“GLOW”, superación y lucha libre femenil

Basada en un programa extravagante de los años 80, Netflix sacó la serie GLOW,  que narra la travesía de unas mujeres que inician un show de lucha libre. Protagonizada por Alison Brie y Betty Gilpin y coproducida por Jenji Koham, creadora de Orange is the New Black.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Sin duda en los años 80 la televisión era muy diferente, sólo basta buscar en Youtube videos de la serie GLOW (Gorgeous Ladies of Wrestling), para ver un espectáculo  absurdo y ridículo comparado con algunos programas de la actualidad (o quizá no), pero que en su tiempo fue un éxito, ya que era un programa de mujeres (sumamente estereotipadas) practicando lucha libre. Se les veía con mallas y poca ropa hacer llaves, dar golpes y patadas y realizar acrobacias y actuaciones arriba de un ring. Vean el siguiente video de la serie.

 

Basada en cómo se creó dicho programa, Netflix presenta GLOW, otra serie con todo el estilo de Orange is the New Black, es decir, con mujeres protagonistas, personajes independientes, chicas sin tapujos, conversaciones sin censura; otra comedia negra en donde la mujer es la parte fundamental; y ahora el tema principal es la lucha libre, un deporte que incluso en la actualidad todavía es dominado por los hombres.

De esa forma GLOW muestra la forma de cómo se juntaron un grupo de chicas – la mayoría desempleadas – para realizar un programa sobre lucha libre femenil.

Ambientaba en los años 80, la serie gira en torno a Ruth Wilder, protagonizada por Alison Brie, quien sorprende con este papel, ya que nos tenía acostumbrados a personajes inocentes y conmovedores, para ejemplo sus papeles en las series Mad Men y Community.

Ruth es una actriz desempleada que está harta de que siempre le den los mismos papeles de secretaría o asistente. En el primer capítulo realizan una parodia al respecto: ella está en una audición y lee un diálogo fuerte e inspirador, la directora de casting la detiene porque está diciendo la parte de un personaje masculino. GLOW es una crítica de los trabajos “destinados” sólo para los hombres.

Después de su fallido intento, se presenta a una audición donde buscan a mujeres no convencionales. Al casting llegan asiáticas, afroamericanas, árabes, güeras, con sobrepeso, etcétera;  y lo único que tienen que hacer es aceptar pelear en un ring y  que el director del show,  Sam Silva (Marc Maron), un realizador fracasado y adicto a la cocaína, las admita.

Al principio Ruth no pasa la sencilla prueba, pero en su afán de conseguir el trabajo, regresa al cuadrilátero e inesperadamente se pelea de verdad con su mejor amiga, Debbie Eagan (Betty Gilpin), una ex actriz de telenovela. Su conflicto se debe a que Ruth traicionó a su amiga.

Sam ve en ellas el espectáculo que necesita, al fin y al cabo además de que aprendan sobre lucha libre, busca drama y espectáculo telenovelesco. A pesar de que no se hablan Ruth y Debbie son contratadas, junto a otras diez chicas.

GLOW no victimiza  a la mujer en su papel de luchadora. Al contrario, ellas practican todos los días por ser más fuertes, más arriesgadas, con más confianza; ahí está la metáfora del programa.

Lleva dos temporadas y próximamente se va a estrenar la tercera.Si bien no tiene la fuerza en comedia y personajes como Orange is the New Black, es una buena serie dramática y cómica, sobre un trabajo que, por supuesto, también es para mujeres.

 

 

 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


“Annabelle comes home”, busca un tono diferente de la saga

Annabelle comes home es el cierre de la trilogía derivada de la saga de The conjuring, específicamente de la primera película. Las dos primeras partes de Annabelle relatan las fechorías de la muñeca maldita, la primera entrega ambientada 1967 y la segunda en 1955, una precuela donde descubrimos el trágico origen de Annabelle como demonio.

Por Isaac Piña Galindo*

@IsaacPi15a 

Esta tercera parte sugería un muy esperado encuentro entre la familia Warren, héroes de The conjuring, y la diabólica Annabelle; sin embargo, la trama toma una dirección un tanto distinta, no sólo en cuanto a la historia que cuenta sino también en el tono con que es narrada.

La diferencia inicial de Annabelle comes home es elegir como protagonista a Judy, la hija del matrimonio Warren, en quien el director y escritor Dauberman se enfoca para revelar, poco a poco, que la niña heredó el talento de sus padres así como el consecuente rechazo y morbo de la sociedad.

Además de sufrir el bullying de sus compañeros de escuela, en Judy se desarrolla un ostracismo natural causado en gran medida por tener unos padres demonólogos, pero también pesa en la niña el poseer poderes psíquicos similares a los de su madre, poderes que le permiten “sentir” presencias fantasmales o ver, literalmente, gente muerta.

Es así que la muñeca Annabelle queda relegada a un papel secundario: más como el símbolo ominoso del mal absoluto que los Warren encierran bajo llave en el sótano de su casa. No es papel pequeño, pero tampoco significa que tenga el protagónico como tal.

Lo que propone el director debutante, Dauberman, es una especie de homenaje a entrañables programas de terror juvenil como Goosebumps (1995-1998) o Tales from the crypt (1989-1996), porque aunque la historia es lineal (no antológica) y recae sobre los hombros de la niña Warren, la película se desarrolla en retazos de secuencias que funcionan como “mini episodios”, lo cual convierte la película en una variante de “capítulo especial“ de hora y media.



Annabelle comes home
no se despega de lo hecho por The conjuring o por su propia saga, pero el realizador intenta “jugar” con sus piezas de otra forma, con un tono un poco más ligero y hasta me atrevo a decir que más accesible.

Lo más destacado del filme es dicho atrevimiento, un intento bien ejecutado por darle una vuelta a las historias de fantasmas y demonios, así como a sus respectivos clichés.

Numerosas secuencias entremezclan con habilidad el suspenso y el terror para dar un “extra”, más allá del jumpscare un tanto tramposo o depender nada más de la tensión creada por la partitura de Joseph Bishara; el desfile de varios personajes y situaciones permite ese tipo de relato cuasi episódico y le da fuerza a la película, además del gran trabajo de Mckenna Grace como la hija Warren, una interpretación que logra equilibrar, con gran sensibilidad y delicadeza, el rol de niña aún inocente con el de una semiprofesional cazadora de demonios.

Sin embargo, la realidad es que la apuesta de Dauberman no es sencilla, pues el tipo de historia y sus protagonistas (una niña y tres adolescentes) probablemente divida el gusto de la audiencia, acostumbrada a guiones y antagonistas más violentos desde una perspectiva adulta, como en la pasada The Nun (2018), película mucho más apegada a una fórmula narrativa que, sin embargo, cabe destacar que ya acusaba agotamiento.

Al fin y al cabo, Annabelle comes home es probable que sea vista como una rareza, una película que entra a ese limbo del “tómalo o déjalo” similar a lo sucedido con la tercera parte de Halloween, The Season of the Witch de 1982, un filme que fue más lejos y exploró personajes totalmente distintos al legendario Michael Myers, aparte de explorar otro género, la ciencia ficción.

Annabelle comes home no interrumpe el ambiente y el estilo del “Universo del Conjuro”; tan no es así que la puesta en cámara y la paleta de colores remiten a Annabelle y a El Conjuro 2. No obstante, Dauberman se esfuerza por darle a Annabelle comes home su toque personal, lo que a la postre funciona para el universo puesto que el abanico de personajes se abre más al insinuar la posible aparición de monstruos o seres mitológicos, amén de los conocidos demonios y fantasmas que ya tanto “disfrutamos”.

 


*Cineasta y Colaborador en CinEspacio24 Noticias


“Chicuarotes”, un problema que no queremos ver

 

Por Martín L. González*

La directora de cine Claire Denis dijo alguna vez: “No puedo hacer un cine que no tenga rostros de la sociedad en la que vivo. La realidad y los conflictos atraviesan nuestras vidas”. En ese sentido, existen películas que logran que dichas palabras cobren vida. Largometrajes que nos muestran lo cruda y despiadada que llega a ser nuestra realidad, y sin lugar a dudas, el filme Chicuarotes es una de ellas.

Cagalera y Moloteco son dos adolescentes que viven en San Gregorio Atlapulco, quienes buscan desesperadamente alejarse de las circunstancias poco favorables en las que viven. Cuando se enteran de la oportunidad de comprar una plaza en el sindicato de electricistas, que podría cambiar sus vidas para siempre, deciden hacer hasta lo imposible por conseguir el dinero necesario que les permita irse.

En Chicuarotes los diálogos son fluidos e intentan ser lo más reales posibles, en ningún momento intentan minimizar las situaciones y mucho menos restarle importancia a las decisiones que toman los protagonistas, de hecho la película es bastante circunstancial, pues todas las acciones nos llevan a una diferente situación, desarrollando la película en un efecto de bola nieve en la que los problemas comienzan a hacerse cada vez más grandes.

Pero el mayor acierto del filme es el cast. Cada uno de los actores le da vida a su personaje de manera única. Lo adopta, lo entiende y se vuelve uno con él. Lo convierte en alguien memorable y, ya sea con muchas o pocas escenas logran crear un lazo con el público. No es necesario explóralos a profundidad para entender sus motivaciones, basta con mirar a nuestro alrededor para darnos cuenta que estos personajes se encuentran más cerca de nosotros de lo que creemos.

Tristemente no todo es miel sobre hojuelas, y el gran problema que acecha a la película es el ritmo tan inconstante que maneja. Esto no ayuda para nada al largometraje. Los cambios son bastante repentinos y bruscos, por momento corta de tajo la intensidad de una escena y se nota que le cuesta trabajo volver a carburar para alcanzar la intensidad que había generado previamente.

Da gusto ver una producción mexicana que se encuentra en boca de todos. Quizá porque la película es dirigida por Gael García Bernal; tal vez porque cuentan con la actuación de Benny Emmanuel, una de las promesas actorales más relevantes del cine nacional. Al final, no importa cuál sea la razón, es un hecho que Chicuarotes es el largometraje nacional que pretende romper la taquilla y cautivar al público. Y tú, ¿hasta dónde llegarías por cambiar tu vida?

 

*Colaborador en CinEspacio24 Noticias.


“Indian Horse”, los golpes del racismo son devastadores

Indian Horse nos narra el sufrimiento de Saúl, un niño indígena de Canadá que fue obligado, como muchos otros, a olvidar sus raíces y convertirse en católico. A través del hockey encontrará un escape al mundo que le quieren imponer.

Por Arturo Brum Zarco *

@arturobrum

En los años 50, Saúl, un niño indígena se esconde en las montañas del norte de Canadá junto con su abuela; ella le habla a su nieto sobre sus antepasados, de cómo cuidaban la tierra, su cosmovisión del universo y sus dioses.

Viven ahí porque huyen de las autoridades del gobierno canadiense, que implementó un programa obligatorio para que todos los niños indígenas reciban una educación católica. Los separan de sus padres y pueblos para que aprendan a hablar inglés y  “amar” a Jesús.

En un hermoso y contundente diálogo que tiene la abuela con una persona católica, esta le dice a la anciana que es una pecadora, ella le responde en su lengua natal: “su Dios no pescó en esta aguas”.

Un día no pueden escapar más y las autoridades atrapan a Saúl y lo llevan a una escuela especial; ahí el niño sufrirá, por parte de monjas y sacerdotes, maltratos físicos y psicológicos y verá como varios compañeros  sufren de una crueldad extrema. En el nombre de Jesús se han justificado actos atroces, y esta parte de la historia de Canadá es uno de ellos.

Saúl encontrará consuelo y un motivo para salir adelante en el hockey, deporte que domina con facilidad, lo que lo lleva a salir de esa espantosa escuela y vivir con diferentes familias que lo apoyan para que se convierta en un profesional.

No obstante, para la mayoría de los canadienses, de ese tiempo, el hockey es un deporte para gente blanca y demuestran su ignorancia burlándose del talentoso Saúl.

El racismo, aunado con su tormentosa infancia lleva a Saúl a abandonar todo y tener problemas de alcoholismo.

La cinta Indian Horse, basada en la novela de Richard Wagamese, y dirigida por Stephen Campanelli, es un grito contra el racismo, una denuncia a las crueldades de la Iglesia católica contra los pueblos indígenas, es la vida de un hombre que luchó contra sus demonios del pasado y fue obligado a rezarle a un Dios que desconocía.

A lo largo del filme nos acompaña una voz en off que nos narra con metáforas profundas lo que el personaje principal siente y piensa. Un punto destacado de la cinta es el guion, diálogos profundos e impactantes y silencios que dicen más con la mirada de los personajes.

El hockey  se caracteriza por ser un deporte  con un rudo y fuerte contacto físico, y Saúl podía soportar cualquier golpe dentro de la pista de hielo; pero los golpes de su pasado y el racismo fueron más duros y devastadores. Así, nos explica la cinta que el golpe del racismo es más demoledor y peligroso.

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias.


Quinta temporada de Black Mirror, ¿la peor?

Los tres capítulos de la quinta temporada de Black Mirror quizá son los de más baja calidad de la serie, ya que el debate moral sobre tecnología y la naturaleza del ser humano quedan en  segundo término.

Por Arturo Brum Zarco *

@arturobrum

El primer capitulo de la tercera temporada de la serie de ciencia ficción Black Mirror, titulado Nosedive,  protagonizado por Bryce Dallas Howard, narra un mundo donde la importancia o jerarquía de las personas se mide por el puntaje que reciben de una aplicación, es decir, con un teléfono celular la gente se califica entre sí y mientras más menciones positivas tengan, mayor posición social tendrá.

De esa forma, el capítulo termina, más que con una anécdota o metáfora, con una reflexión hacia el espectador, para abrir el debate sobre los niveles sociales y el poder que tendrá la tecnología en este rubro.

Las cuatro temporadas de Black Mirror se caracterizan por tomar un tema de interés público y combinarlo con un mundo futurista donde los avances tecnológicos influyen en él. Así, ningún capitulo recae hacía el bien o al mal, todos “encuentran” su punto medio para dejar que el espectador con base en su propia ética decida si el actuar de los personajes estuvo bien o mal.

Una de las mayores virtudes de esta serie de ciencia ficción es que cada capítulo es una discusión sobre la moral, las decisiones del hombre y las ventajas y desventajas que nos puede traer los avances científicos.

Blcak Mirror nos confronta a vernos en un espejo futurista, donde no hay buenos ni malos, y donde el poder de la tecnología rige el quehacer del ser humano, algo que quizá ya es una realidad.

La quinta temporada de la serie, que tiene tres capítulos, quita la esencia que caracterizó a Black Mirror: producir ese impacto moral y reflexivo en el espectador.  Si bien sí abordan la tecnología y la ciencia ficción, lo hacen de una forma banal y con historias sin mucha profundidad.

El primer capítulo de la quinta temporada, Striking Vipers, protagonizado por Anthony Mackie (Avengers: Engame), aborda el aburrimiento de la cotidianidad en una pareja; Dany (Mackie) es un hombre que va a cumplir 40 años, está casado y tiene un hijo, y su esposa, Theo (Nicole Beharie) quiere un bebé más.

Cuando aparece el mejor amigo de Dany, Karl (Yahya Avdul-Mateen II), este le regala un juego de peleas donde por medio de un dispositivo que se pone en la cabeza, su mente entra a un mundo donde se convierte en el personaje del video juego, ahí Dany encontrará un lugar para “matar” su aburrimiento, pero de una forma sexual. Si bien el argumento es interesante y el ambiente del capítulo es lúgubre, su final no invita a la reflexión.

El segundo, llamado Smithereens, es un capitulo con un agradable suspenso, pero es más un llamado a que no uses tu teléfono mientras manejas. Protagonizado por Andrew Scott y Topher Grace, narra como un conductor de Uber secuestra a un empleado de una empresa de redes sociales, y amenaza con matarlo si no lo comunican con el dueño y creador de dicha institución.

El último capítulo de la temporada es quizá el que menos comparte la esencia de Black Mirror, parece más una teen movie, con sus aventuras irreales y sus juegos infantiles que una aproximación a un debate real sobre la moral y la tecnología.

El capítulo se llama Rachel, Jack and Ashley, actúa la cantante y actriz Miley Cyrus, y cuenta dos historias; la primera es sobre dos hermanas que son muy diferentes, a una le gusta el rock y a la otra el pop y su gran ídolo es Ashley O; la segunda, nos narra la vida de la artista Ashley O, quien vive bajo las órdenes de su tía, que la obliga a cantar canciones que Ashley no quiere. Las dos historias se unirán gracias a un juguete, un pequeño robot que habla y canta como Ashley O.

Quizá sea la peor temporada de todas, ya que no tiene esos clásicos conflictos morales que son como una “cachetada” hacia el espectador; en este caso no rompieron el espejo.

 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias.


Diez películas para que te enamores de Emma Stone

Con sus bellos ojos verdes, una voz grave y sensual y unos delgados y bonitos labios, no será la belleza clásica que Hollywood nos tiene acostumbrados, pero su agradable rostro y su peculiar simpatía hacen de Emma Stone una de las mujeres más hermosas del cine.  Pelirroja por decisión, se llevó el  Oscar a Mejor Actriz en 2017.

Por Redacción CinEspacio24

Nació el 6 de noviembre de 1988 en Arizona, Estados Unidos. A los 14 años hizo un power point para convencer a sus padres de que quería ser actriz. Así se mudó con su madre a Los Ángeles y comenzó su carrera en un reality show y en papeles secundarios de varias series. Su debut en el cine fue en la comedia negra Superbad de 2007, donde actúo junto a Michel Cera y Jonah Hill.

Ahora es una de las actrices más cotizadas y ha trabajado con directores de renombre como Woody Allen y Alejandro G. Iñarritu. Gracias a su papel en la cinta La la land, dirigida por Damien Chazelle y protagonizada por Ryan Gosling, ganó un Globo de Oro, el BAFTA y  el Oscar a Mejor Actriz .

Para conocer un poco más de ella, te recomendamos estas películas donde demuestra su gran calidad como actriz.

1.- Superbad

Este fue su debut en el cine y aunque tuvo un papel secundario y salió poco, sólo necesito varios minutos en pantalla para llamar la atención y que empezarán a hablar de ella. La cinta, de 2007,  es una comedia negra de adolescentes que se centra en la perdida de la virginidad. Emma Stone hace el papel de Jules la chica que Jonah Hill quiere conquistar.

 

2.- Zoombieland

Comedia, zombies, armas y Emma Stone, es casi la película perfecta. Esta cinta de 2009, donde actúa junto a Jesse Eisenberg, Woody Harrelson y Abigail Breslin, hace el papel de Whicita una de las pocas sobrevivientes de un apocalipsis zombie. Ella defenderá a su hermana y se enamorará en esta película que te da una guía para sobrevivir a estos muertos vivientes.

3.-Easy A

El primer protagónico de Emma y la película que la llevó a la fama en 2010. Es una comedia negra, otra vez de adolescentes, donde ella engaña a sus compañeros diciendo que se acuesta con todo mundo, con el objetivo de hacer una crítica a los rumores escolares. Gracias a este papel recibió su primera nominación a un Globo de Oro.

 

4.-Loco y estúpido amor

En esta comedia romántica de 2011 es la primera cinta que hace pareja con Ryan Gosling. Comparte créditos con Steve Carell y Julianne Moore. La trama se centra en el divorcio de los padres de Hannah (Stone).

 

5.- The help

Aquí tuvo otro papel protagónico en una cinta aplaudida por la crítica en 2011. Emma hace el papel de Skeeter Phelan una periodista que escribe un libro sobre los malos tratos que reciben la criadas afroamericnas por parte de sus jefas blancas. Tiene un reparto de lujo: Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard y Jessica Chastain.

 

 

6.- El sorptendente hombre araña / El sorpredente hombre araña 2 (2012-2014)

Creemos que a nadie le va a quedar mejor el papel de Gwen Stacy como a Emma. Gwen es el primer amor de Peter Parker y en las dos cintas que se hicieron con Andrew Garfield como el hombre araña, Emma se lleva la película.

 

7.- Birdman o la inesperada virtud de la ignorancia

Dirigida por Alejandro G. Iñarritú en 2014, Emma hace el papel de Sam la hija del excéntrico actor Riggan (Michael Keaton); ella es una chica que está saliendo de problemas de adicción y trabaja como ayudante de su padre. Esta cinta ganó cuatro Oscar, entre ellos Mejor Película y Mejor Director. Además, fue la primera nominación de Stone a un Oscar como mejor actriz de reparto.

 

 

8.-Un hombre Irracional

Esta película de 2015, es la segunda que hizo bajo la dirección de Woody Allen (la primera fue Magia a la luz de la luna), pero consideramos que tuvo un papel más destacado en esta cinta. Donde da vida a Jill Pollard una joven estudiante universitaria que se enamora de su profesor de filosofía, Abe Lucas (Joaquin Phoenix), quien tiene un plan algo diabólico para hacer de este mundo un mundo mejor.

9 – La la land

Dirigida por Damien Chazelle, Emma interpreta a a Mia una camarera que quiere ser actriz; su personaje parece un lugar común, pero no lo es, gracias a su buena actuación, a la forma como esta contada la película: un musical que reinvidica al género. Por esta película ganó el Oscar a Mejor Actriz.

 

 

 

10.- La favorita 

Por esta película estuvo nominada al Oscar como mejor actriz de reparto. La favorita, del director griego Yorgos Lanthimos, es una cinta ambientada en el siglo XVIII, y narra la vida de la reina de Inglaterra, Ana Estuardo y su relación íntima con Lady Sarah y Abigail (Emma Stone), dos mujeres que lucharán por ser la preferida de la monarca. Una obra sobre la crueldad  humana.

 


Las películas de Paul Thomas Anderson de la peor a la mejor

El cine coral es una de sus mayores características. Ha creado personajes profundos y confusos que para sus actores han sido retos de interpretación. Desde que inició en el cine, se le consideró un niño prodigio y afortunadamente aún nos queda mucho del director, guionista y productor Paul Thomas Anderson.

 

Por Redacción CinEspacio24 Noticias 

Nació el 26 de junio de 1970 en California. Sus historias van desde un reflejo de la industria porno, conflictos por el petróleo, sectas religiosas y un tipo de cine negro con estilo hippie, es decir, es un director que aborda diversos temas para así definir la idiosincrasia de la sociedad estadounidense y de Inglaterra.

Nos dimos a la tarea, difícil en verdad,  de clasificar sus películas de la peor a la mejor. Después de varias discusiones, este fue el resultado.

7.-  Embriagado de amor (Punch-Drunk Love)

En esta cinta Paul hizo algo que jamás imaginamos, que Adam Sandler tuviera un papel serio y que además lo hiciera bien; tanto que fue nominado al Globo de Oro.

Barry (Sandler) es un personaje poco sociable, que creció y fue educado entre siete hermanas. Todo cambia cuando conoce a una misteriosa mujer (Emily Watson) con quien inicia una relación amorosa.

Con este cinta Paul ganó en  2002 en el Festival de Cannes el premio a Mejor Director

 

 

6.- Inherent Vice

Decían que hacer una película de cualquier libro del escritor estadounidense Thomas Pynchon era un trabajo imposible. Sin embargo, Paul lo hizo y llevó a la pantalla grande la novela Inherent Vice de dicho escritor.

El filme, con estilo de cine negro, trata sobre un detective hippie, Doc Sportello (Joaquin Phoenix), quien inicia la búsqueda de un hombre a petición de su ex novia. Un reflejo de la contracultura de los años 70.

 

 

5.- The Master

Lancaster Dodd ( Philip Seymour Hoffman) es  un carismático y seductor personaje que funda una nueva religión en los años 50, llamada La Causa. Entre sus seguidores se encuentra Freddie Quell (Joaquin Phoenix) un veterano de la Segunda Guerra Mundial, quien al no poder integrarse a la sociedad, encuentra un sitio en dicha secta.

Dirigida y escrita por Paul, se basa en la historia de la  cienciología y fue nominada a muchos premios. Por su parte Phoenix, Philip y Amy Adams dan una cátedra de actuación en el filme.

 

4.- Boogie Nights

Si hay una película que refleje la industria pornográfica es Boogie Nights. El largometraje narra cómo Dirk Diggler (Mark Walhberg) entra al cine para adultos en los años 70, su ascenso al estrellato y la caída de este.

Contó con la participación de Burt Reynolds y Julianne Moore, ambos nominados al Oscar por sus papeles secundarios.

 

 

3.- Petróleo Sangriento (There Will Be Blood)

Daniel Plainview (Daniel Day- Lewis) era un minero pobre, que se convierte en un cruel millonario gracias a la industria del petróleo. Así, vemos en la cinta la forma de cómo creció esta industria, sin importarle nada. Está basada en la novela ¡Petróleo! de Upton Sinclair.

La combinación de Paul con Daniel  dio como resultado una de las mejores películas que hemos visto. Asimismo, Day-Lewis ganó un Oscar a Mejor Actor por este filme.

 

2.- Magnolia

El presentador de un concurso de televisión, un moribundo y su hijo perdido, un niño prodigio, un ex niño prodigio, una mujer y un enfermero; son los personajes que aparecen en Magnolia, un filme que narra nueve historias que parecen independientes entre sí; pero que tienen más relación de lo que se esperaba.

Contó con la actuación de Jason Robards, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman y Tom Cruise, quien recibió una nominación al Oscar a Mejor Actor de Reparto por este trabajo.

Un largometraje  que demuestra cómo este director sabe hacer películas corales.

 

 

1.- El hilo fantasma 

El Hilo Fantasma (Phantom Thread) es una cinta de un amor poco convencional; habla sobre el poder de una persona sobre otra en una relación y del artista frustrado. Con una gran dirección de Paul Thomas Anderson y con una actuación sin desperdicio de Daniel Day-Lewis, quien anunció que está sería su última película.

Reynolds Woodcock (Daniel Day – Lewis), quien vive con su hermana,  Cyril (Lesley Manville), es un modisto exitoso, porque sus vestidos los usan personalidades famosas,  millonarios y la realza. Estamos en Londres de los años 50, en un ambiente de pos guerra,  y para este diseñador su soltería y privacidad son la fuente de su inspiración.

Cuando conoce a Alma (Vicky Krieps) una mesera, éste la invita a salir, y con diálogos preciosos  y directos, él le explica que es un soltero empedernido y que no se casa para no ser infiel, en ese aspecto, asegura ser incurable. En esa primera cita, él termina midiendo sus tallas para hacerle un vestido y ella se deja sin ningún problema. Esa es la esencia de la cinta El hilo fantasma (Phantom Tread), el poder en una relación, que se ve reflejado desde el primer momento en que se conocen los protagonistas del filme.

 

 

 

 


Yalitza Aparicio vocera de la campaña “Cero Violencia contra la Mujer”, del GIFF

El Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) en colaboración con la Secretaría de Salud del Estado de Guanajuato anuncia que emprenderá en el marco de su 22 edición la campaña “Cero Violencia Contra la Mujer” que tendrá como vocera a la actriz nominada al Óscar, Yalitza Aparicio, así como la campaña  contra el suicido “Yo Me Comprometo” que busca prevenir el suicidio y que tendrá como portavoz el actor Faisy.

Cero Violencia Contra la Mujer

El GIFF como institución cultural lleva 12 años sumando esfuerzos en contra de la violencia de género en todas sus expresiones con diversas plataformas y campañas que emprende año tras año. Por cuarta edición consecutiva, junto a la Secretaría de Salud de Guanajuato, el festival trabaja en nuevas acciones contra la violencia de género. En particular, este año suma la estrategia un Espacio Libre De Violencia para ofrecer que, en un espacio privado,  mujeres y hombres puedan hablar sobre sus experiencias en relación a la violencia familiar, sexual y de género, y de esta forma reciban atención especializada y específica a sus necesidades con el apoyo de un equipo  interdisciplinario de expertos.

El GIFF ha unido esfuerzos para prevenir la violencia contra las mujeres lanzando un mensaje a través de líderes de opinión sobre la importancia de visibilizar todas las formas de violencia que existen e impulsar el empoderamiento de las mujeres, así como acercar los servicios de salud para la orientación, consejería y atención con el objetivo de combatir la violencia, manteniendo un mensaje de apoyo, acompañamiento y solidaridad entre mujeres y hombres, y buscando respuestas concretas que permitan incidir positivamente en los problemas de género.

Contra el Suicidio, Yo me comprometo

El Festival Internacional de Cine Guanajuato tiene un compromiso irrenunciable con el bienestar de nuestra sociedad, por lo que por cuarto año consecutivo promueve junto a la Secretaría de Salud del Estado de Guanajuato la campaña contra el suicidio “Yo Me Comprometo”, impulsando la prevención del suicidio a través del acceso a la información sobre las conductas de riesgo que pueden conducir a eventos de magnitud trágica. El suicidio es un problema que nos concierne a todos como parte del tejido social. Prestar atención a los síntomas puede marcar la diferencia entre la vida y la muerte.

La plataforma “Cero Violencia Contra La Mujer” se presentará en el marco del GIFF, el sábado 20 de julio en San Miguel de Allende con la presencia de la actriz Yalitza Aparicio, mientras que la campaña contra el suicidio “Yo Me Comprometo” será presentada con el conductor Faisy y se lanzará en Guanajuato capital el viernes 26 de Julio en el Auditorio del Estado.


Cinco buenas películas de la directora Kathryn Bigelow

Kathryn Bigelow es la única mujer que ha ganado un Oscar como Mejor Directora; reconocimiento muy merecido, ya que su filmografía es cuidadosa, con suspenso, sabe “manejar” varios géneros: acción, thriller, cine bélico y terror, y en cada uno de sus filmes se ve una dirección compleja y bien estructurada.

Por Redacción CinEspacio24 Noticias

Nació el 27 de noviembre de 1951 en San Carlos, California. Estudió en la Universidad de Columbia y desde que inició su carrera en el cine ha demostrado su gran talento, tanto como directora, guionista y productora.

Estas son cinco películas que debes ver para disfrutar el talento de Bigelow, alguien que no se detiene para abordar diferentes temas.

 

1.-Cuando cae la oscuridad (Near Dark, 1987)

Una de las primeras películas de Bigelow y que fue una gran carta de presentación para ella. Es un filme de terror que se combina con el género western. Narra la historia de un vaquero que se encuentra con una mujer vampiro. Ella lo morderá y entre los dos comenzará una historia de terror y amor.

Con un ambiente tétrico y una agradable y misteriosa historia, Bigelow hace un gran trabajo al abordar de una manera atípica el sub género de vampiros.

 

2.- Punto de quiebra (Point Break, 1991)

Buena película de acción, con agradables efectos especiales, la cual muchos consideran como una película de culto. Protagonizada por el fallecido Patrick Swayze y Keanu Reeves.

La cinta narra cómo un agente del FBI se infiltra en el mundo del surf, para atrapar a una banda de delincuentes; sin embargo, el agente se involucra tanto en ese ambiente que las cosas no saldrán como esperaban.

Aquí, Bigelow ya nos enseña su facilidad para crear suspenso y destacadas secuencias de acción; sin dejar afuera un buen guion.

 

 

3.- Días extraños (Strange Days, 1995)

Esta película de ciencia ficción fue bien recibida por la crítica y el público. Nos narra la emoción de la sociedad por el final del milenio, está ambientada dos días antes del año 2000.

Las calles de los Ángeles se encuentran saturadas de personas, Lenny (interpretado por Ralph Fiennes) es un ex policía que se dedica a vender un aparato ilegal que le permite a las personas ver las vivencias y experiencias de otros.

Bigelow hace una metáfora a la expectación del nuevo milenio. Por esta cinta ganó diversos premios.

 

4.- Zona de miedo (The Hurt Locker, 2008)

Con este filme Bigelow ganó el Oscar como Mejor Directora y Mejor Película.

Una cinta de suspenso y cine bélico, que nos narra las peripecias de una brigada especial del ejercito de los Estados Unidos que se encuentran en Irak, cuyo trabajo es desarmar bombas, para eso utilizan unos trajes especiales como protección.

Protagonizada por Jeremy Renner (quien obtuvo una nominación al Oscar por su papel en este largometraje), el filme es una clase de cómo se crea tensión y suspenso, ya que aborda detalladamente cómo los soldados intentan desarmar una bomba, la cual en cualquier momento puede explotar.

 

5- La noche más oscura (Zero Dark Thirty, 2012)

Otra cine bélico de Bigelow, protagonizada de manera brillante por Jessica Chastain, quien obtuvo una nominación al Oscar por su trabajo en esta cinta.

Jessica interpreta a Maya una agente de la CIA que está obsesionada con atrapar a Osama Bin Laden. El filme narra el trabajo de inteligencia que hizo Maya para que las fuerzas especiales de los Estados Unidos matarán a Osama. Un película donde el suspenso atrapa al espectador.


“78/52”, documental que analiza a fondo la escena icónica de Psicosis

La película Psicosis, quizá el trabajo más conocido de Alfred Hitchcock, tiene una de las escenas más icónicas del cine: el asesinato de Marion Crane en la regadera. El documental 78/52  del director Alexandre O. Philippe, analiza a fondo esa secuencia y por medio de entrevistas a directores, editores, músicos, actores y académicos muestra por qué el cine ya no fue igual después de esa maravillosa escena.

Por Arturo Brum Zarco *

@arturobrum

Marion Crane se hospeda en un misterioso hotel en medio de la carretera, ella está huyendo, ya que robó dinero del lugar donde trabajaba. Después de registrarse y hablar con el dueño del lugar, Norman Bates, se mete a bañar y mientras está en la regadera aparece una sombra que lleva un cuchillo en la mano, esa silueta mata sin piedad a Marion.  

78/52 es un documental que nos muestra a detalle cómo se filmó  la casi perfecta escena (sino es que perfecta) del asesinato de Marion Crane (interpretada por Janet Leigh) de la cinta Psicosis de 1960.

Lo mejor del documental es que no es un análisis completamente académico, ni superficial, el director llega a un punto medio para explicar de una manera divertida y seria todas las referencias y técnicas narrativas que se usó en dicha escena.

De esa forma,  la doble de Janet Leigh explica punto por punto cómo se grabó. Asimismo,  reconocidos editores analizan cada plano y cómo el director rompió con muchos paradigmas de la época. Además, destaca la importancia de la música y el gran trabajo del compositor Bernard Herrmann, quien creó las partituras exactas para el suspenso de la escena. 

En el filme, directores del género de terror nos explican cómo Hitchcock  en tan sólo dos minutos se burla de la doble moral estadounidense y del mundo; es decir, cómo en 78 tomas y 52 cortes cambia al cine para siempre y se convierte en una referencia para futuros cineastas. Pero no hay nada nuevo bajo el Sol, y el documental también explora las películas en las que  Alfred  se inspiró.

Alexandre O. Philippe ha mencionado  que  es un cinéfilo, obsesionado con la historia del cine y de ahí su pasión por estudiar  las secuencias y escenas que han cambiado al arte.

78/52 no sólo es un documental, es una clase de cine y un homenaje a una de las mejores secuencias que se han filmado, y afortunadamente se encuentra en la plataforma de Netflix. 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias.