Conoce a quien trajo a Batman a los tiempos modernos #Conque2019

Si bien Detective Comics (DC Comics actualmente) empezó a publicarse en el año 1935, no fue hasta el año 1939, que aumentó su fama, al introducir a otro superhéroe icónico: Batman, quien con junto a Superman en Action Comics, marcaron un antes y un después en la historia del cómic norteamericano.

Este año, la #Conque2019 lo conmemora con la presencia de Neal Adams, historietista reconocido por su trabajo en el Caballero nocturno en la década de los 70. Gracias a él se redefinió al hombre murciélago, con su característico estilo visual de los tiempos modernos.

Muchos fanáticos del cómic siguen admirando a este personaje que a pesar de que ha pasado por muchas cosas, sigue levantándose para demostrar que siempre se puede todo en la vida, hasta para defender tus ideales. Este año, se hace historia, ya que no solo se cumplen 80 años de su creación, a manos de Bob Kane y Bill Finger, sino que se llegó al número 1000 de su numeración, el segundo título de la compañía DC Comics en lograrlo, después de Action Comics, su antecesora.

Para más información, visita el sitio oficial de la #Conque2019: www.conque.mx


La Tierra Media desafía la #Conque2019

Se presenta un reto gigante para la convención #Conque2019: ¿Cómo mantenerse vigente tras 25 años de actividades? Pues en esta ocasión presenta una apuesta grande, digna del dragón Smaug: nos trae al protagonista de la mítica saga, Elijah Wood (Frodo), y tendrá el estreno exclusivo de Tolkien, la biopic del creador de las épicas historias que transcurren en la Tierra Media, desde la Primera hasta la Tercera Edad del Sol.

La convención se realizará del 3 al 5 de mayo en la ciudad de Querétaro, con actividades para todos los amantes de la cultura pop, con presentaciones sobre diferentes actividades, desde cine hasta cómic, desde cosplay a ilustración de culto: una convención transmedia, que ofrece una visión amplia a todo aquel abierto a descubrir nuevas historias, personajes y creadores.

Volviendo a las historias del Señor de los Anillos, la convención además tendrá la proyección maratónica de la trilogía inicial, y durante la presentación de Wood la Conque invita a los fans de la historia a ir con cosplay adecuado. Una celebración digna para la Comunidad del anillo.

Para más información, consulta su sitio web www.conque.mx, o bien, visita su evento en Facebook para checa la información en específico sobre El señor de los anillos: https://www.facebook.com/events/414756306022035/


Los nominados al Ariel 2019, “Roma” la favorita

Este martes se dieron a conocer los nominados al premio Ariel 2019, en los cuales Roma de Alfonso Caurón es la favorita con 15 nominaciones; Las niñas bien de Alejandra Márquez Abella y Museo de Alonso Ruizpalacios  tiene 14; y La camarista de Lila Avilés, 10.

Aquí las nominadas:

Mejor película

La camarista

Las niñas bien

Museo

Nuestro tiempo

Roma

Mejor dirección

Lila Avilés – La camarista

Alejandra Márquez Abella – Las niñas bien

Alonso Ruizpalacios – Museo

Carlos Reygadas – Nuestro tiempo

Alfonso Cuarón – Roma

Mejor actor

Luis Gerardo Méndez – Bayoneta

Damián Alcázar – De la infancia

Baltimore Beltrán – Mente revólver

Gael García Bernal – Museo

Noé Hernández – Ocho de cada diez

Mejor actriz

Concepción Márquez – Cría puercos

Gabriela Cartol – La camarista

Ilse Salas – Las niñas bien

Sophie Alexander-Katz – Los días más oscuros de nosotras

Yalitza Aparicio – Roma

Coactuación masculina

Ernesto Gómez Cruz – De la infancia

Flavio Medina – Las niñas bien

Hoze Meléndez – Mente revólver

Leonardo Ortizgris – Museo

Jorge Antonio Guerrero – Roma

Coactuación femenina

Cassandra Ciangherotti – El club de los insomnes

Teresa Sánchez – La camarista

Cassandra Ciangherotti – Las niñas bien

Paulina Gaitán – Las niñas bien

Marina de Tavira – Roma

Mejor documental

Ayotzinapa, el paso de la tortuga

Hasta los dientes

Rita, el documental

Rush Hour

Witkin y Witkin

Revelación actoral

Agustina Quinci – La camarista

Alan Uribe – La camarista

Benny Emmanuel – De la infancia

Bernardo Velasco – Museo

Nancy García – Roma

Película iberoamericana

Campeones

El Ángel

La noche de 12 años

Las herederas

Pájaros de verano

Mejor fotografía

Carlos F. Rossini – La camarista

Dariela Ludlow – Las niñas bien

Damián García – Museo

Diego García – Nuestro tiempo

Alfonso Cuarón – Roma

Mejor ópera prima

Ayotzinapa, el paso de la tortuga

Cría puercos

Hasta los dientes

La camarista

Los días más oscuros de nosotras

Mejor cortometraje animado

¡Justicia!

32-Rbit

Gina

Primos

Viva el rey

Mejor cortometraje documental

19 de septiembre

Autora

Las visitadoras

M

Sinfonía de un mar triste

Mejor cortometraje de ficción

Arcángel

B-167-980-098

El aire delgado

El último romántico

Velvet

Videotape

Edición

Hasta los dientes

La camarista

Las niñas bien

Museo

Roma

Efectos especiales

Cygnus

El día de la unión

El habitante

La gran promesa

Roma

Efectos visuales

Bayoneta

De la infancia

El día de la unión

Museo

Roma

Mejor guion adaptado

Ana y Bruno

De la infancia

Guion original

La camarista

Las niñas bien

Museo

Nuestro tiempo

Roma

Mejor vestuario

Bayoneta

De la infancia

Las niñas bien

Museo

Roma

Mejor diseño de arte

De la infancia

Las niñas bien

Museo

Restos de viento

Roma

Mejor largometraje animado

Ahí viene Cascarrabias

Ana y Bruno

El ángel en el reloj

La leyenda del Charro Negro

Mejor maquillaje

Bayoneta

El día de la unión

Las niñas bien

Museo

Roma

Música original

Ana y Bruno

Bayoneta

Las niñas bien

Museo

Witkin y Witkin

Mejor sonido

Bayoneta

Las niñas bien

Museo

Nuestro tiempo

Roma

 

 


“Un caballero y su revólver”, buena despedida de Robert Redford

Un caballero y su revólver, la última actuación de Robert Redford, nos narra la vida de Forrest Tucker, un ladrón de bancos de 80 años de edad, que se fugó 18 veces de la prisión y siempre hizo lo que quería.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Dice Robert Redford que se retira de la actuación, lo hace a los 82 años de edad. Su última cinta es Un caballero y su revólver (The old man & the gun). Se despide del cine con una película acorde a su vida, a sus películas, sus actuaciones, es decir, siempre contra la corriente, buscando romper con los parámetros de Hollywood. Como un rebelde que jamás dejó que lo encasillarán.

Redford ayudó a crear el Festival de Cine de Sundace, donde cineastas independientes muestran sus obras. El propio Robert señaló que a lo largo de su vasta carrera siempre buscó papeles que no sólo buscarán su atractivo físico, sino que fueran un reto para él y el espectador.

En ese sentido, Un caballero y su revólver es una cinta acorde a su visión de “subversivo” (tampoco lo es tanto, al fin trabaja en Hollywood); por eso Robert eligió ese filme, y le pidió a David Lowery que la dirigiera, un realizador que sabe moverse entre películas comerciales e independientes, para ejemplo sus obras Mi amigo el dragón (una producción de Disney), o la ya casi cinta de culto Historias de Fantasmas.

Todas las piezas se acomodaron para que Robert se despidiera del cine a su estilo: con una buena película, una gran actuación, una pulcra dirección y con un mensaje rebelde y melancólico.

Un caballero y su revólver, basado en un hecho real, narra los últimos días de Forrest Trucker, quien desde pequeño comenzó a robar, y en la edad adulta se hizo un experto ladrón de bancos. Pasó casi toda su vida en la cárcel, y escapó 18 ocasiones de la prisión.

La cinta aborda los últimos días de este delincuente, quien a sus 80 años siguió robando bancos, y como él lo explica no lo hace por el dinero sino por la pasión de estar al límite de la ley, “si algo te apasiona por qué dejar de hacerlo”, afirma el personaje.

Con una ambientación como si fuera un filme de los 70, el largometraje nos lleva a los robos que realizó junto con sus dos cómplices que también son adultos mayores, Teddy (Danny Glover) y Walter (Tom Waits).

Robaba bancos sin violencia, incluso no vemos una pistola en la cinta pero sabemos que la lleva consigo; simplemente llegaba al establecimiento, hablaba cordialmente con los encargados del lugar y educadamente les decía que los estaba asaltando. Cuando la policía llegaba, los testigos afirmaban que el ladrón era un hombre mayor y una persona muy caballerosa. Un delincuente con carisma.

A cargo de su búsqueda está el detective John Hunt (Casey Affleck), un policía que se obsesiona con la figura de Forrest.

Asimismo, después de un robo Forrest conoce a Jewel (Sissy Spacek), una mujer que por momentos lo convence de dejar su vida de ladrón para estar con ella.

El filme se toma atribuciones que son necesarias, ya que nos muestran a un Forrest educado y poco violento, así logramos cierta identificación con su personaje, ya que la realidad era otra, al verdadero Tucker, además de robar bancos, se le conoce por que tenía una pandilla de traficantes de drogas; la película es un buen ejemplo de cómo es necesaria la ficción en una historia real.

Con tomas melancólicas, diálogos contundentes y una gran actuación de Robert, es un buen adiós de este gran actor, que obviamente no robará bancos pero seguirá trabajando hasta el último día de su vida en algo relacionado con el cine, porque eso le apasiona. 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias.


“Avengers Endgame”, propuesta ambiciosa

El momento llegó. Tras 11 años de aventuras dentro y fuera de la pantalla el célebre Universo Cinematográfico de Marvel (MCU,  por sus siglán en inglés) toca su fin.

Isaac Piña Galindo*

Quizás se trate sólo de la conclusión de esta etapa encabezada por los actores Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth y Scarlett Johansson, y las películas continuarán por otra narrativa distinta con una base de personajes nuevos como Black Panther y Spider-man.

Sea como sea, Avengers: Endgame es en definitiva el cúlmen de una época ya histórica del cine, de un hito cuya formación fue lenta pero segura, una historia de largo aliento que se sucedió ante millones de atentas miradas y que generó cariño y apego genuino en fanáticos al mismo tiempo que provocaba controversia entre los espectadores casuales o algunos críticos.

El MCU hizo historia, un hecho que esta secuela- cierre confirma de forma contundente, tal como sucedió en su momento con El Señor de los Anillos o con la trilogía de Matrix.

En concreto, Avengers: Endgame es una propuesta ambiciosa en la que los escritores Christopher Markus y Stephen McFeely así como los realizadores, los hermanos Russo, apuestan por una monumental misión que puede dividirse en tres partes, cada una con su respectivo tono y género, aunque sin despegarse del marco de película épica que bordea al filme.

Las tres horas que dura Endgame no son un capricho sino una medida justa de la narrativa; el relato nunca se deshilacha ni pierde ritmo, un logro conseguido gracias a un inteligente manejo de personajes y sus respectivas historias donde con guiños u otros detalles similares se retribuye el compromiso/ amor de ser fan o al menos la curiosidad del seguidor del MCU.

Aun cuando cada súper héroe tiene su grado de importancia, en realidad gran parte del porque las piezas encajan tiene que ver con Iron man y el Capitán América, cuyos puntos de vista (o personalidades) chocan lo suficiente para mantener la tensión dramática sin desbocarse en un antagonismo que divida al grupo y por ende el “corazón” del filme.

Cada hora podría disfrutarse como un capítulo dentro de una misma mini trilogía y en donde las contradicciones, pasiones y angustías de Tony Stark (Iron Man) cobran mayor significado y le imprimen fuerza y fondo a la película.

Sin el apasionado heroísmo que rodea la travesía emocional de Stark no podría disfrutarse ni el suspenso ni el melodrama, ni mucho menos lo épico de la confrontación en contra de Thanos y su singular pero retorcida idea de justicia.

Poco más cabe anotar, por el momento, sobre esta descomunal película que envuelve años y años de contar cuentos de súper héroes.

A partir de ahora es, como ya escribí, un punto obligado para el amante del cine, de los cómics, del “héroe” y por supuesto que de igual manera deja una huella enorme dentro de la llamada “cultura pop”.

 

 

*Cineasta y Colaborador en CinEspacio24


La Gira de Documentales Ambulante llega a Ciudad de México

La decimocuarta edición de la Gira de Documentales Ambulantes clausura su recorrido en Ciudad de México con un programa de 305 actividades. Del 30 de abril al 16 de mayo se llevarán a cabo proyecciones, talleres, seminarios, performances, música en vivo, encuentros, maratones de cine, charlas, fiestas y un Salón Transmedia.

Durante dos semanas Ambulante estará presente en 39 sedes de la ciudad, entre ellas algunos espacios emblemáticos como el Monumento a la Revolución, el complejo cultural Los Pinos, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el Senado de la República y Las Islas. La entrada será gratuita en el 55% de los eventos.

Este año hay seis rutas para navegar la selección del festival, como introducciones a los temas y experiencias reflejados en los documentales. La ruta de lo público se compone de filmes que abordan situaciones del presente que nos indignan y nos llaman a la acción; la ruta de la memoria, en la que conviven materiales de archivo e imágenes del presente que dialogan con recuerdos silenciados; la ruta de lo íntimo, películas que rechazan la convención que dicta que lo íntimo debe permanecer oculto en el hogar; la ruta de la forma, un itinerario a través de varios filmes en los cuales estructura, imagen, sonido y voz denotan creatividad y voluntad artística; la ruta LGBT+, documentales que exploran temas relacionados con la sexualidad, el género y la identidad; y la ruta de los retratos del poder, la cual reúne largometrajes que diseccionan los diversos materiales que los componen y recurren a modos ensayísticos de narración para crear contundentes retratos de la política.

Algunos títulos destacados son  Mar de sombras, documental en el que Carlos Loret de Mola denuncia los efectos de la pesca de la totoaba en México, que está acabando con la vaquita marina, y constituye un negocio millonario para los cárteles; Al filo de la democracia, de Petra Costa, sobre un Brasil política e ideológicamente dividido; Hammarskjöld: caso sin resolver, que investiga la misteriosa muerte de quien fue secretario general de las Naciones Unidas y defensor de la independencia del Congo; Jonathan Agassi salvó mi vida, película que acompaña durante ocho años a esta estrella de la pornografía gay; Conociendo a Gorbachov, la más reciente cinta de Werner Herzog; Disparando a la mafia, retrato de la mafia italiana en Sicilia; Tres idénticos desconocidos, la historia de tres hombres que descubren por casualidad que son trillizos idénticos y que fueron separados al nacer; Viajero de medianoche, sobre una familia en Afganistán que debe huir bajo amenaza de los talibanes; y Ryuichi Sakamoto: coda, documental que muestra la evolución de la música y la vida de este artista clave para nuestra era; entre otros. La sección de Injerto, así como Retrovisor, también incorporan nuevos títulos.

Además, la sección de Coordenadas Ciudad de México reúne ocho películas que relatan historias sobre la ciudad. A través de ellas conoceremos la tradición de los sonideros en Tepito, la historia del restaurante Contramar y su contraparte en Nueva York, los sonidos del 19 de septiembre, la lucha de Wanda Seux, el recuerdo de la matanza de Tlatelolco, el descubrimiento de las grabaciones secretas de un teléfono que revelan una infidelidad ocurrida en 1969, y la violencia hacia las mujeres dentro y fuera de un ring.

Por otro lado, celebrarán la vida de Agnès Varda, con la proyección de Rostros y lugares. Otras funciones especiales serán las presentadas en colaboración con Marea Verde;  Ambulante se une  así al movimiento internacional que demanda que cualquier persona debe ser libre de decidir sobre su propio cuerpo como un derecho humano fundamental. Y con la proyección in situ de Ai Weiwei: nunca se arrepiente proponen una intervención del escenario al aire libre en el que se exhibe la pieza Forever con un retrato cinematográfico que nos introduce al contexto, pensamiento y activismo del artista.

Muchas de las funciones irán acompañadas de conversatorios y charlas. Platicaremos sobre constelaciones de la violencia en México, libertad de prensa y persecución a periodistas, derechos de las comunidades indígenas, escritura sobre cine, crimen organizado y daño medioambiental, pactos de olvido y memoria, acoso y discriminación contra las mujeres, derechos de la comunidad LGBT+, zapatismo, prácticas de cuidado en la tercera edad, y narrativas transmedia.

Entre las actividades especiales destacan dos presentaciones de cine expandido de Esperanza Collado, presentadas en colaboración con Fundación Jumex y Acción Cultural Española AC/E: Things Said Once/Cosas dichas una vez, una declaración artística y un elogio al cine desde el reconocimiento de su historia y de nuestra responsabilidad con su permanencia en el presente; y We Only Guarantee the Dinosaurs, donde el vínculo cine-escultura-danza transforma las condiciones de enunciación de la imagen fílmica. Asimismo, habrá un performance en 16 mm de noticieros cinematográficos de la Colección Miguel Alemán de la Cineteca Nacional; y el performance documental Archive, realizado por Arkadi Zaides mediante material filmado por palestinos que habitan en zonas de alto conflicto.

Por segundo año consecutivo, el Salón Transmedia estará abierto al público del 9 al 12 de mayo en el Centro de Cultura Digital con una selección de nueve relatos interactivos y transmedia. Junto con el Salón, se llevará a cabo el Colaboratorio, del 4 al 11 de mayo, un encuentro de incubación para desarrollar, producir y difundir narrativas audiovisuales transmedia. Se trata del primer encuentro internacional de formación y desarrollo de documentales interactivos y multiplataforma.

También habrá un seminario acerca de los contenidos de los noticieros mexicanos, que han ayudado a afianzar una idea general sobre lo que es el país y hacia dónde tiene que encaminarse; y tres talleres. Cine en curso, impartido por Núria Aidelman y presentado en colaboración con Acción Cultural Española AC/E, plantea cómo desarrollar las potencias pedagógicas de la creación cinematográfica en el contexto educativo; Animando el mundo: ritmos, patrones y objetos, realizado por la cineasta Jodie Mack, girará en torno a patrones en imágenes estroboscópicas; y en Documento y movimiento el coreógrafo Arkadi Zaides hablará sobre sus recientes proyectos en torno a las fronteras, los cuales fueron desarrollados en Israel y en Europa.

La función inaugural será el martes 30 de abril a las 20:00 hrs. en el Monumento a la Revolución. Proyectaremos Familia de medianoche, de Luke Lorentzen, extraordinario documental sobre una familia que trabaja en una ambulancia privada en la colonia Roma e intenta sobrevivir en una industria compleja, y al mismo tiempo evitar que sus necesidades financieras comprometan a sus pacientes. Nos acompañarán el director, productores y protagonistas.

Para ver la sedes y horarios visita www.ambulante.org

 

 


“Guava Island” el largo video de Childish Gambino

Guava Island es un mediometraje creado y protagonizado por Donald Glover, que narra la historia de un joven que quiere hacer un festival musical para la gente que vive en su isla, quienes se la pasan trabajando todo el tiempo en las fábricas textiles del lugar. Rihanna y Letita Wright completan el reparto.

 

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Guava era una bella isla en el centro del mundo, donde la naturaleza, los animales y el ser humano convivían en armonía; pero un día el humano descubrió que unos pequeños gusanos azules fabricaban una tela hermosa y brillante, y comenzó a explotar ese producto y a fabricar telas que vendían en el extranjero a precios altos. Todo esto bajo el control de una sola persona, quien se aprovechó de la gente y los obligó a trabajar. De esa forma,  Guava se convirtió en una isla con miles de fabricas, la naturaleza arruinada, pocos animales y mucha gente pobre.

Con esa anécdota, que la narran con un agradable formato animado, inicia el mediometraje (tiene una hora de duración) Guava Island, dirigido por Hiro Murai, protagonizado por Rihanna y Letita Whright, y escrito e interpretando el papel principal el multifacético Donald Glover, o como muchos lo conocen en su faceta de músico, Childish Gambino.

Después de contarnos la creación y destrucción de la isla (un lugar ficticio) por parte de una ambiciosa persona que concentra todo el poder económico y social, Guava Island nos narra la historia de Deni Maroon (Glover), un reconocido músico que anima al pueblo cantando en la radio local. Su novia, Kofi Novia (Rihanna) es una chica que trabaja en una de las tantas fábricas de tela y se preocupa por las peripecias de su pareja.

Deni Maroon es un tipo siempre en movimiento, que llega tarde a todas partes, y que está convencido que  los ciudadanos  de la isla necesitan  un día de descanso, “de qué sirve estar en el paraíso sino lo disfrutamos”, comenta el personaje.

Por tal motivo, Deni organiza para un sábado en la noche un festival musical; sin embargo, tal evento provocaría que la mayoría de los trabajadores se tomaran un día libre, por lo que Red Cargo (Nonso Anozie), dueño de las fábricas textiles, quiere impedir que se lleva a cabo dicho acontecimiento.

Guava Island es un musical, que bien podemos definirlo como un largo video musical (no es casualidad que se presentará en el Festival de Coachella en 2019), en el que Glover se pone en la “piel” de su álter ego Gambino para mostrarnos a un ser convencido de que el arte es la forma de ganarle a las ambiciosas empresas y ayudar al obrero a exigir sus derechos.

El filme es un paseo por las canciones más representativas de Gambino, tiene como eje principal quizá su éxito más comercial This is america, el video musical de dicha obra también lo dirige Hiro Murai.

Filmada en Cuba, la cinta aborda la explotación del obrero, el daño a la naturaleza, el amor de pareja, y esto lo hace acompañado de la música de Gambino.

Donald Glover se ha caracterizado por ser un buen guionista, inició su carrera a lado de Tina Fey escribiendo varios episodios de la exitosa sitcom 30 Rock ,y un talentoso actor, saltó a la fama por su papel en la serie Community, destacó en la película Han Solo y ha ganado varios premios por su actuación en la serie que también creó, Atlanta, es decir, ha demostrado que talento tiene.

Y las intenciones de Guava Island son aplaudibles, no obstante, a pesar de estar en Cuba y contar con una locación para hacer una fotografía destacable, su ambientación es básica explotando el color azul como bueno y el rojo como malo; asimismo no hay mucho lenguaje cinematográfico, sólo el lucimiento de Gambino cantando y bailando mientras Rihanna lo ve; en ese sentido, la cinta quizá peca de un egocentrismo por parte de Gambino, que la hace un poco densa.

Guava Island se puede ver en la plataforma de Amazon Prime. Su parte inicial animada es un joya, su mensaje es positivo y esperanzador (el arte como agente de cambio social), pero al final es un video musical largo para que Gambino se luzca; aún así es una buena propuesta, con secuencias destacables.

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias.


“Normandía al desnudo”, pelea entre las costumbres y la modernidad

Normandía al desnudo es una película francesa que narra la crisis financiera de un pequeño pueblo de ganaderos y campesinos, que para darse a conocer deciden salir desnudos en una foto de un reconocido artista.

 

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

El choque entre las costumbres de una sociedad y la modernidad es en ocasiones abrupto, rudo, testarudo y necio; ejemplos hay muchos donde las comunidades, sobre todo de pequeños pueblos, no aceptan que lleguen a su localidad algo nuevo en cuanto a tecnología.

Ese es el tema que aborda la cinta francesa Normandía al desnudo (Normandie nue), dirigida por Philippe Le Guay, quien nos entrega una comedia coral sobre un pueblo que se encuentra en una fuerte crisis económica, y que se encontrará ante dos caminos: seguir como siempre han estado o buscar nuevas formas de existencia.

Esta dualidad se ve bien reflejada en cada una de las pequeñas y concisas historias que nos narra el largometraje; de una forma metafórica el filme es una pelea entre lo análogo y lo digital, lo moderno y las costumbres, un pueblo contra la ciudad.

Normandía es un pequeño pueblo francés, donde la mayoría de sus ciudadanos son campesinos o ganaderos; ante una fuerte crisis económica que azota a su país por la subida en los precios de la leche y la carne (sus principales productos), el carismático, y también ganadero, alcalde del pueblo , Georges Balbuzard (Francois Cluzet) se dispone a salvar a su comunidad.

Organiza al pueblo para que cierren la carretera y así exigir al Gobierno que los ayuden o tan siquiera les hagan caso; pero los resultados no son lo que esperaban.

Sin embargo, entre los carros que se encuentran en el bloqueo de la carretera está el famoso fotógrafo estadounidense Blake Newman (Toby Jones), conocido por realizar fotos donde reúne a mucha gente desnuda (una parodia a Spencer Tunick).

Blake encuentra un lugar que lo inspira y decide que su siguiente obra será en Normandia. Cuando el artista habla con el Alcalde, Georges  ve en dicha propuesta la oportunidad para que su pueblo sea conocido y así escuchen sus demandas; por lo que intenta convencer a la mayoría de que acepten salir desnudos en la foto.

Las buenas intenciones de Georges se encontrarán con el rechazo de la mayoría de sus vecinos, pero poco a poco ira convenciendo a cada uno.

Así conocemos la historia de un joven que está vendiendo su local de fotografía por qué lo digital acabó con el negocio, pero se enamora de alguien; al carnicero que está en contra del desnudo y a su esposa que sí quiere participar; a dos campesinos que llevan toda la vida peleando por un terreno; a una pareja que vivía en la ciudad y se mudaron a Normandia para vivir, según ellos, más tranquilos, aunque el padre de familia sea alérgico al campo; al farmacéutico que es conservador y pedante, y varias historias más.

Todas estas sub tramas, además de tener en común vivir en pueblo donde la mayoría tiene problemas económicos, conservan esa dualidad entre las costumbres y la modernidad, entre quedarse en lo conocido o dar la oportunidad a algo nuevo; y la metáfora está ahí, en un fotógrafo estadounidense que les pide que se desnuden para hacer arte.

Con un ritmo rápido y combinando bien cada historia, Normandía al desnudo juega con un humor simplista y negro, muestra las vicisitudes de vivir en un pueblo ( bien dicen “pueblo chico, infierno grande”), pero también sus virtudes, es decir, esa dualidad de la que hablábamos es bien llevada en la cinta.

Al final, la pelea entre las costumbres y la modernidad es un tema que la cinta deja que el espectador decida quién debe ganar; aunque quizá lo mejor sea llegar a un punto medio.

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


“Gauguin, Viaje a Tahití”, la búsqueda de inspiración

Gauguin, Viaje a Tahití (Gauguin – Voyage de Tahiti), dirigida por Edouard Deluc, es una biopic sobre el pintor Paul Gauguin (interpretado por Vincent Cassel), que se enfoca en el autoexilio de este artista en la isla de Tahití, con el objetivo de buscar nuevas formas de inspiración.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

¿Qué es ser un artista? ¿Tiene alguna obligación con la sociedad? ¿Dónde encuentra su inspiración? Estas preguntas, que parecen seguir sin respuesta o al menos una concreta, son las que intenta contestar la cinta Gauguin, Viaje a Tahití (Gauguin – Voyage de Tahiti).

El filme, dirigido por Edouard Deluc, es una biopic del pintor impresionista Paul Gauguin, interpretado por el excelente actor francés, Vincent Cassel, que muestra en la pantalla ese tormento del artista por buscar inspiración y la perfección.

En ocasiones las biopics caen en el exceso de querer contar todas las experiencias de vida del personaje principal; esto a veces hace que el filme sea confuso y sin profundidad. En Gauguin, Viaje a Tahití la narrativa, afortunadamente, es diferente, se centran en un suceso importante en la vida del pintor: su autoexilio en Tahití.

Aburrido, harto, desesperado por las costumbres y leyes de su país, con un sentimiento de encarcelamiento y asqueado de la estética y el movimiento artístico en Europa del siglo XIX, Paul Gauguin decide que necesita buscar nuevas formas de inspiración, escenarios que le den más color a sus obras, como si buscará un nuevo motivo para seguir pintando; de nuevo ¿de qué forma se inspira un artista?

Por tal motivo, en 1891, Paul decide exiliarse en Tahití, la isla más grande de la Polinesia. Cuando comenta su nuevo proyecto a sus colegas estos se ríen, su familia lo abandona; pero esto no lo detiene y se va a esa isla paradisiaca donde sufrirá una soledad casi absoluta, estará en la pobreza extrema, conocerá y se casara con una mujer que se convierte en su musa y pintará quizá las mejores obras de su carrera.

En Tahití, Paul se ve obligado a trabajar de pescador, obrero y vendedor; además, está enfermo y su doctor insiste en que regrese a Francia; pero para Gauguin aún le falta encontrar lo que busca en esa isla. Todo cambia cuando se casa  con Tehura, una chica oriunda del lugar,  en ella encuentra una belleza única y descubre nuevas formas de pintar.

La naturaleza, el trabajo físico, el amor y las nuevas amistades hicieron de Paul un hombre más sensible, naturalista y eso sin duda formó su estilo de pintar, el impresionismo de Paul usa unos colores que sólo pudieron nacer en un lugar paradisiaco.

El gran conflicto de la cinta es cuando Tehura se enamora de alguien más y Paul después de varios actos de celos se encuentra de nuevo en ese limbo de no saber qué hacer.

Guaguin, Viaje a Tahití es una película con movimientos de cámara pequeños y estudiados, como si fueran pinceladas de una obra impresionista, ya que nos muestra a la naturaleza como un personaje más. Su ritmo es lento porque las tomas son más contemplativas, como cuadros que exigen al espectador poner atención en cada punto. Con un guion que expresa el martirio de Paul, es una bella cinta sobre un pintor en busca de inspiración.

Destaco que sólo se hayan enfocado en una parte de la vida de Gauguin, y una muy importante, ya que a pesar de que murió en la pobreza y sus cuadros fueron un éxito después de que falleció, es ese momento en Tahití donde Paul quizá sí encontró lo que buscaba.

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.

 


“Jamás llegarán a viejos”, la sincera y sorprendente restauración de Peter Jackson

Utilizando imágenes originales de la Primera Guerra Mundial, el director Peter Jackson las restaura, les añade color, crea un diseño sonoro más envolvente y, además, convierte todo esto en formato 3D para realizar el documental Jamás llegarán a viejos;un trabajo que no tiene parangón.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

El cine también es tecnología, es decir, el séptimo arte nació gracias a la curiosidad de inventores; por tal motivo, siempre va a estar acompañado de los avances científicos, a pesar de los directores que quieren un cine más “puro”, sin tantos efectos especiales.

Eso lo comprende a la perfección el director Peter Jackson, para ejemplo sólo hay que ver su trilogía de El señor de los anillos, donde realizó secuencias – con la ayuda de efectos visuales y sonoros- de una manufactura casi perfecta.

Ahora en su nuevo proyecto, Peter Jackson demuestra que los efectos visuales y sonoros  ayudan a recuperar la memoria sobre uno de los conflictos armados más espantosos de la historia del humanidad, la Primera Guerra Mundial.

Con un trabajo exhaustivo de investigación y restauración Jackson realiza el documental Jamás llegarán a viejos, donde utiliza el material de archivo del Museo Imperial de la Guerra.

De esa forma restaura las imágenes con técnicas modernas para añadirles color y dinamismo; asimismo, agrega un diseño sonoro más eficiente para lograr una experiencia más envolvente. Y por si esto no bastara al metraje original lo convierte en 3D.

Así es como el primer documental de Peter Jackson – además de ser un homenaje a los británicos que combatieron en la Primera guerra mundial, en especial a su abuelo – hace un trabajo de restauración que no tiene parangón y que da como resultado un filme sincero y desgarrador.

Jamás llegarán a viejos es un documental que por medio de narraciones de los soldados británicos conocemos desde el momento que se alistan a la guerra, sus vicisitudes y sufrimientos en las trincheras, hasta el momento en que termina el conflicto bélico.

Jackson combina la voz en off con imágenes del conflicto y con un sonido a veces en calma y en otros estremecedor; logra que el espectador sea parte de esos  momentos trágicos que vivieron los soldados.

Pero no sólo el documental de Peter tiene como valor su restauración, sino también lo que cuenta. Los militares nos explican que eran jóvenes campesinos u obreros que sin ser mayores de edad querían pelear en la guerra, emocionados por ir se encuentran con otra realidad, una donde las trincheras estaban llenas de piojos, donde el compañero de a lado en cualquier instante podía morir, en la que la comida era escasa, y dormir era un lujo, entre otras espantosas vivencias. Un verdadero infierno.

Y hace infierno nos lleva Jackson, pero no explica el porqué del conflicto, sólo nos muestra lo que vivieron los soldados, sus pensamientos, sus sueños, su desesperación e incluso su humor negro; todo esto combinado con unos efectos visuales y sonoros poderosos.

Con Jamás llegarán a viejos, Jackson nos demuestra que el cine no se puede apartar de los avances en tecnología y que estos combinados con un buen guion pueden lograr que tengamos empatía por unos soldados que pelearon hace más de un siglo y así recuperemos la memoria o no olvidemos lo espantoso que es la guerra.

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias.