“Hoy quiero volver solo”, arriesgada y romántica película brasileña

Hoy quiero volver solo es una agradable propuesta del cine brasileño. Ópera prima de Daniel Ribeiro, narra la vida de Leonardo, un adolescente ciego, que al conocer a Gabriel, un nuevo compañero de su escuela, nacerán en él sentimientos que desconocía. Una bella historia de amor.

Por Martín L. González*

Si pienso en cine brasileño me imaginó las favelas, la delincuencia e incluso la pobreza extrema, algo semejante a Ciudad De Dios (Fernando Meireles, 202), pero la filmografía de dicho país tiene grandes joyas completamente opuestas como es el cinta Hoy quiero volver solo.

Leonardo (Guilherme Lobo) es un joven estudiante invidente, que sufre de bullying por parte de sus compañeros de su escuela. Es constantemente exhibido ante los demás y suele ser el centro de burlas del salón. No obstante, puede soportarlo gracias al apoyo de Giovanna (Tess Amorim), una chica noble, que no tolera los ataques contra su mejor amigo.

Un día de clases cualquiera llega repentinamente Gabriel (Fabio Audi), un sonriente chico de cabello rizado, con la única intención de dedicarse a sus estudios, y por  cuestiones del destino le toca la “dicha” de sentarse atrás de Leonardo.

Sin saber de su condición especial, Gabriel comienza a relacionarse con Leo y cual perfecta historia de amor, tienen que realizar juntos un proyecto escolar, del que Giovanna se verá excluida. Esto provocará un triangulo amoroso que cambiará la vida de los tres.

Solemos descalificar a las Teen Movies por su falta de propuestas o por lo repetitivas que suelen ser, pero cuando vemos una idea arriesgada con bases solidas los resultados pueden ser sorprendentes.

El director Daniel Ribeiro se arriesga con una mezcla entre la discriminación y el amor, y consigue alejarse de los clichés comunes para lograr darle identidad a su trabajo.

El cine romántico se ha encargado de que idealicemos un amor tan puro y sincero al que se suele aspira, el tan conocido “amor de película”, y con la decadencia en los largometrajes de este género, Hoy quiero volver solo se vuelve un “faro” para todos aquellos que aún creen en el amor verdadero.

El mensaje de la película, que es tan humano, deja una marca en el corazón de los espectadores que nos vuelve soñadores.

El vínculo amoroso que se crea entre los protagonistas es tan natural y sincero que se convierte sin mayor esfuerzo en algo cautivador. Apoyándose de diálogos naturales y acordes a las situaciones no es para nada difícil involucrarnos con ellos y relacionarnos con las sucesos tan comunes que se presentan en pantalla.

Dicen que el amor es el sentimiento más puro que puede existir. Amemos sin pensar en el que dirán, por un momento pensemos en nosotros , olvidemos al mundo y tan sólo seamos felices.

Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


El (Nuevo) Rey León y la excelencia técnica de Disney

El rey león es la nueva producción del estudio Disney y del director Jon Favreau, quien dirigió por primera vez un remake con su reinterpretación de El libro de la selva (2016), película live action igualmente famosa por su cuidada labor de CGI (imagen generada por computadora).

 

Por Isaac Piña Galindo*

@IsaacPi15a 

En esta ocasión, Favreau y Disney apuestan por un realismo todavía mayor en cuanto animación se refiere, aproximándose a una suerte de hiperrealismo y al perfeccionismo técnico, dando de esta forma un salto de calidad importante entre la cinta El libro de la selvaEl rey león.

Pareciera que el remake de El rey león es en realidad una prueba de los avances en dicho rubro tecnológico, el de los efectos digitales y la animación por computadora, porque la nueva versión no propone una variación o una historia diferente de la original de 1994, sino que es casi una calca de ésta, en la que inclusive existen numerosas secuencias que son idénticas al filme en que se basa.

Sólo cabe aplaudir el admirable logro técnico, la calidad realista con la que los animales protagonistas son creados a partir del trabajo hecho por computadora, complementado además por la dirección fotográfica del veterano Caleb Deschanel, quien encuentra el equilibrio entre lo real y lo animado y juega de manera sumamente inteligente con luces y sombras para ayudar a construir uno de los trucos de magia más caros de Disney.

El doblaje recae en los hombros de un elenco de actores (y comediantes) de talla mundial como James Earl Jones, que repite su papel de Mufasa, o como Beyoncé dando vida a Nala. Cada interpérte cumple con una actuación aceptable donde destaca más lo hecho en el lado musical que en los diálogos, los cuales por momentos pueden sentirse planos o, como se dice coloquialmente, “muy leídos”.

Quizás la mejor performance la consuman Billy Eichner y Seth Rogen como Timón y Pumba, respectivamente, pues los comediantes capturan la esencia destrampada de los personajes animados creando los momentos más inspirados y auténticos de la película armados solamente con su enérgica bis cómica.

A fin de cuentas, la realización de Jon Favreau se concentra en orquestar un despliegue técnico apabullante y formidable. No obstante, al hacerlo abandona la colorida fantasía del filme original, deja atrás la teatralidad, lo cual torna difícil adentrarse en la historia.

Es una tarea compleja enganchar al espectador cuando el espectáculo depende del éxito tecnológico, éxito que paradójicamente nos hace conscientes de su logro al mismo tiempo que vemos el filme, provocando entonces que lo admiremos desde la distancia, fuera de la ficción, y sólo comentemos los aspectos que más nos gustan en vez de abandonarnos por completo al épico musical shakespeareano sobre la madurez de Simba como hijo del rey.

 

*Cineasta y Colaborador en CinEspacio24 Noticias


10 grandes actuaciones de Natalie Portman

Natalie Portman es una actriz que desde su primera película, a la edad de 13 años, se convirtió en una artista querida y admirada por el público. Carismática, fiel a sus principios, sus actuaciones no tienen desperdicio.

Por Redacción CinEspacio24 Noticias 

Nació el 9 de junio de 1981, en Jerusalén, Israel, pero desde muy joven se mudó a los Estados Unidos, tiene ambas nacionalidades. Es una actriz, productora y psicóloga.

Estudio psicología en la Universidad de Harvard en 2003, en ese tiempo declaraba que no le importaba que sus estudios universitarios arruinaran su carrera como actriz; y no lo hicieron, al contrario, mostró a una interprete inteligente, sensible y con mayor capacidad actoral.

Para ejemplo estas diez películas de una actriz que bien puede hacer cine independiente y blockbusters (por ejemplo, en unos años la vamos a ver como la nueva Thor en el Universo de Marvel)

 

1.- Léon (1994)

A los trece años Natalie Portman hizo su debut en el cine, y fue con una película que actualmente se considera de culto, Léon.

Comparte créditos con Jean Reno y Gary Oldman. En la cinta, dirigida por Luc Besson, Portman interpreta a una niña huérfana que se encariña con el asesino a sueldo que la salva.

 

 

2.- Closer (2004)

Por esta película Natalie recibe su primera nominación al Oscar como Mejor Actriz de Reparto.

El filme, dirigido por Mike Nichols, es un obra sobre el amor y las infidelidades; con unos diálogos cínicos e irónicos, la cinta nos lleva a un mundo donde el amor puede ser doloroso.

Natalie hace el papel de Alice, una chica misteriosa que se enamora de un escritor fracasado.

Comparte créditos con Jude Law, Clive Owen y Julia Roberts.

 

 

3.- V for Vendetta (2005)

Esta película basada en la novela gráfica de Alan Moore y David Lloyd, adaptada al cine por las hermanas Wachowski y dirigida por James McTeigue, es una cinta sobre un misterioso personaje que se hace llamar V, usa una máscara (que se ha convertido en un sello iconico para protestar) y que busca que la gente despierte y se manifieste contra un gobierno opresor.

Natalie realiza el papel de Evey una joven que comprenderá las intenciones de V y lo ayudará. Un filme que poco a poco se ha convertido en una obra de culto.

 

 

4.- La otra reina (2008)

Esta película de época cuenta la historia de Ana Bolena, la mujer que en la Inglaterra monárquica del siglo XVI convenció al Rey Enrique VIII de que se divorciara y se peleara con las iglesia católica.

El filme esta basado en la novela homónima de Philippa Gregory, y narra la vida de las hermanas Bolenas, Ana (Natalie Portman) y Mary (Scarlett Johansson).

Portman muestra a una Ana seductora, orgullosa y desesperada por darle un hijo varón al Rey.

 

5.- Entre hermanos (2009)

Esta cinta, remake de una película danesa, narra un cruel y desgarrador triángulo amoroso; una tragedia contemporánea.

Dirigida por Jim Sheridan, cuenta la historia del soldado Sam Cahill (Tobey Maguire), quien está casado con Grace Cahill (Natalie Portman) y tienen dos hijos. Cuando se va a luchar a Afganistan, el Gobierno le anuncia a su familia que ha muerto. Su hermano, Tommy Cahill (Kaje Gyllenhaal) cuida de su cuñada y sus sobrinos, pero tomará el lugar de padre y esposo; sin embargo, su hermano sólo desapareció.

Fuerte historia que aborda el estrés postraumático de los soldados;  con una Natalie Portman demostrando una capacidad actoral impresionante.

 

 

6.- El cisne negro (2010)

Por esta cinta Natalie ganó el Oscar a Mejor Actriz. Dirigida por Darren Aronofsky, Portman da vida a Nina una destacada bailarina que forma parte de la compañía de ballet de Nueva York.

Nina se obsesiona por obtener el papel principal, hasta llegar a puntos de delirios, donde no reconoce que es realidad y ficción.

Las expresiones, su corporalidad y su tono de voz hacen que lo mejor de la cinta sin duda sea Portman.

 

 

7- Jackie (2016)

Realizada por el reconocido director chileno Pablo Larraín, la cinta es una biopic de Jackie Kennedy, después del asesinato de su esposo, el presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, en 1963.

La cinta se enfoca sólo en los días que le siguieron al asesinato y lo que pasó con Jackie.

De nuevo su voz, su corporalidad y sus movimientos destacan. Por este excelente trabajo recibió una nominación más al Oscar como Mejor Actriz.

Aquí pueden leer nuestra reseña de la película: “Jackie”, la fascinante actuación de Portman

 

 

8.- Song to song (2017)

Esta película de Terrence Malick no será su mejor obra; pero destacan el reparto y sus agradables actuaciones, Ryan Gosling, Rooney Mara, Michael Fassbender y, sobre todo, Natalie Portman.

Ambientada en la escena musical de Austin, Texas, narra dos triángulos amorosos y sus problemas y obsesiones de cada uno de los involucrados.

 

 

9.- Aniquilación (2018)

Una preciosa y brillante obra de ciencia ficción dirigida por Alex Garland y basada en la novela homónima de Jeff VanderMeer.

La cinta nos cuenta la expedición de unas científicas y militares a un desconocido lugar en donde las leyes de la física no existen.

Misteriosa, con un buen ritmo y escenas deslumbrantes, Portman da vida a al bióloga Lena, quien descubrirá de dónde salió ese inhóspito mundo.

 

 

10.- Vox Lux (2018)

 

Vox Lux trata sobre una estrella del pop que llegó a la fama después de sufrir una tragedia escolar. Protagonizada de manera brillante por Natalie Portman.

Dirigida por Brady Corbet, es una cinta que muestra el cinismo y la decadencia de una cantante de pop; en el contexto de una sociedad violenta, hipócrita, y donde la fama parece ser la mayor virtud.

Aquí pueden leer nuestra reseña de la cinta: “Vox Lux”, de la tragedia a la fama

 

¿Qué otra película agregarías?


“¿Conoces a Tomás?”, una producción mexicana arriesgada

Dirigida por María Torres, ¿Conoces a Tomás?, es una propuesta diferente del cine comercial mexicano. Nos narra la historia de un joven que vive con autismo, que pasa un día fuera de lo normal  y divertido a lado de su cuñado.

Por Martín L. González*

El cine nacional y comercial es una “montaña rusa” de emociones. Puede entregarnos joyas cinematográficas, y al mismo tiempo ofrecernos cintas sosas, repetitivas e insufribles. “Mamá dice que la vida es como una caja de chocolates. Nunca sabrás que te tocará”, nos relató alguna vez el personaje Forrest Gump, y es que escoger ver una película mexicana puede dejarnos con el maravilloso sabor dulce  o nos amargará el paladar con un indeseable sabor que preferiríamos no repetir.

Leonardo (Leonardo Ortizgris), es un joven adulto apasionado por la música. Escribe, compone e interpreta, pero no lograr encontrar el “trampolín” que lo lance lejos de las presentaciones de eventos donde lo chicos sólo quieren un agradable playlist de fondo. Su novia, Fernanda (Marcela Guirado), es una adorable cirujana que comienza a hacerse de un cierto renombre en su campo laboral.

A pesar de contar con un futuro prometedor en su trabajo y tener una relación estable llena de amor, la verdadera prioridad de Fernanda es su hermano menor, Tomás (Hozé Melendéz), un inocente chico que tiene autismo. Lo visita constantemente y lo trata con mucho cariño. Un día decide llevarlo con ella para pasar unos días juntos. Por su parte, Leo acompaña su novia.


Una vez juntos los tres, Fernanda recibe una llamada urgente, ya que fue seleccionada para realizar su primera cirugía. Confundida por no saber qué hacer con Tomás, Leonardo se ofrece a cuidarlo.

Es agradable ver una “superproducción” mexicana que no sea una comedia romántica de esas que nos encontramos hasta en la sopa. ¿Conoces a Tomás?, presenta una historia aunque no innovadora, si diferente para la industria nacional, o al menos en relación a su producción.

Prometedora en teoría, devastadora en práctica. A pesar de las buenas intenciones del filme no logra levantar el vuelo en ningún momento. Cuenta con una historia poco redonda que se ve opacada por lo acartonada que se siente.

Los personajes son tan “perfectos” que sabes que en ningún momento las cosas le saldrán realmente mal, por lo cual se vuelve predecible. No contamos con ningún factor que ponga en jaque a los personajes y cuando parecen toparse con una pared, les tienden una manta para cobijarlos y llevarlos por un mejor camino.

Y a pesar de todo esto hay algo que se le debe aplaudir a la película, y es que decidió correr riesgos. Ante una industria cinematográfica que prefiere ir a lo seguro es importante que existan proyectos como esta cinta. Roma no se hizo en un día, y con historias que buscan ser ambiciosas, como ¿Conoces a Tomás?, hay esperanzas de que en un futuro no muy lejano las películas comerciales mexicanas no sean más un chocolate amargo.

Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


5 íntimos documentales de mujeres que revolucionaron la música

Los documentales que narran la vida y obra de un artista en ocasiones caen en sensacionalismo y dramatizaciones banales que sólo dañan y manipulan la figura de la persona de la que hablan; no obstante, hay filmes que llegan a profundizar en la intimidad de sus personajes sin la necesidad de exagerar el drama y respetándolos.

Por Redacción CinEspacio24

Estos cinco documentales abordan la vida de cinco cantantes que sobresalieron en su género y lo hacen respetando la figura de cada una de ellas, mostrando su forma de pensar y su sensibilidad para que como espectadores disfrutemos más de su música.

 

1.- Janis: Little Girl Blue (2015)

Película dirigida por Amy Berg y narrada por la cantante Cat Power. La cinta aborda la vida de Janis Joplin desde su infancia hasta su penoso desenlace, por medio de su correspondencia personal y de entrevistas a las personas más cercanas a ella, como los miembros de su primera banda y sus dos hermanos.

Así nos narran la vida una cantante adelantada a su época. Su rasposa y melódica voz era ideal para el rock, blues, jazz, country y soul. Fue un icono de la contracultura en los años 60. En este tiempo y con una corta carrera se convirtió en un ídolo de la juventud.

 

 

2.- Amy (2015)

Este filme, dirigido por Asif Kapadia, tuvo su estreno en el Festival de Cannes y ganó el Oscar a mejor Documental en 2016.

La cinta aborda, sin censurarse, la vida y obra de Amy Winehouse, quien murió a los 27 años de edad por sus graves problemas de alcohol y drogadicción. El filme es un poético paso por la vida de una gran cantante de jazz, R&B y soul.

 

 

3.- Chavela (2017)

 

Chavela es un documental biográfico de una artista que nació en Costa Rica, afirmaba ser mexicana y fue exitosa en España. Adelantada a su época tuvo que esconder por algún tiempo su lesbianismo, ya que sufrió de un México misógino y homofóbico.

Dirigido por Catherine Gund y Daresha Kyi, un filme que nos muestra la intimidad de Chavela, desde su nacimiento en Costa Rica, donde era rechazada por sus padres y  su sociedad, hasta su éxito y muerte en México.

 

 

4.- Rita (2017)

 

El documental Rita, ópera prima de Arturo Díaz Santana, aborda cómo nació el talento y la figura casi mítica de Rita Guerrero, vocalista del grupo de rock Santa Sabina. Por medio de entrevistas a sus colegas, familiares y amigos más cercanos, el filme es un repaso de una cantante que inició en la actuación, se enfocó en la música y fue una activista, que ayudó al Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) y a los movimientos izquierdistas del país.

De esa forma el documental no sólo nos muestra a la artista, sino sus pasiones culturales y políticas y como estaba segura que el cambió de una sociedad era por medio del arte.

 

 

5.- Maria by Callas (2017)

Un íntimo documental que nos narra la vida de la famosa cantante de ópera, y lo hace usando la propia voz de Callas, por medio de entrevistas y su correspondencia. Una cinta conmovedora.

Dirigido por Tom Wolf es un paseo por la vida de la gran soprano, que de forma cronológica nos lleva a lo que sentía Callas sobre el amor, nos habla de su rigurosa madre (quien le robó su infancia), de su cariño hacía su maestra de canto, y de que interpretar a un personaje es una responsabilidad tan grande que a veces la agobiaba.


“Kusama infinito”, la artista japonesa que logró la grandeza

Kusma infinito es un documental y un homenaje a la artista japonesa Yayoi Kusama, quien actualmente  es reconocida por su gran trabajo en el arte; sin embargo muchos años sus obras no fueron aceptadas por una sociedad artística misogina y racista. 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Yayoi Kusama es una de las artistas más exitosas de la actualidad. Sus cuadros se venden en millones de dólares, hay largas filas para entrar a sus exposiciones, los museos de arte más importantes tienen alguna de sus obras y es referente y fuente de inspiración para muchos artistas actuales.

Nació el 22 de marzo de 1929, en la ciudad de Matsumoto, Japón, una localidad como en casi todo el país de dicha época conservadora, donde la mujer tenía la única responsabilidad de casarse y cuidar de la casa. No obstante, Kusama tenía otros planes: la grandeza y un espíritu creador sin comparación.  

Llegar a ese merecido  éxito no fue simple, Kusama tuvo que soportar el rechazo de su familia por dedicarse al arte. En su país no comprendían lo que hacía.

Se mudó en los años 70 a New York, y encuentra ahí un lugar donde puede expresar con mayor libertad sus “mágicos e infinitos mundos”; sin embargo, la comunidad artística estadounidense reconoce su talento, pero al mismo tiempo la sobaja, la hacen menos, se roban sus ideas, le demeritan. La misoginia y el racismo se hacen presentes y no le dan el lugar que le corresponde. Literalmente algunos artistas le plagiaron sus ideas.

Intenta tener suerte en Europa y hay indicios de una mayor aceptación pero de nuevo ese mundo dominado por los hombres se antepone.

Ante ello, Kusama sufre, tiene crisis nerviosas, intenta varias veces suicidarse y decide regresar a Japón, donde continuará con su prolífica carrera de pintora, escultura y perfomance. Su arte es un anuncio de la futilidad de la vida, el rechazo a la guerra, el apoyo a la comunidad homosexual, el cuerpo humano como algo hermoso; pero para la prensa de ese entonces sólo era una mujer rebelde, una artista que sólo quiere publicidad.

A pesar de que consagrados artistas aplaudían su obra, en los años 70 y 80 no fue bien recibida en ese mundo artístico dominado por curadores, coleccionistas, directores de galerías, en su mayoría hombres.

La historia del arte también es misógina y racista, y para ejemplo lo que tuvo que soportar Kusama para mostrar al mundo su sensibilidad, su inconfundible talento, sus ideas originales y así enseñar su infinita calidad como artista.

Esa vida es bien narrada en el documental Kusama infinito, del director Heather Lenz, un bello homenaje a la artista japonesa. Por medio de entrevistas a académicos y artistas la cinta va desmenuzando poco a poco la vida y obra de Kusama; y sobre todo hace hincapié en lo doloroso que fue para ella encontrar al arte secuestrado por la élite machista.

Fue en los años 90 cuando Kusama comienza a ser aceptada y reconocida; se realizan retrospectivas de ella, y el documental demuestra que fue una joven subversiva, valiente, atrevida, y sobre todo buscaba que su arte transmitiera un sentimiento de paz en los espectadores.

Pero lo más destacado del documental es escuchar a la propia Kusama contar su historia: su amor por dibujar desde la niñez, sus formas de encontrar inspiración, su rebeldía ante lo correctamente político, su lucha contra el conservadurismo, su pasión por crear mundos oníricos y poéticos; asimismo, sus constantes depresiones y crisis ante la época que le tocó vivir, porque hay algo que deja muy claro la cinta, Yayoi Kusama estaba adelantada a su época.

Actualmente sigue creando, su éxito es ya una realidad, abrió las “puertas” para muchas mujeres artistas y sigue siendo  transgresora y fiel a su inconfundible y hermosa estética. 


*Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


“El cuento de las comadrejas”, buen humor negro sobre el cine

El cuento de las comadrejas es una comedia de humor negro, dirigida por Juan José Campanella, que narra la vida de cuatro adultos mayores que en su juventud se dedicaron al cine y que viven en la misma casa, pero unos jóvenes van a interrumpir su aparente tranquilidad.  

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

¿Qué pasa si se juntan cuatro adultos mayores que en su juventud fueron artistas, una arrogante y dramática actriz de la época dorada del cine argentino, un actor mediocre y melancólico encasillado en papeles secundarios que nadie recuerda, un cínico y burlón guionista y un controlador director de cine?

La pregunta parece el inicio de un chiste, uno que se va a burlar de la vejez de sus protagonistas, que va a resaltar de manera irónica las características de la profesión de cada uno, una broma con tintes crueles pero honestos, un divertido humor negro.

Así es la cinta El cuento de las comadrejas, dirigida por el reconocido director argentino Juan José Campanella. Una entretenida comedia que se burla del cine, de sus actores, guionistas, directores y de la misma película; de sus diálogos cínicos, directos y extravagantes nadie se salva.  

Marda Ordaz (Graciela Borges) es una actriz que destacó en su juventud, era conocida no sólo en su país sino en todo el mundo, ya que recibía premios internacionales. Como buena actriz dramatiza cada momento  y constantemente se agobia por los recuerdos de su pasado, y anhela ese tiempo donde los fotógrafos la seguían a todas partes.

Vive en una mansión en medio del bosque, junto a su esposo Pedro de Córdova (Luis Brandoni), un actor en silla de ruedas, que siempre estuvo bajo la grandeza de su pareja y que sólo conseguía papeles secundarios, su mayor interpretación fue darle vida a un eunuco.

Pero el chiste y la moraleja no existiría sin la participación de otros dos personajes que viven en la misma casa; Norberto Imbert (Oscar Martínez) un director de cine que realizó las películas más exitosas de Marda, controlador y que según sus palabras no sabe hacer nada, sólo decirle a la gente que hacer; y Martín Saravia (Marcos Mundstock) un guionista que escribió los diálogos más destacados en la cintas de Marda, un tipo que siempre encuentra las palabras exactas para satirizar lo que pasa.

Estos cuatro personajes, que comparten su vejez, han creado un mundo hermético en la mansión, donde sólo ellos se entienden y las burlas constantes al otro es su forma de coexistir. Marda les dice fracasados, ellos se jactan de su extravagancia, en sus diálogos hay un juego de secretos, sueños perdidos y complicidad.

Su aparentemente cómoda y singular forma de vida cambia cuando dos jóvenes agentes inmobiliarios llegan a la mansión y le proponen a Marda vender la casa, con la promesa de que así  regresará a su vida de antaño. Esto desatará conflictos lúdicos y revelará secretos un poco tétricos.

Con la cinta El Cuento de las comadrejas, Juan José Campanella realiza una sátira al cine y a sus estereotipos así como a los clichés del séptimo arte; por medio de una divertida comedia, el director nos confronta a que la realidad es más divertida que la ficción.

El filme tiene  agradables actuaciones, un ritmo digno de una buena comedia de situación, quizá un poco larga (hay escenas innecesarias), es irónica y  aborda el tema de la vejez contra la modernidad , El Cuento de las comadrejas es un agradable chiste acerca de qué es el cine.


*Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.

 


“El Libro de imágenes”, el retador homenaje al cine de Godard

Una ficción, un documental, así es la cinta El libro de  imágenes , del gran director Jean-Luc Godard, un filme nada común que critica y realiza un homenaje al cine.

Por Martín L. González*

Amar y hacer cine. Pocos tienen la posibilidad de ser un respetado crítico de cine, y además hacer cine de calidad, Jean-Luc Godard es uno de esos privilegiados. Un hombre que se encargó de dejar huella en la historia del séptimo arte e incluso revolucionarlo.

Apoyado de sus diálogos improvisados, cámara en mano y los personajes que miran fijamente a la cámara rompiendo la cuarta pared, se convirtió en un sujeto de estudio para todo aquel que quiera dedicarse a la industria cinematográfica.

El libro de imágenes (Jean-Luc Godard, 2018) es una historia que se divide en cinco capítulos, la misma cantidad que los dedos de la mano. Un collage conformado de fragmentos de noticieros, escenas de películas, sonidos y citas literarias. Es La visión del Godard sobre lo que pasa en la actualidad vista a través del cine.

Cuando hablamos de corrientes cinematográficas, siempre es necesario abordar a la nueva ola francesa (Nouvelle Vague), uno de los movimientos más innovadores e importantes en la historia del cine. Liderado por un  grupo de críticos que escribían principalmente para las revistas francesas Cahiers du Cinéma y Gazette du Cinéma. De entre todos ellos resaltaba un pequeño prodigio de nombre Godard, cautivado por el cine clásico y rechazando al dominante Hollywood de esa época.

Siendo alguien tan icónico dentro de la industria, definitivamente está empapado de cultura, por ello es que El libro de  imágenes parece ser una carta de amor hacia aquello que lo hizo grande. Muestra fragmentos de largometrajes históricos de movimientos como el expresionismo alemán y el bloque socialista.

Fiel a su legado, no pierde la oportunidad de protestar por medio de este filme experimental, saltando constantemente entre los dos bloques básicos del género cinematográfico: películas documentales y de ficción.

El cine fácilmente puede ser un arma ideológica, pero también es un goce de entretenimiento accesible para las masas, y Godard entiendo esto muy bien. Así como en su época Tarkovsky se opuso a la constante censura de la ex Unión Soviética, Godard hace lo propio ante la constante censura y corrección política que sufre la industria actualmente.

Sin escatimar en nada, Godard decidió que partes fueran subtituladas y cuales no, para dar un mensaje más contundente y dar un golpe de autoridad sobre la mesa y demostrar que no importa cuánto tiempo pase, el seguirá siendo fiel a sus ideales.

El libro de imágenes es una película difícil de digerir pero con un fuerte mensaje. Un producto audiovisual que invita a la reflexión y al análisis, y que es la forma del cineasta de realizar un homenaje a ese arte que hace feliz a más de uno: El Cine.

 

Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


Destinados a ser “Bond”

Por Daniel Flores Chávez*

Seis actores han dado vida al agente secreto “James Bond” en la pantalla grande, todos aportaron su grano de arena al personaje para convertirlo en el icono de la cultura pop que es hoy en día. Así, Sean Connery fue el primero en colocarse la piel de “007”, con un éxito abrumador, ofreciendo una visión ruda, machista y hasta misógina del espía, acostumbrado a cogerse a cuanta chica se le apareciera en frente.

Luego de Connery, el australiano, George Lazenby, tomó el relevo por un filme, pero dotó a su “Bond” de una proximidad al héroe creado por Ian Fleming en sus novelas, proclive a los yerros en su peligroso trabajo, a enamorarse y hasta llegar al altar. Si bien tuvo cierta aceptación, Lazenby se saboteó, luego de mirar al futuro y entender que la fama y la fortuna no eran para él.

Con el tiempo arribó Roger Moore, quien comprendió la necesidad de los productores por, incluso, parodiar la saga, sin caer en la comedia, dando como resultado un “Bond” elegante, de mucho estilo, perfecto para el humor ácido y para rematar las escenas con una sonrisa encantadora. Pero cuando el “007” de Moore debía ser despiadado era más brutal que el de Connery.

Tras la partida de Moore, Timothy Dalton tomó el papel, haciéndolo parecido al de Lazenby, mostrando cierta debilidad, tanto física como psicológica, aunque decidido a detener al villano en turno, ya fuera por vengar a un amigo o, igualmente, enamorarse de una bella chelista, tornándose en un corderito de barba partida.

Dalton duró sólo dos entregas. Pierce Brosnan siguió el legado, salvando de la quiebra a MGM con Goldeneye, filme que iniciaba una depuración de actitudes misóginas para la franquicia, empezando con la aparición de Judi Dench como “M”, la jefa del espía británico, que representaba justo un freno a tanta depravación. Aún así, este “Bond” se dio sus lujitos, haciendo recordar al público el salvajismo de Connery, aunque más acartonado.

Terminada la era Brosnan, Daniel Craig tomó la estafeta, convirtiéndose en un éxito de taquilla absoluto. Su “Bond”, al menos en Casino Royale, lucía crudo e impulsivo, más músculo que cerebro, pero eso cambió para las siguientes entregas, ya que, incluso, en Quantum, este “007” no tiene una “chica Bond” como tal y con trabajo se da un beso con su co-protagonista. En Skyfall su aire de donjuan es también rebajado, mientras que en Spectre hasta se enamora y para su próxima aventura amenaza con volverse a arrejuntar.

Lo interesante de varios de estos histriones es que estaban destinados a ser “007”. Por ejemplo, Roger Moore estaba entre los candidatos para ser el primer “James” de la historia (honor que de hecho recae en el actor norteamericano, Barry Nelson, quien en 1954 se convirtió en el primer “Bond” en un episodio, “Casino Royale”, de la serie “Clímax!”), pero perdió la batalla ante Connery, quien convenció a los productores, Albert R. Broccoli y Harry Saltzman (éste último, ansioso por conseguir a Cary Grant para el rol).

Sin embargo, Moore, durante la etapa de Connery, participó en un programa cómico, dando vida al agente en un sketch, tiempo antes de ser elegido para encarnar al paladín.

Con la renuncia Connery, luego de Sólo se vive dos veces, Broccoli le echó al ojo a un joven veinteañaero, Timothy Dalton, actor de teatro shakesperiano, pero debido a su corta edad, se decantó por Lazenby y luego por Roger Moore. En estos recambios, el norteamericano, John Gavin, se quedó con las ganas, a pesar de haber pasado el casting. No nos pongamos tristes por él, ya que fue embajador de su país en México.

A inicios de los ochenta, durante una fiesta de la producción de Sólo para tus ojos, la actriz, Cassandra Harris, que participaba en dicho filme, presentó a su esposo, Pierce Brosnan, a Broccoli, quien de inmediato lo consideró el histrión perfecto para suceder a Moore.

Entre la indecisión de Roger por continuar con el rol, los productores escogieron a otro gringo, James Brolin (el papá de “Thanos”, Josh Brolin), para reemplazar a Moore en “Octopussy”, incluso, hizo pruebas de cámara, que se pueden ver en los extras del Blu-Ray de esta película, lamentablemente para él, Roger Moore decidió proseguir como “007”.

A finales de los ochenta todo estaba dicho para que Brosnan fuera el nuevo “James Bond”, pero tantos rumores favorables terminaron por convencer a los creadores de la serie en que participaba, “Remington Steele”, para renovar una segunda temporada siendo que ya estaba decidido que la emisión quedaba fuera del aire. Al estar bajo contrato, Pierce no tuvo de otra que despedirse de su sueño momentáneo.

Así que otro viejo “perdedor” del casting, Timothy Dalton, obtuvo el papel.

Más de diez años después, con la partida de Brosnan, un sinfín de actores realizó pruebas para continuar el legado. Desde Hugh Jackman hasta Hugh Grant, pero de todos, despuntó otro joven veinteañero, Henry Cavill, aunque, igual que a Dalton, su edad le impidió ser tomado en cuenta, perdiendo contra Daniel Craig.

Luego de “Spectre”, Craig renunció momentáneamente al personaje y una nueva cacería inició, dando como favoritos a Tom Hiddleston y Jamie Bell para interpretar dos versiones de “Bond”, una, la oficial, que sería realizada por Hiddleston, y otra, un “spin-off” sobre el joven “Bond” con Bell, sin embargo, el proyecto se echó por tierra luego de que Daniel aceptará volver una vez más.

¿Será que el destino tendrá listo a Cavill para ser el próximo “Bond”, como le sucedió a Moore, Dalton y Brosnan?

 

 


“Ted Bundy: durmiendo con el asesino”, el debate sobre los asesinos seriales

El filme Ted Bundy: durmiendo con el asesino (Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile), del director Joe Berlinger, se enfoca en la relación del asesino serial  Ted Bundy con su novia Liz, con quien vivió varios años, mientras realizaba sus espantosos asesinatos. La película se basa en las memorias de Liz Kendall. 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Contar la historia de un asesino en serie es un “camino” sin repuestas claras, ya que indagar en la mente del personaje e intentar dar una explicación de sus actos es un ejercicio complejo; no obstante, la cinta puede mostrar patrones y características de este tipo de individuos.

En ese sentido, el cine puede hacer una acercamiento al personaje, contar sus fechorías, su vida, su contexto, es decir, el cine a veces no tiene que dar explicaciones sino sólo mostrar lo que pasó y dejar la reflexión y el debate al espectador.

Por tal motivo, realizar una biopic de un asesino serial es un trabajo que merece seriedad, investigación y rigor, de lo contrario puede caer en una  trama vulgar que lo único que busca es el morbo y el sensacionalismo o peor aún romantizar al criminal.

En la cinta Ted Bundy: durmiendo con el asesino (Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile), el director Joe Berlinger no desea retratar las motivaciones que llevaron a Ted Bundy a matar a más de 30 mujeres en los años 70 en los Estados Unidos, sino mostrar una parte de su historia y así invitar al debate sobre los asesinos en serie.

La película se basa en el libro The Phantom Prince: My Life with Ted Bundy, escrito por Elizabeth Kendall, quien fue novia y vivió con Ted Bundy mientras este realizaba sus atroces y despreciables asesinatos.

Así, el director se enfoca en la relación de Ted Bundy (Zac Efron) con Liz Kendall (Lily Collins). La cinta no nos muestra ningún acto violento (y no es necesario), por medio de flashback y elipsis, nos cuenta la historia de Bundy desde la perspectiva y sufrimiento de Kendall.

Vemos como Liz sufrió cuando lo arrestaron por primera vez, su tormento cuando lo declararon culpable de asesinato y su remordimiento por haberse enamorado de un psicópata. En ese sentido, la cinta peca al mostrarnos pequeñas partes de una cinta de amor y obsesión, y de esa forma no retratar al tétrico Bundy.  

Ya que además del dolor de Liz, la cinta se enfoca en el angustia de Ted por estar separado de ella; como si al director se le olvidará  mostrar  a un hombre con un problema de doble personalidad, a un monstruo sin escrúpulos y hay un personaje peligroso y salvaje.

Esto sorprende, ya que si alguien conoce la historia de Bundy es el director Joe Berlinger, quien a principios de 2019 presentó en la plataforma de Netflix la serie documental Conversaciones with a Killer: The Ted Bundy Tapes.

En dicho documental, que se basa en la conversaciones que tuvo Bundy con los periodistas Stephen Mcihaud y Hug Aynesworth, el director sí  mostraba a la figura escalofriante de Bundy, su engañosa simpatía, su misteriosa y diabólica sonrisa, sus acciones incongruentes; en el documental nos presentó los patrones y acciones de un asesino serial; en su película de ficción nos refleja más a un hombre arrepentido por el daño que le hizo a su novia y deja afuera a esa figura   perturbadora de Bundy.

Y eso se nota en la actuación de Zac Efron, que si bien fue un buen casting – Ted era conocido por ser una persona atractiva – el actor no logró capturar esa doble personalidad y esa sonrisa irónica del personaje, se quedó en un sólo plano y más que mostrar al monstruo refleja a un ser obsesionado con su novia.

No es nada fácil hacer una ficción de un asesino serial, y la muestra está en el trabajo de Berlinger, que en su documental del mismo caso sobresalió e hizo un filme excepcional donde mostraba sin morbo la figura de Bundy; pero su ficción, un intento arriesgado, no logra reflejar la dualidad y la malicia de Ted.  

*Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.