diálogos de diversidad, conjunto de encuentros y conversatorios llevados a cabo en Centro Cultural Clavijero y sedes alternas:

o   Corporalidades negras por Frieda Ekotto en colaboración con la Fundación Cinépolis.
Conversatorio + Función especial de Vibrancy of Silence.

o   La representación femenina y queer en el cine de Disney por Doly Mallet en colaboración con la Secretaría de Igualdad Sustantiva y Desarrollo de la Mujer Michoacana (SEIMUJER) y moderado por Maca Carriedo.

o   El futuro de los festivales de cine con Francisca Lucero y Renato Galamba, moderado por Alejandro Silveira del colectivo de cine Árbol Rojo.

o   Despertares trans: Conversatorio moderado por Chucho E. Quintero en colaboración con el Colectivo COLMENA.

o   La danza de la amistad LGBT+: Conversatorio moderado por Enrique Torre Molina del Colectivo COLMENA.
Conversatorio + Función especial de Yo y Mr. Mauri.

Por su parte, la periodista Maca Carriedo y la actriz Esmeralda Pimentel, se unen como voceras y aliadas del festival para impulsar a los nuevos talentos y cineastas mexicanos que fomente la inclusión y el arte a través del cine independiente