“Ana y Bruno”, una cinta animada sincera y necesaria

Ana y Bruno, el primer largometraje animado del director mexicano Carlos Carrera, es una bella cinta que se sale de los convencionalismos de las películas infantiles, para mostrarnos un argumento sincero sobre las enfermedades mentales, la soledad y el duelo. Un filme necesario para el público infantil y adulto.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Ana y Bruno es  una cinta necesaria para todo el público (infantil y adulto), un filme animado atrevido y honesto, que habla con una brutal sinceridad.

Un largometraje que aborda temas para la reflexión, el debate y el entendimiento de las enfermedades mentales y el duelo ante una pérdida; y lo hace con unos personajes entrañables y maravillosos.

Quizá estoy alabando en demasía a la cinta, pero no creo que sea exageración comentar las virtudes de un trabajo que, me atrevo a decir, se convertirá en un antes y después en la animación mexicana, no sólo por su aporte visual (el cual contiene detalles finos ), sino también por el guion: un argumento que aporta y abre la “puerta” a discusiones que tanto los niños como los adultos deben pensar, entender y meditar. Aboga por no dar la espalda a problemas cotidianos de la vida, que muchos quieren evitar.

Una cinta sombría pero a la vez bella, lúdica por momentos, melancólica en ocasiones, dramáticamente exacta sin caer en superficialidades que sólo buscan provocar el sentimentalismo barato. Ana y Bruno tiene una complejidad hermosa y unas metáforas bien llevadas, y no trata a su público infantil como personas que no pueden comprender y sobreponerse a las amarguras que nos ocasiona la vida. Por eso su menaje es positivo.

Dirigida por uno de los mejores directores mexicanos de la actualidad, Carlos Carrera, quien ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1994 por su contundente y feroz cortometraje animado El héroe, un inolvidable corto sobre un hombre que intenta salvar a alguien que se quiere suicidar en el metro; pero al final, da un giro inesperadamente demoledor y real.

En ese trabajo, Carrera nos mostraba una animación taciturna y unos personajes con un semblante gris. Con Ana y Bruno hace lo mismo, nos vuelve a enseñar esas caras tristes y desesperadas, y otra vez nos lleva a un giro argumental arrollador y esclarecedor.

Una familia, el padre, la madre y su hija Ana, al parecer, se dirigen a un hotel a vacacionar. Cuando llegan, el padre se tiene que ir, tal vez por cuestiones de trabajo. Ana le grita que no se vaya, pero no logra detenerlo.

Poco a poco la cinta nos muestra que el lugar en realidad es un manicomio, donde Ana encontrará a los seres imaginarios de los pacientes del lugar, los cuales  son los miedos de cada uno.

Así, conoce a un pequeño duende llamado Bruno, que desde un principio se convertirá en el cómplice de las aventuras que emprenderá Ana para ayudar a su madre y padre.

Además de ese diminuto personaje verde, está una mujer elefante egocéntrica y vanidosa, enamorada y obsesionada por Bruno; un retrete que escupe agua; una maquina hecha de relojes, una metáfora sobre el temor al tiempo; un borracho impertinente; una mano gigante,  entre otros seres de un mundo fuera de la “realidad”.

El manicomio está bajo el mando de un doctor que no muestra ninguna simpatía hacia sus pacientes, para él ellos no tienen solución y lo único que hace es darles electrochoques; asimismo, hay dos burlonas enfermeras que se ríen sin un mínimo de pudor de los enfermos; una fuerte crítica ante el rechazo de la sociedad por las enfermedades mentales. Ante eso la película logra sensibilizar al espectador.

Para ayudar a su madre (quien se encuentra encerrada en dicho lugar), Ana tiene que viajar a su pueblo natal para encontrar a su padre; en esa travesía la acompañan, además de Bruno, todos esos seres mágicos del lugar. Viajan arriba de un tren, y en una estación la niña conoce a un niño ciego y huérfano que la llevará a la casa de su padre. En ese viaje veremos momentos graciosos y diálogos profundos e irrisorios.

De esa forma, la cinta juega con las contradicciones de la vida: lo alegre, triste, sombrío y divertido; por eso es sincera, no es la clásica cinta infantil donde el mensaje es una vida irreal donde todo es felicidad. De ahí la mayor virtud del trabajo de Carrera: su franqueza al no tratar al público “con pinzas” sobre temas como la locura y el duelo; al contrario nos invita a pensar,  buscar y dar respuestas a dichos problemas.

Por mencionar una bendita casualidad en mi vida, cuando se estrenó  nació mi sobrino, hijo de mi hermano menor. Desde que mi cuñada estaba embarazada decidieron que su nombre sería Bruno. Al ver la cinta, no pude dejar de imaginar la vida que le espera a mi sobrino y que cuando tuviera la edad necesaria le pondría esta película y entre los dos nos explicaríamos muchas cosas.

 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


La edición número 22 del Tour de Cine Francés llega a México

El Tour de Cine Francés es una muestra itinerante que presenta la mejor selección de cine francés contemporáneo en todos los estados de República Mexicana del 7 de septiembre al 18 de octubre.

Fundada por Nueva Era Films, Cinépolis, la Embajada de Francia en México y la Federación de Alianzas Francesas, esta muestra tiene el propósito de promover el cine francés, y crear un nuevo público cinematográfico ávido por la cultura y el lenguaje galo.

Creado en 1997, el Tour tiene en su haber más de 160 filmes proyectados a lo largo de sus más de 20 años de vida y se ha convertido en una tradición anual dentro de la agenda cinematográfica de México, siendo el festival de cine itinerante más grande y con mayor proyección en nuestro país.

Cada película se presenta durante dos y tres semanas en cada una de las ciudades que forman parte de su amplio circuito de exhibición.

La presente edición, contará con 7 películas francesas acompañadas por 17 cortometrajes producidos por el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) que serán proyectados de forma alternada previo a cada función. Cabe recordar que desde 2005, el Tour de Cine Francés otorga el premio La Palmita como reconocimiento al mejor cortometraje mexicano dentro de los que participan en cada edición de esta muestra. El jurado del premio está constituido por directores, críticos y distribuidores. La Palmita se ha convertido en un importante impulso a nivel nacional que permite al proyecto elegido darse a conocer. El ganador de La Palmita, será galardonado con un viaje al Festival Internacional de Cortometrajes de Clermont-Ferrand (Francia) a realizarse en febrero 2019.

Las películas que conforman esta 22 edición del Tour incluyen al melodrama Cara de Ángel (Gueule d’ange, 2018) de la cineasta Vanessa Filho, estelarizado por Marion Cotillard quien da vida a Marlène, una mujer joven e impetuosa que vive con Elli, su hija de ocho años, a la cual decide abandonar de forma repentina por un hombre al que conoce durante una noche de excesos. Elli deberá entonces valerse por sí misma para sobrevivir. Una historia conmovedora sobre la relación truncada entre una madre y su hija.

La dupla conformada por el cineasta Laurent Tirard y el actor Jean Dujardin vuelven a hacer acto de presencia (esta vez acompañándose de la actriz Mélanie Laurent) con la comedia El regreso del héroe (Le retour du héros, 2018), la cual transcurre en la Francia de principios del siglo XIX y se centra en el capitán Neuville quien es llamado a luchar en el frente, dejando atrás a su prometida con el corazón roto. Elisabeth, su hermana, decide aliviar su pena escribiéndole secretamente cartas a nombre del Capitán creando un personaje de opereta. La situación se complica cuando él regresa inesperadamente.

De la mano del cineasta Édouard Deluc nos acercamos a la figura del pintor Paul Gauguin a través de la cinta biográfica Gauguin, Viaje a Tahití (Gauguin – Voyage de Tahiti, 2017), la cual se enfoca en el momento en que el artista, en busca nuevas motivaciones y escenarios para su pintura, decide exiliarse en Tahití y alejarse así de los códigos morales, políticos y estéticos de la Europa civilizada. Absorto en su vida de hombre libre y desafiando a la soledad, la pobreza y la enfermedad, conoce a Tehura, quien se convertiría en su mujer y modelo de sus mejores cuadros. Gauguin es interpretado por el reconocido actor Vincent Cassel.

Cassel también participa en el filme de suspenso Sin dejar huella  (Fleuve noir, 2018) de Erick Zonca, al lado de Romain Duris y Sandrine Kiberlain, encarnando al comandante François Visconti, un atormentado policía con problemas de alcoholismo, quien está a cargo del caso de un adolescente que desapareció sin dejar rastro alguno. Durante la investigación, Visconti se enfrenta con Yan Bellaile, un maestro del niño desaparecido que vive en el mismo edificio y se muestra extrañamente ansioso por ayudar en la investigación.

Otro cineasta que vuelve a participar en el Tour es Philippe Le Guay con Normandía al desnudo  (Normandie nue, 2018). El filme trata sobre un pequeño pueblo de esa región de Francia en la que los ganaderos están en crisis. Georges Balbuzard, el carismático alcalde de la comunidad, asume la misión de salvarlos. Para ello, tratará de convencer a los habitantes del pueblo de posar desnudos ante la cámara del famoso fotógrafo norteamericano Blake Newman, quien por casualidad se encuentra en el lugar, algo que no será fácil de conseguir.

El actor Franck Dubosc escribe y dirige su primer largometraje Rodanco hacía ti  (Tout le monde debout, 2018), comedia en la cual encarna a Jocelyn, un exitoso hombre de negocios, un conquistador incorregible y un mentiroso patológico. Harto de sí mismo, intenta seducir a una hermosa joven haciéndose pasar por parapléjico, pero su plan dará un giro inesperado cuando ésta le presente a su hermana Florence quien utiliza una silla de ruedas.

Stéphan Archinard y François Prévôt-Leygonie dirigen Señor sabelotodo  (Monsieur je-sais-tout, 2018) en la que el personaje central es Vincent Barteau, un entrenador de futbol de 35 años que disfruta plenamente de su trabajo y sobre todo de su soltería. Su vida cotidiana da un vuelco cuando tiene que encargarse de su sobrino Léo, un niño de 13 años que tiene síndrome de Asperger. Un emotivo encuentro que alterará la vida de ambos personajes ofreciéndoles nuevas oportunidades en la vida.

El Tour de Cine Francés tendrá presencia en 73 ciudades en la República Mexicana a partir del mes de septiembre. Iniciará en la Ciudad de México y estará presente en Xalapa, Hermosillo, Saltillo, Cancún, Puerto Vallarta, Oaxaca, Puebla, Michoacán, Guadalajara, Monterrey, Acapulco y Veracruz, entre otras ciudades. Además, el Tour se replica desde hace 16 años en 6 países de Centroamérica y este 2018 estará presente por primera vez en Argentina y Chile.

Los 17 cortometrajes del IMCINE que competirán por el premio La Palmita de este año son:

BOMBONES de Salvador Plancarte
Giyi ha crecido toda su vida rodeada de bombones, los roba, colecciona, consuela y huele, pero nunca compra, hasta que su destino se escapa en un bombón.

CARRIZOS de Dinazar Urbina Mata
En el campo mixteco de Oaxaca vive Carmen con sus abuelos. Una sequía amenaza la milpa de la familia y Carmen busca la manera de hacer llover.

DIONISIO JUGLAR de José Luis Fernández Ojeda
Dionisio hace shows en pueblos destrozados. Su llegada trae paz a aquellos que sufren la guerra, finalmente él también quedará atrapado en la violencia.
EL FUTURO de Ernesto Martínez Bucio
Madre e hijo conducen a las afueras de la ciudad. La policía ha encontrado unos cuerpos. Uno de ellos podría ser Javier, su hijo, su hermano.

FRANCO de Mariana Martínez Gómez
Franco y Roberto, fotoperiodistas con diferentes perspectivas, atestiguan la violenta represión de un joven en un evento político. Franco fotografía el suceso pero la seguridad del candidato lo descubre. Roberto tendrá en sus manos la posibilidad de salvar la vida de su amigo a costa de su propia seguridad.

GINA de David “Diómedes” Heras
Gina es un niña que nació con botarga de gallina, su sueño es bailar son jarocho, pero el traje representa un impedimento. Con ayuda de Regina (su mamá), harán todo lo posible para hacer ese sueño una realidad.

HORAS ROCA de Sandra Reynoso Estrada
Elena ha sufrido un accidente y Anselmo se ve obligado a cuidarla. En este indeseado encuentro, las horas los orillan a transformar su relación padre e hija.

LA HUELLA de Carlos Andrade Montemayor
El rastreador busca, husmea, investiga pero sobre todo rastrea. Siguen la huella de la bestia que va dejando a su paso un rastro de sangre y muerte.

LOS AUSENTES de José Lomas Hervert
Con solo tres sones en su repertorio, el trío de huapangueros de Rafaelito de 7 años, debe enfrentar su primer obstáculo en su corta carrera, amenizar un velorio en una comunidad de la huasteca potosina.

LOS PEDAZOS DEL TIEMPO de Elena García
Amelia llega al hospital, su padre está muriendo. La frustración y el dolor la mantienen de pie.

NAHUALLI de Iván Salcedo “Maracho”
Toda forma de vida necesita de un cuerpo, un sonido o imagen para existir en nuestra realidad humana. Nahualli existe porque hay quien cree en ella o él, y es gracias a dichas creencias que ellos son eficaces.

NEPENTHE de Rosalba García Gomeztagle
Nepenthe es una niña caníbal que se ha quedado huérfana y sin comida. Entonces decide aventurarse a la civilización para ir a cazar un niño. Pero en su soledad entabla una amistad que podría costarle la vida.

OASIS de Alejandro Zuno
Ofelia acude al Oasis, una cantina de ligue entre hombres, para buscar a su marido. Esa noche no sólo encontrará aflicción, también hallará consuelo en una inesperada compañía.

PIEDRA DE CABALLO de Cynthia Fernández Trejo
Matilde, una niña víctima de una enfermedad terminal, buscará la piedra que le permita cumplir la fantasía de convertirse en caballo y, quizá, hasta engañar a la muerte.
PRIMAVERA de Rafael Ruiz Espejo
Fernando se siente atraído por su mejor amigo. Se escapan juntos de la prepa para ir a acampar al bosque.

PRIMOS de Federico Gutiérrez Obeso
Primos en una historia de opuestos protagonizada por primates fantásticos. Es un cuento animado que muestra un mismo lugar bajo dos visiones. Materia y espíritu se amalgaman para transformar la naturaleza de estos primates.

SI ME ENTERO QUE ALGÚN DÍA SUFRES REGRESARÉ POR TI de Crispo Zaragoza
Después de 15 años de espera el prometido de Rebeca al fin regresa para casarse con ella, es durante la cercanía de la boda que Rebeca descubrirá lo que la ha mantenido en un pueblo donde no puede estar.

CIRCUITO DE EXHIBICIÓN

El Tour de Cine Francés es presentado por Sala de Arte de Cinépolis y además de exhibirse en sus 25 salas de todo el país, está programado en más de 100 complejos donde año con año se dan cita miles de espectadores para ver las películas del Tour; sólo en 2017 tuvimos 289,477 asistentes dentro del circuito Cinépolis.

Este año, se integran al circuito Cinépolis del Tour de Cine Francés 13 cines nuevos con los que sumamos un total de 147 conjuntos en 70 ciudades de la República Mexicana, en las que las películas del Tour se exhibirán 2 y 3 semanas.

Además, se encuentra disponible un CINEBONO que consta de 4 boletos en complejos tradicionales o 2 boletos en complejos VIP con un costo de $160 pesos. Este cinebono es canjeable en las taquillas de los conjuntos participantes o en www.cinepolis.com.

 


“Apóyate en mí”, gran drama sobre la orfandad

La cinta Apóyate en mí no es un drama cualquiera, es una película que muestra que no es necesario recurrir a herramientas narrativas exageradas para mostrarnos e identificarnos con la realidad de la orfandad y el luto.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Charley (Charlie Plummer), un joven de 15 años que vive con su padre en una situación casi de pobreza y que fue abandonado por su madre cuando era un bebé, corre por las calles de Portland; así el filme Apóyate en mí (Lean on Pete) anuncia desde el inicio lo que veremos: a un chico que no se detendrá.

El filme, dirigido por el inglés Andrew Haigh, y basado en la novela homónima de Willy Vlautin, es el claro ejemplo de un drama que no cae en cursilerías banales, secuencias exageradamente dramáticas o situaciones de crueldad abrumadoras. Al contrario, es una película que mantiene su argumento verosímil, sincero y real.

Una cinta que nos lleva por el camino de la orfandad, soledad y desesperación ante la muerte de un ser querido. Un trabajo, con un guion agradable y buen ritmo, que muestra contrastes y metáforas para llevarnos al camino de un joven que está atrapado por las circunstancias que lo llevaron a no tener casa.

Cuando Charley estaba, como cualquier otro día, corriendo, un cuidador y corredor de caballos, Del (Steve Buscemi), le pide ayuda para  cambiar la llanta de su camioneta. Así, el joven consigue trabajo, ayudándole a Del a limpiar los establos, cuidar a los animales y alimentarlos.

Le toma especial cariño a Lean on Pete, un caballo que está un poco mal de su pierna y por tal motivo tiene que irse. Ahí conoce a la yóquey, Bonnie (Chloe Sevigny), quien le dice que no se encariñe con el animal, ya que sólo sirve para correr, y correr es lo que sabe hacer Charley.

El conflicto aparece cuando muere el padre de Charley, debido a los golpes que recibió de un tipo desconocido. El joven, en un acto de desesperación, se roba a Lean on Pete y comienza un viaje en busca de la hermana de su padre. En esa travesía se encontrará con diversos personajes que le demostrarán la amabilidad de la gente y la rudeza y el odio de ésta (la cinta es clara en sus contrastes).

El trayecto de Charley y el caballo, es por momentos agradable, tormentoso, de desasosiego; la cinta nos hace acompañar a estos dos viajeros y mostrarnos un rudo “espejo” de la soledad: camina por grandes y amplios lugares pero habla y le cuenta sus más íntimos sentimientos a alguien que no le entiende.

Los personajes que se encuentra en el camino van hilando un drama auténtico y mostrando las vicisitudes que Charley tiene que pasar: conoce a dos granjeros ex militares, un abuelo y su nieta con sobrepeso, quien se “avienta” un diálogo que bien puede resumir a la película: “no tener a donde ir es como estar atrapado”; y a dos vagabundos con problemas de alcohol.

No pierdan de vista al protagonista de la cinta, Charlie Plumer, quien realiza un trabajo destacado, llevándonos con gran facilidad por sentimientos alegres y lúgubres; gran futuro tiene este joven actor.

Apóyate en mí no es un drama cualquiera, es una película bien hecha que muestra que no es necesario recurrir a herramientas narrativas exageradas para mostrarnos e identificarnos con la realidad de la orfandad y el luto.

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


“Mi ex es un espía”, la comedia de Mila y Kate

Protagonizada por dos grandes actrices cómicas, Mila Kunis y Kate McKinnnon, Mi ex es un espía es una parodia a las cintas de espionaje y de acción.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

La combinación de Mila Kunis con Kate McKinnon en una comedia sonaba más que interesante, ya que las dos han demostrado su calidad como actrices cómicas; Mila en la serie That ´70 show, donde interpretaba a una odiosa y mimada adolescente; Kate es la figura principal del programa Saturday Night Live.

Afortunadamente en la cinta Mi ex es un espía las dos demuestran que la comedia es cosa sería y realizan un trabajo que rescata a la película y la llenan de momentos hilarantes gracias a su capacidad para hacernos reír.

Audrey (Mila Kunis) es una chica que está festejando su cumpleaños número 30, la acompaña su inseparable y excéntrica amiga Morgan (Kate McKinnnon); en la celebración todos le preguntan a la festejada por su novio, Drew (Justin Theroux); sin embargo éste había terminado la relación con Audrey enviándoles un mensaje de texto.

Drew es una agente secreto de la CIA, que escondió algo importante en el departamento de Audrey y Morgan. Cuando una organización delictiva busca tal artefacto las dos chicas se involucran en un mundo de espías y asesinos. Se convierten sin quererlo en dos agentes que no saben quién es el bueno o el malo.

Las dos viajaran por varios países de Europa para encontrar la solución a sus problemas, ya que las quieren matar.

Como si fuera una cinta de acción, tanto a Audrey como Morgan todo les sale bien: escapan de un tiroteo, se libran de una persecución de carros, y pelean con una maligna asesina.

Mi ex es un espía es una parodia a las cintas de espionaje y de acción que se sostiene de sus dos personajes principales; dos actrices que saben cómo hacer una secuencia cómica; no obstante, la trama llega a ser muy larga, un poco confusa y con huecos argumentales.

Esta película cómica, dirigida por Sussana Fogel, se hizo para que luzcan Mila y Kate y el objetivo se cumplió; por lo demás no hay mucho que debatir.


*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


“Tiempo Compartido”, un paraiso infernal

Tiempo Compartido, segundo largometraje de Sebastián Hofmann, es protagonizada por Luis Gerardo Méndez, Cassandra Ciangherotti y Miguel Rodarte. Un filme que crítica al capitalismo, la falsa felicidad y nos lleva al infierno que pueden ser unas vacaciones.

Por Arturo Brum Zarco*

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“Necesito unas vacaciones de mis vacaciones”, es una frase muy común, que mencionas (me incluyo) cuando regresas de tus días de descanso, ya que en ocasiones lo que se supone que debería ser un tiempo de relajación, se convierte en un “infierno” por la sobre población de turistas, los precios caros y, lo peor de todo, siempre te quieren obligar a comprar algo. El capitalismo en su máxima expresión.

Así, lo que debería ser un tiempo en un lugar paradisiaco donde tu mente se relaje y disfrute del lugar, es todo lo contrario, a veces terminas gastando más e inscribiéndote en engañosos planes turísticos que te prometen el paraíso.

Esa es la premisa de la cinta Tiempo Compartido, segunda película del director Sebastián Hofmann (Halley, 2012), escrita por Julio Chavezmontes y el propio realizador del filme, quienes ganaron Mejor Guion en el Festival de Sundance.

Protagonizada por Luis Gerardo Méndez, Miguel Rodarte, Cassandra Ciangherotti y Andrés Almeida, el largometraje es una comedia negra, que utiliza secuancias absurdas y metafóricas para jugar con la paradoja de alguien que te ofrece un paraíso pero vas al “infierno”.

Pedro (Luis Gerardo) rentó una cabaña en un hotel en Acapulco, donde llega con su esposa Eva (Cassandra) y su hijo pequeño. Un lugar que le pertenece a una compañía internacional llamada Everfields International, que tienen como principal objetivo vender estancias turísticas a largo plazo en su establecimiento, prometiendo que ahí se vive la mejor experiencia del mundo.

Cuando Pedro y Eva están instalados, llegan unos oficiales del lugar para decirles que esa cabaña tiene otro dueño, Abel (Andrés Almeida) y su esposa con sus dos hijos. Ante tal confusión, van con el gerente del lugar quien no les resuelve nada, pero se la pasa ofreciendo disculpas. De una manera absurda, cómica y grotesca las dos familias compartirán el cuarto.

A la par, está la historia de dos trabajadores del lugar, Andrés (Miguel Rodarte), un tipo que tenía un buen puesto como animador pero después de una crisis nerviosa su vida cambió y comenzó a alucinar cosas y ahora se dedica a lavar las tollas del lugar, un trabajo que la cinta describe con una ambientación diabólica (siempre hay toallas sucias y nunca acaban). Su esposa, Gloria (Monserrat Marañón), está harta de él, y se dedica a vender las plazas y las estancias turísticas del lugar, según ella así se convertirá en un miembro importante de la familia Everfields International.

El filme nos presenta la locura de dos personas, Pedro y Andrés, ante la voraz ambición de Everfields International por vender y sólo vender, y para hacerlo llegan a utilzar estrategias poco éticas que pueden volver loco a cualquiera y firmar un contrato sin leer las letras chiquitas. Esa compañia se encarga de ofrecer una felicidad efímera, quienes ofrecen un contrato para quedarse con “tu alma” y tu dinero.

Entre ese mundo paradójico, absurdo e irritable se mueve la cinta para mostrarnos un lugar donde metafóricamente  los empleados, que no se cansan de ofrecer disculpas ante cualquier eventualidad, son pequeños diablos que no te dejan salir.

Ante eso la película tiene tomas cerradas y claustrofóbicas que sumerge al espectador a ese hotel, que parece que no tiene salida; los protagonistas están atrapados, sólo las actividades del lugar son las que cuentan (como si estuvieran en una secta).  Gran acierto en la fotografía y colores de la cinta, que refuerzan la paradoja y por momentos utilizan herramientas narrativas del género de horror para contarnos lo que pasa.

Hay tomas de una brutalidad común que nos llevan a ese infierno que son las vacaciones de temporada alta, por ejemplo una alberca donde no cabe ninguna persona más y aún así hay un señor con una cama inflable en medio de la piscina.

Para lograr su fin la cinta tiene  una música por momentos lúdica pero tétrica que respeta la forma y fondo del filme, y que nos lleva como a los dos protagonistas a la locura.

Tiempo Compartido aborda la alineación del sujeto, el capitalismo voraz, la engañosa felicidad, juega con las contradicciones de la vida, lo absurdo que pueden llegar a ser las vacaciones y lo hace de una manera fina y aplaudible.

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


“¿Dónde está Kyra?”, de la marginalidad a la grandeza de Michelle Pfeiffer

Por Daniel Flores*

El cine independiente, profundo e íntimo, permite a los actores y actrices que se atreven a bajarse del estrellato (o a veces no les queda de otra), presentarse ante la crítica y el público con dotes histriónicos que incluso ellos mismos desconocían. Directores como Quentin Tarantino o Darren Aronofsky en los inicios de sus carreras, incluyeron en sus filmes a artistas venidos a menos, encasillados en roles de galanes o chicas enamoradas, para hacerles creer que tenían capacidades sobresalientes. Así, John Travolta, David Carradine, Daryl Hanna y Kurt Russell con Tarantino o Jennifer Connelly, Marlon Wayans y Mickey Rourke, con Darren, obtuvieron una segunda y hasta una tercera oportunidad de brillar en Hollywood.

De este modo, toca en turno a Michelle Pfeiffer probar, una vez más, su capacidad artística en un filme independiente, de bajo presupuesto, titulado, ¿Dónde está Kyra?, dirigido, escrito y producido por Andrew Dosunmu, que también cuenta con Kiefer Sutherland como protagónico, en algo más que el agente Jack Bauer de la serie 24.

La cinta gira en torno a una mujer entrada en sus cincuenta, Kyra (Pfeiffer) y su madre, Ruth (Suzanne Sheperd), quienes apenas tienen dinero para sobrevivir, dinero, que por cierto, recibe la progenitora al ser pensionada por el gobierno de los Estados Unidos a causa de su vejez y sus tratamientos médicos. Por su parte, la hija, divorciada y desempleada, batalla día a día buscando trabajo sin mayor éxito que el de entregar volantes o ser un anuncio ambulante, vagando por las gélidas calles de Nueva York.

Tristemente para Kyra, su madre fallece, dejándola sola en un vetusto departamento y sin su único sentido para sobrevivir. En la apoteosis de su infortunio conoce a Doug (Sutherland), un ex alcohólico, jurado y cumplidor, que se gana la vida manejando un taxi y siendo enfermero en un asilo de ancianos. Juntos iniciaran un bonito romance que se verá amenazado por la mala suerte de Kyra, quien al no hallar forma alguna de obtener ingresos, decide hacerse pasar por la fallecida Ruth con el propósito de seguir cobrando el cheque de asistencia social.

En ese conflicto, Doug y Kyra navegan por una América olvidada, la de la clase baja, la que no logra progresar ni por su blanco tono de piel, rumiando las sobras de una sociedad indolente, incluidas las instituciones y las autoridades que lanzan leyes a rajatabla sin importar que las personas se encuentren en un círculo vicioso.

Kyra se hundirá cada vez más en el temor de ser descubierta y acusada de fraude, además, las constantes humillaciones sufridas en la búsqueda de trabajo y la penosa necesidad de pedir prestado, van mermando la poca dignidad que le queda a esta mujer.

Así, conforme Kyra va cayendo, la actuación de Michelle Pfeiffer sube en calidad, mostrando una serie de gesticulaciones decrépitas, miradas vacías sin esperanza, sonrisas cínicas pero tímidas, gritos de impotencia sin caer en el facilismo de lo histérico, e incluso, soltándose a sus 60 años de edad en un par de escenas donde luce su delgada pero bien conservada figura, con la que seduce a Doug.

Incluso, la maestría de Pfeiffer toca un poco a Sutherland, acostumbrado a hacer roles de acción o demasiado simplones, como fue su Presidente Tom Kirkman en la serie, Sucesor designado, en la que cada vez que se iba a fade, hacía cara de galán otoñal de telenovela. Pero aquí logra estar a la altura de Pfeiffer, siendo un comparsa de vida, un enamoradizo y hasta un pelele que pone en juego su poco sentido común para ayudar a Kyra.

A final de cuentas, la cinta es un laberinto burocrático ubicado en una sociedad kafkiana, en la cual no hay redención, no hay optimismo, sólo un retrato insensible de un par de seres humanos, tratados como insectos en aras del buen funcionamiento del consumismo.

*Periodista. Colaborador en CinEspacio24, Director de Cio Noticias, Crítico de Cine, Columnista en el Heraldo de México Toluca 


“Alucarda” la obra mestra de Moctezuma, en Macabro

Alucarda es la obra maestra del director Juan López Moctezuma; una cinta de terror que se estrenó en 1978. En esa época, tanto la película como las obras de Moctezuma no eran valoradas; ahora es un filme de culto.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

El Festival de cine de Terror Macabro ha trabajado por rescatar y fomentar la figura del emblemático director mexicano, Juan López Moctezuma; un realizador de cine de terror, adelantado a su época, que filmó cintas con un estilo único, sin censurarse nada, y con temáticas fuertes, escenas sangrientas y con una fotografía atrevida.  

Sin embargo, en vida no fue reconocido y sus películas en México fueron menospreciadas, pero en el extranjero sus cintas ganaban premios y eran reconocidas por la crítica especializada. No por nada, el proprio director Guillermo del Toro llamó a Juan López Moctezuma un “poeta maldito”.

En su objetivo por mostrar las virtudes de las obras de Moctezuma, Macabro presentó anoche, en la Biblioteca México la cinta Alucarda, la que para muchos es (me incluyó) su mejor película.

Alucarda esta basada en la novela de Sheridan Le Fabu, Carmilla, la primera historia de una mujer vampiro. La cinta nos cuenta la historia de la joven Alucarda (interpretada por Rita Romero), quien vive en un convento de monjas. Cuando llega su nueva compañera de cuarto, Justine (Susana Kamini), las dos se hacen amigas inmediatamente y nace en ellas un amor profundo.

Un día mientras paseaban en el campo, un gitano les regala un amuleto. Al regresar al convento las dos están poseídas y realizan rituales satánicos y aquelarres totalmente siniestros.

Las monjas, el sacerdote del lugar (quienes se flagelan según las costumbres más tradicionales y conservadoras del cristianismo) y el doctor del pueblo, Oszek (papel que realiza Clauido Brook), se dan cuenta que están poseídas e inciaran una actos de exorcismo sin piedad.

Alucarda toca temas como el lesbianismo, el erotismo, la opresión de la iglesia, y lo hace de una forma sincera, novedosa y con elementos narrativos del cine de terror como el exorcismo, rituales satánicos y vampirismo. Quizá por eso, en los años 70, en un México más conservador y paradójico, ya que estaba dominado por el desafortunado cine de ficheras, al filme no se le valoró como debía.

Y es que Alucarda tiene una estética ingeniosa y bien pensada, empezando por el vestuario: las monjas del convento no tienen la clásica vestimenta, sino que aparecen con un vestido blanco  sucio y con manchas rojas. Alucarda siempre vestida de negro. Asimismo, tiene imágenes y escenarios que van acorde a un aquelarre sin fin.

Bien por Macabro por tener como uno de sus objetivos fomentar la obra de Juan López Moctezuma, al respecto el domingo 26 de agosto el festival presentará un libro conmemorativo de Alucarda; una cinta de un director que merece ser reivindicado y aplaudido.

Para ver todas las actividades de Macabro visita su página:

http://macabro.mx/

 


*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


“Mamma mia! Vamos otra vez”, el mismo musical

Mamma mia! Vamos otra vez es una precuela y secuela, que no sale de su zona de seguridad y repite la misma fórmula de la primera parte.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Mamma mia! Vamos otra vez es una cinta con la misma fórmula de la primera parte; sin embargo, en esta ocasión desafortunadamente tenemos muy poco de Meryl Streep, afortunadamente casi no canta Pierce Brosnan.

Esta precuela y secuela sigue la misma narrativa de la primera, es un musical agobiantemente cursi y sentimental; y esto lo hace utilizando las canciones de ABBA para contar los sentimientos y pensamientos de los personajes, aunque la canción no tenga nada que ver con la anécdota; aquí, como la primera parte, sólo importa cantar y bailar las canciones de dicho grupo, el contexto es lo de menos.

Y eso se debe a que en realidad el argumento es tan simplista que sin música sería una nimiedad. Es por eso que en Mamma mia! Vamos otra vez cuentan dos películas diferentes, ya que ninguna tiene la fortaleza de sostenerse sola.

Nos muestra la precuela; cuando Donna era joven (interpretada por Lily James) y termina la universidad, pero no quiere una vida normal, sueña con una aventura única, encontrar un paraíso; sus amigas, en esta parte su versión joven, Rosie (Alexa Davies) y Tanya (Jessica Keenan Wynn) le ayudan a viajar. En esa travesía conocerá en un restaurante en Francia, a Harry (Hugh Skinner); viaja con Bill (Josh Dylan) en un velero que la llevará a una isla en de Grecia; en esa isla, donde decide quedarse, se encuentra con Sam (Jeremy Irvine); estos tres jóvenes son, en la primera cinta, los posibles padres de la hija de Donna.

Asimismo, nos narra la secuela, ha pasado un año, ha muerto Donna (Meryl Streep), y ahora es su hija Sophie (Amanda Seyfried), quien regresa a la isla para continuar con los sueños de su madre, construir un hermoso y paradisiaco hotel. Todo está listo para la inauguración. Pero una tormenta está apunto de arruinar todo. En esta parte obviamente vemos de nuevo a las versiones mayores de Sam (Pierce Brosnan), Harry (Colin Firth), Bill (Stellan Skarsgard), Rosie (Julie Walters) y Tanya (Christine Baranski).

La cinta toca temas como el amor de madre, la amistad, el amor, cumplir objetivos a pesar de los problemas; los cuales los aborda de una manera simplista pero entretenida para los amantes del musical; algo sí es seguro si la primera parte no la aguantaste, ahórrate esta segunda.

Tiene escenas musicales agradables, entretenidas y secuencias de bailes aplaudibles. Punto destacado tiene la participación de Cher por su calidad al cantar, pero no deja esa narrativa dulce y empalagosa.

Dirigida por Ol Parker, Mamma Mia! Vamos otra vez, es lo mismo otra vez: tiene algunas cosas rescatables y secuencias para el olvido.

*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.


“Los adioses”, poética biopic de Rosario Castellanos

Los adioses es una biopic de Rosario Castellanos, quien fuera una de las escritoras mexicanas más sobresalientes del siglo XX; se enfoca en el conflicto amoroso que tuvo con su esposo el filosofo Ricardo Guerra, quien envidiaba el éxito de su pareja.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

“Quiero ser madre, profesora y escritora”, le grita Rosario Castellanos a su esposo Ricardo Guerra, ya que este quiere obligarla a que deje su trabajo para que ella se dedique a cuidar al hijo de ambos.

Esa es la esencia de la cinta Los adioses una biopic de quien fuera una de las más importantes escritoras mexicanas del siglo XX; además de ser una de las primeras voces del movimiento feminista en México.

Dirigida por Natalia Beristáin, es una cinta que se sale de los convencionalismos de las biopics, y nos presenta una obra novedosa, metafórica y poética; ya que no quiere abordar toda la vida de Rosario Castellanos, se enfoca en una parte fundamental de ella: el amor que tenía y las vicisitudes que pasó con quien fuera su esposo el filosofo Ricardo Guerra.

Con sólo abordar ese tema la directora logra mostrarnos a una Rosario fuerte, independiente, soñadora y con la certeza de que lo único que quería en esta vida era escribir, y lo logró y de una manera brillante (que sirva esta película para que repasemos y leamos las obras de esta gran escritora).

Los adioses pone el conflicto de una Rosario que no sabe si seguir sus ideales o la pasión que siente por Ricardo (¿la profesión o el amor?), y esto lo cuenta a través de dos distintas etapas de la vida de la escritora; una, cuando era estudiante, aquí la interpretación de Rosario la realiza Tessa Ia, y conoce a un joven Ricardo Guerra, papel que protagoniza Pedro de Tavira.

En esta parte de la cinta vemos cómo se conocen, cómo él la seduce y ella se enamora; sin embargo, Rosario decide aceptar una beca en España y él no la espera, al contrario se casa con otra.

Ya siendo una escritora respetada, ahora el papel de Rosario lo hace, y de una manera brillante, Karina Gidi (ganó el Ariel a Mejor Actriz por este trabajo), Ricardo (protagonizado por Daniel Giménez Cacho) regresa a su vida, le pide perdón y ella acepta y se casan.

La cinta no es lineal, va combinando cada etapa y así va construyendo el arco argumental de los dos protagonistas; poco a poco vemos el machismo y la envidia por parte de Ricardo, y a una Rosario cada vez más decidida a no aceptar que le quiten sus ideales sólo por ser mujer.

De esta forma, Los adioses es una obra clara en sus intenciones, mostrarnos la naturaleza de una escritora que vivió el machismo dentro de su casa, que sufrió la envidia de quien aseguraba que la amaba.

Así, de repente la cinta nos enseña a una Rosario Castellanos fumando, recargada en una pared, segura de sí misma; el filme navega con escenas metafóricas que por momentos nos muestra a un personaje que está a punto de rendirse y en otros pelea por no caerse.

El filme, también, busca la reflexión del espectador acerca del machismo que existe aún en nuestro país y lo hace con imágenes bien realizadas acompañadas de algunos de los textos más significativos de Castellanos.

Los adioses, escrita por Javier Peñalosa y María Renée Prudencio, es una biopic agradable, que si bien se calla muchas cosas acerca de la vida de Rosario (no hay que olvidar que es una ficción), dice lo esencial para comprender la mente de una de las mujeres más brillantes de México.

 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine.


“Escobar: la traición”, siguen las historias de Pablo

Con grandes actuaciones de Javier Bardem y Penélope Cruz llega Escobar: la traición (Loving Pablo), película que narra la vida de este peligro narcotraficante desde la perspectiva de Virginia Vallejo, periodista y amante de Pablo Escobar.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Si seguimos a este paso pronto habrá una premiación para la Mejor Interpretación de Pablo Escobar, ya que se han hecho biopics, de quien fuera el narcotraficante más peligroso y poderoso de la historia, hasta el hartazgo. Series de televisión, documentales, películas y telenovelas nos han “inundado”.

No obstante, no importa que ya se haya contado sino cómo lo cuentes; con esa idea en mente seguro vendrán más producciones sobre la vida de Escobar, que al parecer no se le han acabado las historias.

Ahora, es Javier Bardem quien interpreta a Pablo, y como el gran actor que es, le da unos matices de loco, enfermo de poder, cruel y maligno. Si algo hay que aplaudirle a la cinta es la contundente y poderosa actuación que hace el actor español. Realiza un Pablo sin romantizar al personaje,  lo presenta con una malicia como ningún otro lo había hecho. Este Escobar sí da miedo.

Escobar: La traición es una cinta contada desde la perspectiva de Virginia Vallejo (Penélope Cruz) famosa reportera, en ese tiempo, de Colombia y quien fuera amante de Pablo Escobar. El filme utiliza el recurso de la voz en off: Virginia nos cuenta qué es lo que pasa, esto le quita fuerza a las imágenes, ya que se sostienen de que antes no explicaron de qué trataban.

Si a esto le agregamos un guion lleno de lugares comunes y que se mueve a gran velocidad, el resultado no es el óptimo, y deja esta producción como si hubiera llegado tarde para contarnos la historia de Escobar.

Nos narra, en casi dos horas, desde que Pablo fue entrevistado la primera vez por Virginia, hasta la muerte del capo. En ese sentido, a la cinta le faltan contrastes, dejan en un segundo plano a la sociedad colombiana, a los políticos asesinados, y a los que se organizaron para atrapar a Escobar.

El intento del largometraje era contarnos la historia de amor y seducción entre Pablo y Virginia,  y aunque si vemos química entre estos dos personajes, su historia se queda en lo banal. Virginia era una mujer ambiciosa, con ganas de triunfar a toda costa y eso se ve en la cinta gracias al gran trabajo de Penélope Cruz.

Dirigida por el español Fernando León de Aranoa, quien ya había trabajado con Javier en la gran cinta Los lunes al Sol, y basada en libro de Virginia Vallejo Amando a Pablo, odiando a Escobar, las expectativas de esta película eran grandes, pero el resultado no fue el esperado.

Ya que tiene elementos que no aportan nada a la historia como el papel que hace Peter Sarsgaard de un agente de la DEA, que bien pudo no salir y no cambiaba nada del argumento, o la espantosa combinación que hacen entre el español y un inglés con acento colombiano que casi no se entiende. Que diferente hubiera sido escuchar a Penélope y a Javier hablar en español.

La cinta cuenta lo que otras películas ya habían contado, pero desde la perspectiva de la amante de Escobar, y por lo menos en Escobar: la traición no romantizan al personaje y delincuente que fue Pablo. Punto a su favor.

 

*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.