Seis películas para disfrutar del amor 😍

Ah, el amor, ese sentimiento que mueve al mundo, desata pasiones y que acerca a los seres humanos. Celébralo este Día del Amor y la Amistad viendo alguna de estas bellas películas, muy bonitas y tiernas para compartir con tus seres queridos.

Por Yida García @AstarothYida

The Greatest Showman

Aunque gira en torno a la vida de Finn Barnum, el creador del circo, en esta trama encontrarás dos parejas que te cautivarán.

Desde niños Finn y Charity forjaron una gran amistad que, con el paso de los años, se volvió algo más, con la desaprobación por parte de los padres de Charity, ella toma una difícil y a la vez sencilla decisión: seguir a su amado y abandonar una vida de lujos. Aquí vemos la devoción, amor y confianza que deberían existir en todas las parejas.

En los personajes secundarios vemos el surgimiento de un romance entre un joven noble y una chica de color y también somos testigos de cómo prevalece el amor por encima del apellido o la herencia.

Productora: Mark Productions

Director: Michael Gracey

Reparto:

  • Hugh Jackman
  • Michelle Williams
  • Zac Efron
  • Zendaya

Calficaciones

IMDb: 7.6/10

Rotten Tomatoes: 56%

The other sister (una chica sensacional)

Resulta obvio que las personas con capacidades diferentes también aman, se casan y hacen sus vidas en la mayoría de los casos de manera independiente, pero pocas veces nos dan a personajes principales en películas románticas.

Esta película es de mis favoritas, pues retrata que, sin importar la condición, cuando amas y estas plenamente consciente de que quieres apoyar y estar con alguien, no hay poder humano capaz de alejarte.

Carla tiene retraso mental y toda su vida su madre la ha comparado con su hermana, sobreprotegiéndola y subestimándola; creyéndola incapaz de terminar sus estudios, independizarse y enamorarse. Todo esto cambia cuando Carla se enamora de Daniel, un chico con capacidades diferentes al igual que ella y Carla tomará la decisión de demostrarle a su madre cuán equivocada está.

Productora: Touchstone Pictures – Mandeville Films

Director: Garry Marshall

Reparto:

  • Juliette Lewis
  • Tom Skerrit
  • Diane Keaton
  • Giovanni Ribisi

IMDb: 6.5/10

Rotten Tomatoes: 29%

El libro de la vida

No hay que enfocarnos solo en el amor de pareja, la siguiente película aborda también un poco el amor familiar y la amistad.

Joaquín, María y Manolo son tres niños que crecieron juntos. Conforme pasan los años, los niños compiten para ganar la atención de María y cayendo en un triángulo amoroso infantil; por órdenes de sus padres, ella se va a estudiar a un internado y Manolo es el que guarda con más fervor su cariño durante años.

Ha pasado el tiempo y cuando regresa al pueblo, Manolo se encuentra lidiando entre seguir la tradición familiar o ser músico. Escapando de sus líos mentales decide ir a verla y es engañado por un dios de la muerte, haciéndole creer que María está perdida en el inframundo; sin dudarlo va en su búsqueda y descubre cosas que no esperaba, entre ellas su vocación, la fuerza de los lazos familiares a pesar de no seguir las tradiciones y cómo recuperar la amistad con Joaquín.

Altamente recomendable para verla en familia pues trata de manera sencilla, entretenida y hasta cómica el miedo que podríamos tener muchos de ser rechazados por no cumplir por las expectativas que a veces nosotros mismos nos creamos.

Productora: Reel FX Creative Studios- 20th Century Fox

Director: Jorge R. Gutierrez

Reparto:

  • Diego Luna
  • Zoe Saldaña
  • Channing Tatum

Calificaciones:

IMBd: 7.3/10

Rotten Tomatoes: 81%

Your name

Echando mano a la leyenda del hilo rojo del destino, nos presentan una historia innovadora donde este antiguo mito no sólo interfiere con el encuentro de los protagonistas, sino también con sus personalidades y sus líneas temporales.

Mitsuha y Taki son dos jóvenes que viven en entornos contrarios. Mitsuha es una chica de un pequeño pueblo cerca de las montañas y Taki vive en la gran ciudad de Tokio; por una extraña razón intercambian de cuerpos alternando días y conforme van conociéndose mutuamente a traves de amigos, familiares y notas dejadas en sus celulares, se enamoran. Pero no podemos dejar que nuestros protagonistas hayan resuelto esto tan fácil, la explicación a sus cambios de cuerpo está relacionada con una catástrofe que podría separarlos para siempre y deben idear una manera de impedirlo.

Una de mis escenas favoritas es cuando ya están en un punto crítico y le piden al otro que escriba su nombre en la mano para no olvidarse, pero Taki cree que es más importante dejarle sus sentimientos grabados en letras en vez de su nombre.

Productora: CoMix Wave Films

Director: Makoto Shinkai

Reparto:

  • Ryunosuke Kamiki
  • Mone Kamishiraishi
  • Ryo Narita
  • Aoi Yuki

Calificaciones:

IMDb: 8.4/10

Rotten Tomatoes: 97%

Como si fuera la primera vez

¿Qué estarías dispuesto a hacer para ver feliz a alguien que no te reconoce? Henry responde de manera fabulosa esta pregunta pues se ha enamorado de una chica con una extraña amnesia, todo lo vivido en un día de borra de su mente diariamente.

No me gustan las películas de Adam Sandler, pero este personaje me enamoró. La perseverancia y la dedicación con la que piensa nuevos métodos para continuar conquistando a la misma chica una y otra vez, sus ganas de darle una vida normal a su amada en la medida de lo posible son simplemente enternecedoras. El carácter de Lucy también me encantó porque refleja como a pesar de ser la misma persona, con los mismos gustos e ideales podemos reaccionar de diferentes formas a una misma situación, dependiendo nuestro ánimo.

Aunque tiene un poco del humor característico de este actor, se le perdona por la historia tan tierna y envolvente.

Productora: Happy Madison – Flower Films

Director: Peter Segal

Reparto:

  • Adam Sandler
  • Drew Barrymore
  • Rob Schneider
  • Sean Austin

IMDb: 6.8/10

Rotten Tomatoes: 45%

El castillo vagabundo

El secreto es volverse uno mismo, sin dejar de ser dos.

El castillo vagabundo es un film que para mí representa la idea de que para amar y estar en paz con alguien, primero debes hacer las paces contigo mismo; saber quién eres y qué quieres.

No tiene grandes escenas de romance, pero el crecimiento que ves en los protagonistas es evidente. Sophie es una chica tímida y seria que nunca se ha sentido bonita, se ve envuelta en un conflicto con unos soldados y el mago Howl la rescata, ocasionando que una bruja celosa le lance un hechizo a Sophie volviéndola una viejita.

Howl es aparentemente el personaje cliché de anime: carismático, guapo, egoísta y astuto pero con las interacciones y el avance de la película te das cuenta la cantidad de complejos y miedos que alberga su mente. Sophie y Howl van descubriendo que son capaces de superar sus debilidades al mismo tiempo que va floreciendo un romance y un sentimiento de protección y apoyo hacia el otro.

Con todo y lo que les comente acerca de la bruja celosa, lo que más caracteriza a esta película es que no tiene un villano, tiene un conflicto bélico que se puede prestar a muchas interpretaciones y que según Miyazaki, fue una de las razones principales para que nuestro personajes se dieran cuenta de que vida vale la pena vivirla, plena y felizmente.

Productora: Estudio Ghibli

Director: Hayao Miyazaki

Reparto:

  • Chieko Baisho
  • Takuya Kimura
  • Akihiro Miwa

IMDb: 8.2/10

Rotten Tomatoes: 87%

¿Cuál es tu pareja favorita del cine? ¿Qué película agregarías?


“Cold War” el amor es contradicción

Cold War, del director Pawel Pawlikowski, es una historia de amor sincera, realista, conmovedora, con bellos y desgarradores contrastes. Ambientada en la Polonia de los años 50, en la pos guerra, nos cuenta el amor entre un director de música y una cantante, que a pesar de estar enamorados viven atrapados en sus diferentes ideologías. Una obra maestra.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

El amor es contradictorio; es impaciente, a veces irracional, visceral; por otra parte, es sensible, cursi, romántico, pasional. Quizá por eso las historias más bellas de amor son aquellas donde la pareja está destinada a no estar junta. Bien lo entendía Shakespeare cuando escribió Romeo y Julieta.

Sin embargo, últimamente nos invaden historias cinematográficas que abordan el amor de una forma irreal, sin contrastes, sin metáfora, con sentimientos absurdos y manipuladores.

Afortunadamente, hay directores que hacen la diferencia, que  nos muestran que una historia de amor es incansable pero a la vez bella; como una loca y absurda paradoja.

Para ejemplo está la hermosa cinta Cold War, del director polaco Pawel Pawlikowski, quien ganó con esta película el premio a mejor director en el Festival de Cannes 2018.

En Cold War, utiliza algunos elementos narrativos de su anterior cinta Ida, con la cual ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera en 2015. Vuele a usar un formato de cine de 4:3 (cuadrado) y de nuevo una fotografía en blanco y negro.

No obstante, las dos cintas tienen diferencias notables, en Ida no había mucha música, ni close up, y pocos movimientos de cámara. En Cold War, Pawel, utiliza una banda sonora que se convierte en un personaje más, movimientos de cámara como una danza seductora y resalta más el contraste de color entre el blanco y negro.

Es decir, a pesar que a primera vista Cold War tiene los mismos elementos que Ida, Pawel reinventa su narrativa y muestra que es un director que le gusta buscar diferentes formas para contar su anécdota. En esta caso una bella, desgarradora y realista historia de amor.

Cold War nos lleva a la Polonia de la pos guerra, en los años 50, en plena Guerra Fría, cuando el país estaba dominado por el estalinismo. Dos músicos visitan varios pueblos para conocer las canciones locales del país y así crear un espectáculo de música y danza sobre las tradiciones y costumbres de Polonia.

El encargado del proyecto es Wiktor (Tomasz Kot), un director de música, que no está cómodo viviendo en un sistema socialista. A las audiciones para decidir quienes serán los protagonistas llega Zula (Joanna Kulig), una joven carismática y con talento, quien se queda con uno de los papeles.

Así, comienzan una gira por toda Polonia cantando y bailando música regional; sin embargo, el gobierno le exige a Wiktor que realicen espectáculos donde alaben a Stalin y al socialismo.

Esto último sólo es el contexto de la cinta, ya que aunque toca temas políticos, estos sólo son el pretexto para la historia de amor que veremos: Wiktor y Zula comienzan un romance pasional y se enamoran obsesivamente; pero ella está contenta en Polonia, él no; y a pesar de su gran amor, Wiktor decide escapar del país e ir a Francia, donde comienza una exitosa carrera como músico.

Después de un tiempo, Zula decide buscarlo, ya en Francia la pareja de nuevo está junta y ella llega a tener un gran éxito como cantante; pero es infeliz viviendo ahí. El filme nos muestra un amor puro, verdadero,  lleno de ideologías y contradicciones. Un amor que se fortalece con la ausencia, pero se debilita con los deseos  de cada uno.

Con una música que acompaña el paso del tiempo, una fotografía que parece hermética pero a la vez acogedora, diálogos puros, sensibles y hasta crueles , secuencias por momentos lentas y en otras rápidas, actuaciones desoladoras y conmovedoras, Cold War es un ejemplo de que la vida es una contradicción. Una de las mejores películas que se han hecho sobre qué es el amor. 

 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


Cuatro películas contra el amor, ese invento del mal

Esta fecha, el 14 de febrero, el “Día del Amor y la Amistad” es un invento neoliberal, de la borregada, que sigue moditas regalando flores y chocolates, cuando realmente traen un vacío emocional muy fuerte… Si traes el alma así, aquí te van unas películas de desamor que seguro te van a gustar.

Por Israel Bernardo Moreno @UnGatoEnElCine

500 Days of Summer (2009)

Esta película presenta una narrativa no lineal, ambientada en varios días de la relación amorosa de Tom y Summer, que justamente dura 500 días-

Esta cinta aporta más realidad que originalidad al subgénero, lo que está perfecto porque según van pasando los años te das cuenta que “comedia” y “romántica” son dos palabras que fuera de la ficción pocas veces van juntas.

Los actores principales están fantásticos, arropados por buenos secundarios (la niña de Little Miss Sunshine lo hace genial); con un estilo narrativo actual y con clase, así como una banda sonora increíble, con canciones de Pixies, The Clash y The Smiths.

Productora: Dune Entertainment.

Director: Marc Webb.

 

Reparto Principal:

  • Joseph Gordon-Levitt
  • Zooey Deschanel

Calificaciones:

7.7/10 (IMDb)

85% (Rotten Tomatoes)

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Otra historia que también utiliza narrativa no lineal. Trata sobre una pareja separada que, mediante un proceso de borrado de memoria, se han olvidado uno al otro y que luego vuelven a conocerse.

Una película dolorosa, como la vida, y que sin embargo es de ciencia ficción. Es divertida, trágica, romántica, punzante… Los pequeños detalles te ayudan a comprender la situación temporal de las escenas en el contexto del film: escenas perfectas que pasan de un escenario a otro con luces apagándose por un pasillo, con puertas que dan a donde no deberían.

Productora: Anonymous Content y This is that productions.

Director: Michael Gondry.

Reparto Principal:

  • Jim Carrey
  • Kate Winslet
  • Kirsten Dunst
  • Mark Ruffalo
  • Elijah Wood
  • Tom Wilkinson

Calificaciones:

8.3/10 (IMDb)

93% (Rotten Tomatoes)

One Day (2011)

Este filme está basado en la novela de David Nicholls escrita en 2009. Emma es una chica que ha estado enamorada de su mejor amigo desde hace tiempo, y sus sentimientos se consuman muchos años después; sin embargo, cuando por fin logran estar juntos, no todo es “miel sobre hojuelas”, pues quizá no estaban destinados a pasar el resto de su vida juntos.

No es una historia que resulte extraordinaria, pero sin duda es original y es una bocanada de aire fresco al género romántico en el cine.

Productora: Random House Films, Film4 Productions y Color Force.

Director: Lone Scherfig.

Reparto Principal:

  • Anne Hathaway
  • Jim Sturgess

Calificaciones:

7.0/10 (IMDb)

36% (Rotten Tomatoes)

Gone with the Wind (1939)

La historia transcurre al sur de Estados Unidos durante la Guerra de Secesión y la reconstrucción de aquel país. Scarlett O’Hara, hija de los propietarios de una plantación, es la protagonista de este clásico del cine.

Esta película tiene de todo, desde la música hasta la dirección de arte es destacada, pero sin duda el guion adaptado, y las actuaciones la volvieron una de esas películas de las que puedes decir: “esto es cine”.

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer y Selznick International Pictures.

Director: Victor Fleming.

Reparto Principal:

  • Clark Gable
  • Vivien Leigh
  • Leslie Howard
  • Olivia de Havilland

Calificaciones:

8.2/10 (IMDb)

92% (Rotten Tomatoes)

¿Qué otra película recomendarías?


“Shoplifters”, qué es un padre o una madre

Shoplifters, del director japonés Hirokazu Koreeda, busca responder ¿qué es un padre o madre?, y lo hace con una narrativa compleja, una historia con contrastes, conmovedora e indignante. Trata sobre una familia japonesa que se aman, pero que roban cosas en los supermercados para poder vivir. La cinta ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 2018.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

“Mi padre fue a la tienda por cigarros, hace 20 años”, es un chiste (obviamente disfrazado de realidad) que se escucha seguido, por lo menos en mi generación de los años… Y es que a veces tu padre o madre no sólo lo es por consanguineidad, el tema es más complejo.

¿Qué es un padre o una madre? ¿Qué es una familia? ¿Sólo por el hecho de compartir la misma sangre y el apellido los tienes que amar? Preguntas que parecerían sencillas de responder, pero no lo son, se necesita una reflexión más profunda de quién eres y qué quieres.

Esas interrogantes son las que se hace el talentoso cineasta japonés Hirokazu Koreeda, un realizador que se ha caracterizado por abordar estos temas de una forma inteligente, filosófica y metafórica.

Para ejemplo, está su reciente cinta Shoplifters (la cual ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 2018), una historia sincera, atrevida, conmovedora, realista; que muestra, sin caer en dramas manipuladores, que la familia es quizá pasar con tus seres queridos una tarde en la playa; pequeños momentos que se convierten en recuerdos inolvidables.

Shoplifters aboga por eso, por la creación de recuerdos, de momentos únicos, de experiencias a lado de una persona que te cuide. Esto lo cuenta Koreeda de una forma contradictoria y compleja; como es la vida.

Osamu (Lily Franky) es un hombre holgazán, que busca cualquier pretexto para no trabajar. Está casado con Nobuyo (Sakura Ando), una mujer que comparte con su esposo ese desdén por el trabajo y labora sin mucho esfuerzo en una lavandería. Viven con su hijo Shota (Jyo Kairi) y con la hermana de Nobuyo, Aki (Mayu Matsuoka). Los cuatro viven en una pequeña casa en Tokio, Japón, cuya dueña es al parecer la abuela de familia.

Su hogar es chico, está siempre desordenado y sucio. Para no trabajar, Osamu se dedica a robar en supermercados y tiendas cosas necesarias para vivir. Shota, un niño de nuevo años, le ayuda a realizar tales actos. A pesar de que su actividad es ilegal, ellos se divierten haciéndolo. El filme tiene un fino y real humor negro. En una escena, Aki se enoja con los dos por no conseguir el shampoo que necesita para su cabello.

Cuando Osamu encuentra a una niña, llamada Yuri (Miyu Sasaki), en una situación precaria, acostada afuera de su casa y con mucha hambre decide llevársela; la familia primero se enoja y quieren regresar a Yuri a su hogar, pero descubren que los padres de ésta son violentos, por lo tanto deciden quedársela.

Así la familia crece, Yuri comienza a ser más feliz, ve a Shota como su hermano mayor y entre todos empieza una complicidad y un amor sincero por la niña. Sin embargo, la policía comienza la búsqueda de Yuri.

El filme es realista, ya que nos muestra la parte pobre de Japón. Las contradicciones de la película le dan una belleza fílmica y narrativa sin igual: la familia ve con normalidad el acto de robar pero también saben respetar y amar a sus seres queridos. Entre ellos son muy amorosos y se respetan tal como son.

Koreeda nos muestra un mundo bello, por momentos conmovedor, en otros de vergüenza, de suciedad, sabe transportar a la pantalla que en la vida no todo es blanco y negro sino con tintes grisáceos.

Al final la cinta da un giro inesperado, que sorprende, que refuerza más la ambigüedad del filme. Tiene tomas lentas, reflexivas, un guion ingenioso y una poesía visual bien delineada.

Con Shoplifters el director trata de responder ¿qué es un padre o madre?, y no lo responde, deja que nosotros como espectadores saquemos nuestras propias conclusiones.

 

 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


“Velvet Buzzsaw”, parodia y terror en el arte contemporáneo

La cinta Velvet Buzzsaw del director Dan Gilroy es una parodia sobre el arte contemporáneo y el elitismo que lo rodea, y lo combina con el terror y escenas sangrientas para mostrarnos un mundo bello por fuera y muerto por dentro.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Definir qué es el arte parece que sigue siendo una pregunta con muchas repuestas; no obstante, algo es seguro: no podemos existir sin él, sin esas formas tan diversas de interpretar o traducir la realidad, ya que es por medio del arte que podemos comprender mejor nuestro entorno.

Hay diversas formas de ver el arte, y una de ella es el elitismo que rodea a algunas obras u artistas. Existe gente que se cree privilegiada, como si sus ojos fueran los únicos que pueden ver y entender una pintura. Entre ellos están los millonarios coleccionistas, la galerías exclusivas, las casas de subastas y los críticos de arte; quienes se mueven en un mundo aparte donde su arte es su existencia.

Un mundo que deja vastas ganancias económicas; por ejemplo, la casa de subastas Sotheby’s vendió, el año pasado, 1 600 millones de dólares en obras de arte contemporáneo. Es decir, el arte es un negocio rentable, siempre y cuando sepas vender la obra y al artista, ya que el arte contemporáneo es tan complejo que puede ser una bella pintura o una extraña instalación de cubetas llenas de agua.

Esta sociedad exclusiva, egocéntrica, falsa y ambiciosa se refleja en la interesante cinta Velvet Buzzsaw, original de Netflix y dirigida por Dan Gilroy (quien realizó el obsesivo y buen filme Primicia Mortal).

En Velvet Buzzsaw dicho realizador vuelve a trabajar con Jake Gyllenhaal y Rene Russo, para llevarnos a una nueva trama sobre la obsesión y sus consecuencias;  aborda el tema del arte desde la visón de un despiadado y cínico crítico de arte, unas manipuladoras dueñas de una galería y los “ingenuos” artistas que sólo se dejan admirar.

Con esta cinta Dan Gilroy parodia ese mundo y se burla de sus obsesiones, sus estereotipos, sus absurdas ambiciones, su amargo elitismo; asimismo, se ríe del propio arte contemporáneo, ya que en la cinta unas bolsas de basuras o una persona muerta a lado de una instalación artística son confundidas como grandes y costosas obras de arte.

Pero lo atractivo del filme no sólo está en su agradable parodia, también en la combinación que hace con el género de terror, para así realizar una metáfora de ese mundo hermético y a veces sin sentido.

Morft Vandewalt (Jake Gyllenhaal) es un famoso crítico de arte, que al parecer siente placer en destruir carreras, es íntimo amigo de Rhodora Haze (Rene Russo) una poderosa mujer, dueña de una prestigiosa galería de arte.

A Rhodora no le importa lo que tenga qué hacer para conseguir ser la representante del artista de moda, y vender a precios exuberantes sus obras. Cuando su asistente, Joshepina (Zawe Ashton), una joven que sueña  ser como Rhodora, encuentra unas pinturas en el departamento de su vecino recién fallecido, descubre que las obras tienen una calidad inigualable.

El desconocido artista había pedido que al morir destruyeran todas sus obras, las cuales esconden un secreto aterrador. Sin embargo, tanto Joshepina y Rhodora no hacen caso y logran obtener las pinturas, ponerlas en su galería y  obtener grandes ganancias económicas.

Por su parte, Morft encuentra en estas siniestras pinturas una obra original, sin parangón, íntimas, y se obsesiona con ellas y comienza a investigar la vida del artista desconocido. Una vida tétrica y aparentemente malvada.

Así, las obras (que sí asombran por su diseño), tienen un ente maligno que poco a poco intentará matar a todos aquellos que no quisieron que las pinturas se destruyeran. Una metáfora de esas personas que se dicen amantes del arte (pero sin empatía hacia el otro),  y sólo ven a la obra y al artista como un fin económico.

La primera mitad de la cinta vemos la parodia en todo su esplendor, para después ser testigos de escenas de terror bien realizadas y muertes espeluznantes.

Sin ahondar mucho sobre qué es el arte (tal vez la gran falla de la cinta), el filme tiene agradables actuaciones y combina el humor negro con el terror. Girloy nos entrega una película interesante sobre el mundo elitista del arte,  ese que produce millones  de dólares y que pocos podemos apreciar.

 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


Seis películas para celebrar a las mujeres y la ciencia

El 11 de febrero se celebra el Día Internacional de la Mujer y la Niña en la Ciencia. Esta iniciativa promueve la visibilizar la labor de las científicas y fomentar estas vocaciones en las niñas para acortar la brecha de género que existe.

Te compartimos seis películas que tienen como protagonistas o personajes clave a grandes mujeres. Inspírate o velas con alguien para que cada vez más mujeres y niñas se interesen por las STEM (acrónimo de ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas en inglés).

Por Yida García @AstarothYida

Avatar 

Ubicada en un futuro distópico, los humanos están agotando los recursos del planeta y buscan una forma de sobrevivir, por lo que envían a grupos exploradores para encontrar nuevos mundos o sustento.

Un equipo encuentra una luna llamada Pandora con características similares a la Tierra y con un mineral de gran valor; sin embargo, este lugar ya está habitado por seres parecidos a los humanos de color azul, y la flota humana planea aniquilarlos para llevar a cabo sus ambiciosos planes.

En esta película la presencia de una científica, la Dra. Grace Agustin, juega un papel importante en la toma de decisiones del protagonista, ya que ella había llegado a Pandora muchos años antes que el capitán de la flota e interactuado con los nativos del lugar, y gracias a sus conocimientos consigue consigue evitar una guerra de exterminio.

Productora:

20th Century Fox

Director:

James Cameron

Reparto:

  • Sigourney Weaver
  • Stephen Lang
  • Sam Worthington
  • Zoe Saldaña
  • Michelle Rodriguez

IMBd: 7.8/10
Rotten Tomatoes: 82%

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Madame Curie (1943)

En esta lista no podría faltar la emblemática científica, ganadora de dos premios Nobel, Marie Curie.

Esta película nos lleva de la mano para conocer cómo fueron los primeros pasos de esta gran mujer, cómo se enamora de su esposo, y el descubrimiento de una extraña energía en una roca mientras realizaba sus estudios de doctorado, que la llevaron a ella y a su esposo al primer premio Nobel por el aislamiento de un nuevo elemento: el radio.

Fue nominada en 7 categorias al Oscar y aunque no ganó, es una película inspiradora según el American Film Institute.

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer

Director: Mervyn LeRoy

Reparto:

  • Geer Garson
  • Walter Pidgeon
  • Henry Travers
  • Albert Basserman
  • Robert Walker

IMBd: 7.2/10
Rotten Tomatoes 83%

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Yo, Robot

Esta historia, original de la mente de Isaac Asimov, nos muestra un futuro en el que robots y humanos conviven de manera cotidiana, en una relación de esclavos (robots) y amos.

Tanto en la película como en los libros, la Dra. Susan Calvin, robopsicóloga en US Robots and Mechanical Men, Inc. Mujer, es un personaje destacado por su valentía y fortaleza, de ideales inquebrantables, quien acompaña al detective en busca de la verdad sobre un asesinato cometido en la historia.

Este personaje es considerada la mayor fabricante de robots del siglo XXI.

Productora: Davis entertainment

Director: Alex Proyas

Reparto:

  • Will Smith
  • Bridget  Moynaham
  • Bruce Green Wood

IMBd: 7.2

Rotten Tomatoes: 83%

Talentos Ocultos

Basada en hechos reales, esta película cuenta la historia de tres mujeres científicas: Katherine G. Johnson, matemática y científica afroamericana, quien logró resolver y hacer cálculos precisos que hicieron de John Glenn el primer hombre en orbitar la Tierra, y que además trabajó en el lanzamiento del Apolo 11 y 13;  Dorothy Vaughan, matemática afroamericana, la primera supervisora y manager de color en la NASA, y Mary Jackson, ingeniera aeroespacial, quien fue una gran líder al interior de la agencia espacial, e impulsó de manera activa en la contratación de personal femenino en el organismo.

Productora: 20th Century Fox

Director: Theodore Melfi

Reparto:

  • Taraji P. Henson
  • Octavia Spencer
  • Janelie Monse
  • Kevin Costner
  • Jim Parsons

IMBd 7.8/10

Rotten Tomatoes 93%

Código Enigma

Esta historia se centra en la Segunda Guerra mundial, en la que un grupo de científicos matemáticos intentan descifrar Enigma, un código de comunicación nazi encriptado, para acabar así con el conflicto bélico, pues de esa forma podrían anticipar todos los movimientos del enemigo.

Entre los expertos se encuentra Joan Clarke, criptoanalista y numismática inglesa, quien por su destacada labor se hizo acreedora a varios premios y ser nombrada miembro de la Orden del imperio británico.

Según el periodista Joe Millar, está película ayudó a que Clarke quedara inmortalizada. Una mujer que triunfó en una época donde la inteligencia no era ni bien vista ni valorada en las mujeres.

Productora: Black Bear Pictures

Director: Morten Tyldum

Reparto:

  • Keira Knightley
  • Benedict Cumberbatch
  • Matthew Goode
  • Rory Kinnear

IMBd: 8/10

Rotten Tomatoes 90%

Ágora

Para finalizar te recomendamos la película acerca de la primera mujer matemática: Hypatia de Alexandria.

Hypatia fue una filósofa y profesora en el antiguo Egipto, encargada también de cuidar una biblioteca de Alejandría, legendaria por su vasto conocimiento almacenado.

En la misma época durante la cual el cristianismo se abría paso de manera violenta en el pueblo, Hypatia y otros investigadores descubrían indicios que refutaban el geocentrismo, lo que generó conflictos con el crecimiento fanatismo en la zona.

A pesar de la destrucción que vivió en su momento, el nombre de Hypatia ha llegado hasta nuestros días, y ha quedado grabado en la historia como una de las primeras mujeres de ciencia.

Productora: Telecinco cinema

Director: Alejandro Amenábar

Reparto:

  • Rachel Weisz
  • Max Minghelia
  • Óscar Isaac
  • Aishraf Barhom
  • Rupert Evans

IMBd 7.2/10

Rotten Tomatoes 53%

¿Qué otra película agregarías a la lista?


A “Green Book” le falta malicia

Green Book: una amistad sin fronteras es una cinta ambientada en los años 60 donde un hombre italiano-estadounidense será el chofer de un talentoso pianista afroamericano, quien comenzará una gira por el sur de los Estados Unidos, en una comunidad extremadamente racista.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

En los años 60, Estados Unidos era un país intensamente racista. Por ejemplo, existía un tipo de mapa turístico para los afroamericanos llamado Green Book, el cual detallaba los restaurantes u hoteles del sur de dicho país donde los negros se podían quedar. Varios de estos lugares eran unos establecimientos deplorables. Existía una segregación racial vergonzosa.

Actualmente, las cosas han cambiado, pero no del todo, Estados Unidos sigue siendo un país racista. Sólo vean las noticias de lo que pasa allá y parece que diario hay un acto de odio contra los negros, latinos o musulmanes. Y aunque ya tuvieron al primer presidente negro en su historia, Barak Obama, ahora (como si fuera un cruel sarcasmo de la vida) tienen a uno de los presidente más racistas de su historia, Donald Trump.

Por tal motivo, cualquier película que aborde el tema de la segregación racial es importante, ya que de esa forma la cinta invita a la reflexión, análisis, debate y así se den cada día más avances significativos en la erradicación de un tema que nos afecta mundialmente, el racismo.

La cinta Green Book, del director Peter Farrelly, tiene como tema principal el racismo,  con un mensaje positivo e inclusivo, pero con una trama predecible y algo engañosa.

No es un filme propositivo, ni ingenioso, y tiene como anécdota que el problema acabó en los años 60 y que ahora es diferente; es decir, Green Book, no utiliza complejidades o contradicciones de la vida, usa una narrativa simplista y  estereotipos algo manipuladores para contar su argumento.

Tony Lip (Viggo Mortensen) es un italiano-estadounidense, un hombre fuerte, malhablado, casado y con dos hijos, que trabaja como cadenero y seguridad en un centro nocturno. Cuando cierran el lugar, se ve en la necesidad de buscar empleo y consigue una entrevista para ser el chofer de una talentoso pianista negro, Don Shirley (Mahershala Ali).

Don Shirley es un tipo excéntrico, le gustan los lujos, la música clásica,  vestir y hablar bien. Todo lo contrario de Tony; pero bueno, desde el título que le pusieron en español a la cinta nos dan un gran spoiler: Green Book: una amistad sin fronteras. Adivinaron, estos dos personajes totalmente diferentes se hacen amigos.

La disquera de Shirley quiere que él haga una gira por el sur de los Estados Unidos, por eso contratan a Tony un tipo que si es necesario puede usar la fuerza para defenderlo. Antes de partir, los agentes de Shirley le dan a Tony el Green Book, para que sepa donde puede hospedarse el artista negro.

El filme, con elementos de road movie, nos llevará a la travesía de estos dos personajes. Shirley toca en los sitios más exclusivos donde todos los asistentes son  blancos, pero se tiene que hospedar en lugares casi inhóspitos.

Green Book tiene buenas intenciones, es una cinta entretenida, pero su falta de malicia, la hace predecible, llena de lugares comunes, aborda el tema del racismo de una manera simplista; su objetivo es ser una obra positiva y eso le quita rigor al tema y finaliza con un mensaje engañoso.

No obstante, repito, bienvenidas estas películas, y que se abra más el debate y la reflexión sobre el racismo.

 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.

 


Cinco películas para disfrutar del cine y la radio

El 13 de febrero celebramos el Día Mundial de la Radio, que se ha integrado a internet a través de trasmisiones en vivo y podcast. La fecha se escogió en 2013, en la Asamblea General de la Organización de las Naciones Unidas, donde se destacó que la radio es un gran medio para contrarrestar los llamados a la violencia en regiones inestables del mundo.

Reunimos varias películas que tienen como elemento este medio de comunicación; algunas solo como anécdota, otras con un peso más específico, pero es la excusa perfecta para ver buen cine. Que las disfrutes.

Por Israel Bernardo Moreno @UnGatoEnElCine

Guerra de los mundos (2005)

Basada en la novela de H. G.  Wells publicada en 1895, esta película trata sobre Ray Ferrier, un estadounidense que cuida a sus hijos: Rachel y Robbie, mientras su ex esposa Mary Ann va a visitar a sus padres a Boston. Todo cambia cuando se avecina una invasión extraterrestre y tienen que escapar a toda costa, con la meta de reunirse con Mary Ann.

Esta historia se hizo famosa a través de la radio, pues en 1938 se hizo una transmisión de radio igual basada en dicha novela, realizada por el famoso director de cine Orson Welles, que generó pánico entre los escuchas que pensaban que la invasión era real, pues se trató de un ejercicio creativo inédito hasta ese momento.

Volviendo al filme, se trata de una buena película con grandes efectos especiales, que destacan bien en conjunto con las actuaciones de Tom Cruise y Dakota Fanning. Además, tiene interesantes escenas de acción, lo que actualizó la historia clásica, para darle un ambiente moderno sobre lo que podría suceder en caso de una invasión extraterrestre.

Productoras: Paramount Pictures, DreamWorks y  Amblin Entertainment

Director: Steven Spielberg

Reparto Principal:

  • Tom Cruise
  • Dakota Fanning
  • Justin Chatwin
  • Miranda Otto
  • Morgan Freeman

Calificaciones

6.5/10 (IMDb)

75% (Rotten Tomatoes)

El discurso del Rey (2010)

Esta cinta de época nos narra la historia del duque George de York, Gran Bretaña, quien, para vencer la tartamudez, acude al fonoaudiólogo australiano Lionel Logue. Mientras atiende su problema, su amistad crece; por eso, cuando Eduardo VIII abdica el trono y George es nombrado rey, éste se apoya en Logue para que lo ayude a realizar la transmisión de radio sobre la declaración de guerra a Alemania en 1939.

El Discurso del Rey es divertida y entretenida, con una gran producción por todos los poros. Cuadran perfectamente aquí la comedia inteligente de buen gusto, el drama y, la realidad ofrecida a través de su parte de historia. De espectaculares interpretaciones, destaca la ofrecida por Colin Firth, quien da vida a Jorge VI. Su perfecta tartamudez será prácticamente imposible de superar.

Productoras: UK Film Council, See-Saw Films y Bedlam Productions.

Director: Tom Hoper.

Reparto Principal:

  • Colin Firth
  • Geoffrey Rush
  • Helena Bonham Carter

Calificaciones

8.0/10 (IMDb)

94% (Rotten Tomatoes)

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Días de Radio (1987)

Esta película, narrada por Woody Allen, se centra en las aventuras de un niño que descubre la música a través de la radio, y se convierte en su pasión. Esta película tiene una gran banda sonora.

En los años que van de 1937 a 1944, este filme tiene grandes momentos históricos; por ejemplo, la famosa transmisión radial de “La guerra de los mundos”, que ya mencionamos. La historia se disfruta por los detalles, desde la ropa a la decoración, de aquellos anuncios luminosos de neón hasta la ambientación del club nocturno donde Sally White (Mia Farrow), quien a pesar de su simpleza, salta bruscamente de vendedora de cigarros a estrella de la radio en su época.

Productora: Orion Pictures.

Director: Woody Allen

Reparto Principal:

  • Hy Anzell, Seth Green
  • Sydney Blake, Danny Aiello
  • Gina DeAngelis
  • Woody Allen

Calificaciones

7.6/10 (IMDb)

88% (Rotten Tomatoes)

Good Morning, Vietnam (1987)

 

Durante la Guerra de Vietnam, Adrian Cronauer, un programador de música de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, llega a Saigón, la capital del país en disputa, para entretener a los soldados desplegados en la zona.

Al principio todo va bien, pero poco a poco los jefes se darán cuenta de que sus comentarios acerca de la guerra no son “políticamente correctos”. Por tanto, deciden enviarlo de nuevo a su casa, mientras que colocan sucesores que no gustan tanto como él. Los soldados le piden que vuelva, sin saber por qué fue expulsado.

Good Morning, Vietnam es una película ligera, hecha para lucimiento de Robin Williams (cómo lo extrañamos), quien logró uno de los mejores papeles de su vida, interpretando a Adrian Cronauer, quien critica de forma genial el conservadurismo militar.

Productora: Touchstone Pictures

Director: Barry Levinson.

  • Reparto Principal:
  • Robin Williams
  • Forest Whitaker
  • Tung Than Tran
  • J.T. Walsh
  • Noble Willingham

Calificaciones:

7.3/10 (IMDb)

90% (Rotten Tomatoes)

Partes privadas (1997)

En este filme, Howard Stern, está enfermo de afasia, un trastorno del lenguaje que impide comunicarse adecuadamente mediante habla, escritura o mímica, y generalmente se debe a lesiones cerebrales. Pero a pesar de ello, logra convertirse estrella de la televisión y de la radio de los Estados Unidos.

Esta película es muy, pero muy entretenida, y tiene muchos cameos memorables (Slash, AC/DC, Ozzy Osbourne, entre otros grandes músicos). Una de esas películas que tienes que ver si te gusta el rock.

Productora: Paramount Pictures.

Director: Betty Thomas.

Reparto Principal:

  • Howard Stern
  • Robin Quivers
  • Carla Gugino
  • Joel Fabiani
  • Luis Guzmán

Calificaciones:

6.8/10 (IMDb)

77% (Rotten Tomatoes)

¿Qué otra película crees que hace falta a esta lista?


“La Favorita”, la crueldad en la realeza

La favorita, del director griego Yorgos Lanthimos, es una cinta ambientada en el siglo XVIII, y narra la vida de la reina de Inglaterra, Ana Estuardo y su relación íntima con Lady Sarah y Abigail, dos mujeres que lucharán por ser la preferida de la monarca. Una obra sobre la crueldad  humana.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

La crueldad humana, la envidia, la venganza, el poder son temas recurrentes en el cine del director griego Yorgos Lanthimos, uno de los cineastas contemporáneos más sobresalientes; por sus obras atrevidas, surrealistas, y su fotografía novedosa y arriesgada, además de su fino humor negro.

Su cine evoca a la tragedia, a la crudeza del ser humano, para ejemplo las dos cintas que lo pusieron en el panorama mundial La Langosta (2014) y El sacrificio de un ciervo sagrado (2017), donde por medio de tomas algo distorsionadas nos lleva a mundos surrealista, cerrados e íntimos y así mostrarnos las imperfecciones y contradicciones del ser humano.

Este director ahora presenta La favorita, quizá su cinta con la trama más sencilla (tal vez por eso ahora sí esté nominada a varios premios de la Academia estadounidense); pero no por sencilla deja de tener esa calidad cinematográfica de Lanthimos, al contrario, esta cinta, basada en un hecho real, es una buena propuesta sobre el subgénero de reyes y reinas.

La cinta esta ambienta en la Inglaterra del siglo XVIII , durante el reinado de Anna Estuardo, (interpretada excepcionalmente por Olivia Colman), una reina que tiene problemas físicos, cambios brutales de ánimo y que ha perdido 17 hijos. Su confidente es Lady Sarah (gran trabajo de Rachel Weiz), quien la cuida, la entretiene y llega a decidir por la Reina cuestiones de Estado.

El filme nos lleva a una Inglaterra en guerra con Francia, por lo que la corte real está impaciente por las decisiones que tome la Reina, siempre aconsejada por Lady Sarah.

Cuando llega Abigail (también buena interpretación de Emma Stone), prima de Lady Sarah, comienza una guerra interna entre estas dos mujeres por ser la favorita de la Reina, lo que provocará un desenlace cruel y metafórico.

Aunque está basada en hechos reales, Yorgos Lanthimos no intenta hacer un reflejo exacto de ese tiempo ni de lo que pasó, sino mostrar por medio de las características de su cine un mundo aparte, con sus propias reglas, en este caso una corte real, tan hermética, cínica, absurda; como si no existiera nada más que la corte, su Reina y sus dos jóvenes amigas.

Para eso de nuevo Yorgos utiliza su inconfundible humor negro, su brillante planeación y exactitud en cada toma, su riqueza para dirigir a actores y lograr que estos tengan una amplia gama de contrastes, sus diálogos precisos e ingeniosos, sus tomas cerradas, pero sobre todo, el uso de un lente gran angular (que ha usado en la mayoría de sus películas) para distorsionar lo que vemos, mostrarnos otra realidad, una visión surrealista de la corte, a esto hay que agregarle tomas nada convencionales que refuerzan ese estado de que estamos en un mundo aparte y cerrado.

Es la primera película de este director griego  donde aborda el tema de los reyes y reinas y la corte real, y lo hace burlándose de la pomposidad que fueron esos lugares, de lo absurdo de la monarquía, con un ritmo ágil y con escenas que en todo momento te cuentan algo; La favorita rompe los convencionalismos de su género y nos muestra una atractiva tragedia sobre la crueldad del ser humano.

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.