Finaliza la XXI edición del GIFF, aquí los ganadores

El Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) celebró su edición XXI del 20 al 29 de julio en San Miguel de Allende y Guanajuato Capital. En esta ocasión se exhibieron 342 películas de 40 países, con 154 títulos en competencia oficial. Además, se contó con diversas actividades, conferencias, presentaciones especiales, las nuevas ediciones de los concursos del Rally Universitario e Identidad y Pertenencia, varias galas, premieres mundiales y latinoamericanas, la presencia de diferentes personalidades de la industria cinematográfica y homenajes nacionales e internacionales.

La ceremonia de clausura del GIFF 2018 se celebró en el Teatro Juárez la noche del sábado 28 de julio, ahí se dieron a conocer todos los ganadores de la XXI edición y al terminar con el evento se llevó a cabo la premiere de Blindspotting, de Carlos López Estrada, con la cual se cerraron con broche de oro las actividades del festival.

Aquí los ganadores:

Concurso Nacional de Guion Cinematográfico Cortometraje:
Cata de Ana Carolina Guillen y Ricardo Villanueva Najera

Concurso Nacional de Guion Cinematográfico Largometraje:
Santa Bárbara de Anais Pareto

Mención Especial Premio SIGNIS México:
Gaze de Farnoosh Samadi

Premio SIGNIS México:
Fauve de Jeremy Comte

Premio Mujeres en el Cine y la Televisión:
Aria de Myrsini Aristidou

Premio Vimeo:
Death of the Sound Man de Sorayos Prapapan

Concurso Identidad y Pertenencia:
Tercer Lugar – Nostalgia de la Universidad De La Salle Bajío

Segundo Lugar – Buscando el Green del Instituto Irapuato
Primer Lugar – Bastardos desterrados de la Universidad Iberoamericana León

Rally Universitario:
Premio del Público – La última nos vamos del Liceo de Estudios Superiores de Querétaro

Premio a Mejor Banda Sonora – Sweet Mila por la música de Reescribiéndome de la Universidad Iberoamericana

Mejor Cortometraje – Máscara Mística de la University of Advanced Technologies de San Luis Potosí

Reconocimiento Kickstarter a las mejores campañas de fondeo:
Rally Universitario – Mute de la Universidad Autónoma de Nayarit

Identidad y Pertenencia – Bastardos desterrados de la Universidad Iberoamericana León

Premios Incubadora:
Premio de SAE Institute – La mami de Laura Guerrero Garvin

Premio LCI Seguros – Lo que hacemos con los nuestros de Lanzando Lázaros, de Michael James Wright

Premio CINECOLOR México – Fractal de Mariana González

Premio LABO DIGITAL – San Juaneros de Daniel Kandell y Michael Amici

Primer Premio de Incubadora VR – Aulas Vacias (Mención Especial)

Selección Oficial Realidad Virtual:

Mención Especial – G de Adrián Regnier Chávez

Tercer Lugar – Dinner Party de Angel Soto

Segundo Lugar – Your spiritual temple sucks de John Hsu

Mejor Cortometraje – The Real Thing de Mathias Chelebourg y Benoit Felici

Mejor Cortometraje Guanajuatense:
Agüero de José Manuel Azuela Espinosa

Mejor Cortometraje Experimental:
Silica de Pia Borg de Australia y Reino Unido

Mención Especial – Mudanza Contemporánea de Teo Guillem

Mejor Cortometraje de Animación:
Wildebeest de Nicolas Keppens y Matthias Phlips

Mención Especial – Solar Walk de Réka Bucsi

Mejor Cortometraje Documental Internacional:
Historias de lobos de Agnes Meng

Mejor Documental Largometraje Internacional:
Obscuro Barroco de Evangelia Kranioti

Mejor Documental Corto Mexicano:
Sinfonía de un mar triste de Carlos Morales

Mención Especial – ¿Me vas a gritar? de Laura Herrero Garvin

Mejor Documental Largo Mexicano:
M. de Eva Villaseñor

Mención Especial – When the Bull Cried de Karen Vázquez Guadarrama

Mención Especial – Hasta los dientes de Alberto Arnaut Estrada

Mejor Cortometraje Mexicano:
Velvet de Paula Hopf

Mención Especial – La Culpa de Moisés Aisemberg

Mejor Cortometraje Ficción Internacional:
Tremors de Dawid Bodzak

Largometraje de Ficción Mexicano:

Restos de viento de Jimena Montemayor Loyo

Mención Especial – Los débiles de Raúl Rico y Eduardo Giralt Brun

Largometraje Ficción Internacional:
Los versos del olvido de Alireza Khatami¡Más cine, por favor!


“Hitchcock, más allá del suspenso”, la exposición sobre el cineasta británico, llega a México

La Cineteca Nacional y Fundación Telefónica México presentarán del 13 de septiembre de 2018 al 13 de enero de 2019 en La Galería, la exposición Hitchcock, más allá del suspenso, que permitirá apreciar el talento de Alfred Hitchcock, considerado uno de los cineastas más importantes del siglo XX, quien se inspiró en los intelectuales del momento y a quienes también influyó en ámbitos como la moda, la arquitectura, la cultura de masas y el arte.

Hitchcock, más allá del suspenso llegará a México, con la finalidad de que el público mexicano conozca y se acerque más a la obra de este cineasta británico y nuevamente contará con el comisariado artístico de Pablo Llorca, profesor de Historia del Cine y de Historia de la fotografía en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca (USAL).

La obra del cineasta británico Alfred Hitchcock (1899-1980), catalogado como el maestro del suspenso, va más allá del estereotipo, su cine sigue siendo difícil de clasificar. Mucho se ha escrito sobre quien está considerado uno de los creadores más geniales del siglo XX y todas las interpretaciones coinciden en señalar la fascinación visual que desprenden películas como La ventana indiscreta (Rear Window, 1954), De entre los muertos (Vertigo, 1958) o Psicosis (Psycho, 1960), que son un compendio de imágenes de gran potencia que con el tiempo se han convertido en verdaderos íconos modernos.

La exhibición se plantea para conocer y comprender toda su figura desde una mirada global a las claves esenciales de su cine. Es una oportunidad para ver plasmados aspectos personales y comerciales, la base fundamental de su proceso de creación y su lenguaje cinematográfico: su dominio de recursos del arte y el cine de vanguardia; su capacidad para rodearse de grandes colaboradores, sean técnicos, actores, diseñadores o guionistas, sobre los que ejercía un control férreo; el papel fundamental que tuvieron en sus obras los personajes femeninos, y, por supuesto, la capacidad de sus películas para reflejar el tiempo en que fueron creadas evocando la atmósfera de cada época.

Próximamente, los cinéfilos disfrutarán en la Ciudad de México el trabajo del cineasta británico en su primera gran exposición, Hitchcock, más allá del suspenso, acompañada de un ciclo con 35 películas, todas pertenecientes a la etapa sonora del realizador, restauradas en 2k y 4k, y también de charlas que analizarán la obra del cineasta desde perspectivas únicas y se llevarán a cabo tanto en Cineteca Nacional como en el Centro Cultural de España en México. Los detalles que envuelven esta grandiosa obra se darán a conocer previo a la apertura y tendremos invitaciones especiales, por lo cual les pedimos estar pendientes a través de las plataformas sociales de las dos entidades


“La noche devoró al mundo”, zombies y un personaje solitario

La noche devoró al mundo (La Nuit a Devore le Monde) es una cinta de zombies que sale un poco de los parámetros de este subgénero de terror, para mostrarnos algo novedoso: la construcción psicológica de un personaje ante un mundo apocalíptico.

 

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Como los zombies, las películas de estos muertos vivientes nunca acabarán. Eso es un buen augurio para los que disfrutamos de este subgénero del cine de terror, que desde su creación por parte del gran George Romero (Night of the Living Dead 1968), ha estado presente en numerosas cintas, comics, videojuegos, caricaturas y demás.

La fascinación por estos seres (los zombies) no disminuye, y eso se ve en la respuesta del público a este tipo de cintas, que por lo general aunque el filme sea de una ínfima calidad, siempre tienen buenos resultados en taquilla.

No obstante, llegan a aparecer películas que  usando el recurso narrativo de los zombies sorprenden por cómo cuentan la historia; es el caso de la cinta La noche devoró al mundo, que se enfoca en un personaje y de ahí, como si fuera un naufrago, éste intenta superar sus propios miedos a través de la tragedia.

Sam (Anders Danielsen Lie) es un joven taciturno que llega una noche sin avisar al departamento de su ex novia para recoger unos discos que dejó ahí. Al llegar, encuentra que su antigua pareja tiene una fiesta y un nuevo novio. Ella lo invita a quedarse, él ya un poco tomado se encierra en un cuarto para dormir.

Al despertar, encuentra el lugar vacío, destruido y con manchas de sangre en las paredes, y descubre a unos seres que sólo buscan atacar, morder y comer a un ser humano. Si bien este recurso de la persona que despierta y encuentra un mundo apocalíptico está muy manoseado, la virtud de la cinta es cómo van creando y jugando con un personaje que pareciera está en un isla desierta.

La película se va a centrar en Sam (no dará explicaciones de cómo se convirtió la gente en zombies, ni qué es lo que pasa afuera del departamento, aclaraciones que no son necesarias porque no es el objetivo de la cinta), en cómo poco a poco entiende lo que está pasando, busca por todos los departamentos comida, crea un plan para sobrevivir sin salir del lugar; para él no hay otra solución que quedarse en ese sitio.

Sam, quien está sólo, se asoma por la ventana y ve la calles destruidas y llenas de zombies, sube al techo y la imagen es más devastadora; está  en medio de un lugar sin salida.

Vemos sus actividades diarias. Su soledad es un recurso narrativo más para crear en el espectador desasosiego. Usan pocas escenas donde un zombie lo persigue, ya que la anécdota se centra en la psicología de un personaje ante una eventualidad terrorífica. De esa forma vamos a ver distintos matices de la interpretación de Anders: pesadillas, alucinaciones, desesperación, momentos de alegría y de hartazgo.

Al centrarse en un sólo personaje, la película puede caer en una trampa, ya que la falta de acción quizá provoque en los amantes del género rechazo a la cinta (porque esperan lo de siempre), o dejar dudas en los que buscan una explicación coherente de lo que está pasando.

Y es que La noche que devoró al mundo es un película de terror más reflexiva, con escenas más estáticas y movimientos de cámara más lentos y un guion que se centra en la psicología de su personaje principal.

La noche que devoró al mundo, dirigida por Dominique Rocher, muestra que a pesar de emplear un subgénero de terror muy usado y popular se puede realizar una propuesta novedosa.

 

*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.

 

 


Por qué deberías ir a ver Attack on Titan en el cine

Porque se ve espectacular. Pero no solo eso:

Attack on Titan es el animé que más repercusión tiene a nivel mundial, debido a la visión cruda, llena de heroísmo y tristeza de su autor, Hajime Isayama, quien genera incomodidad, risas y tensión máxima en apenas segundos.

La historia narra los sucesos trágicos tras el ataque del Titán colosal, un monstruo gigante que destruye los muros que resguardan a la Humanidad, que ha vivido en paz durante 100 años. Su paz es simplemente evitar que otros titanes además del colosal entren a devorarlos.

Los titanes son monstruos casi inmortales, humanoides, con medidas entre seis a 30 metros de altura, que al parecer solo tienen como objetivo destrozar y tragar a las personas. Actúan sin conciencia, pero son implicables. Tienen una fuerza brutal, y algunos brincan y son salvajes.

Para combatirlos, la Humanidad creó una Legión especializada en la pelea tridimensional (Legión de reconocimiento), que utiliza un mecanismo con base en un gas especial para columpiarse en edificios o árboles como apoyo para igualar en altura a los titanes, y tienen unas espadas diseñadas para cortar el único punto débil que tienen: sus nucas.

En este contexto conoceremos a Eren, Mikasa y Armin, tres niños a los que les arrebatan todo durante el sangriento ataque los titanes. Cada uno toma el suceso de forma distinta, con culpa, tristeza y dolor. Sin embargo, Eren, el protagonista, jura que exterminará a cada uno de los titanes, con el fuego de su ira, que tratará de volver cenizas a los monstruos.

Esta historia tiene éxito a nivel mundial, y se ha vuelto transmedia: tiene como ejes principales un manga, uno de los más consumidos en Japón, y la serie televisiva, que posicionó a Attack on Titan como un fenómeno de masas.

Tiene otras narrativas, como un spin off de lo que ocurre antes del ataque del Titán colosal, y dos películas terribles, muy malas, en live action. Pero la que podremos ver este fin de semana cumple muchos objetivos, y es una gran puerta para enviciarse en una historia que rivaliza sin problemas con otras series populares, incluso Games of Thrones.

Este fin de semana podrás disfrutar de las películas Attack on Titan: Guren no Yumiya (Crimson Bow and Arrow) y Jiyuu no Tsubasa (Wings of Freedom), cintas recopilatorias que recuentan los hechos de la primera temporada de la serie por Hajime Isayama (episodios 1-13 y 14-25 respectivamente) y entre ambas cubren los 5 primeros arcos de la misma.

Las películas son breves para presentar los personajes; destacan las batallas pero mantienen un buen ritmo, no como otras condensaciones, como la película resumen del animé de Ghost in the Shell, o la primera versión de Evangelion, que aunque fue de mejor calidad, también dejó mucho que desear.

Sin embargo, el montaje de las películas de Attack on Titan es fresco, y aunque llega a ser un poco caótico, deja la sensación a quien no tiene idea de querer saber más, y a muchos de los fans los dejará satisfechos.

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Para comprar boletos, visita: http://www.cinepolis.com/contenidos-alternativos

Además de los filmes, podrás disfrutar del primer episodio de la tercera temporada. Información para fans de la serie. Si no has visto las dos primeras temporadas, seguramente no le vas a entender:

Por fin podremos ver animado el arco de la Resurrección, con el grandioso enfrentamiento entre Levi Ackerman contra su mentor, Kenny, al estilo western. La incógnita que se abre es cómo resolverán una temporada que debería estar llena de mucho diálogo, pues se descubren la mayoría de los misterios planteados en las primeras dos temporadas. La tercera temporada pinta para ser revolucionaria, literalmente.

¿Disfrutaremos también del arco del Regreso a Shigansina? Seguramente sí, pues el ritmo del primer episodio de la tercera temporada muestra rapidez en la construcción de la historia, y según lo poco que hemos visto, hay un avance y refinamiento en la forma de crear esa atmósfera que oscila entre la desesperación y la valentía de la obra de Isayama.

En resumen, ven a verla y vuélvete fan de Attack on Titan.

Continuemos la discusión en Twitter, ¿sí la vas a ir a ver, eres fan? Déjanos saber tus comentarios, y comparte si te gustó la información.


“Misión: Imposible Repercusión”, de nuevo contra el tiempo

Misión: Imposible Repercusión (Mission: Imposssible- Falluot) es la sexta entrega de la saga del espía Ethan Hunt, interpretado por Tom Cruise, una cinta de acción que cumple con los requisitos de su género y lo hace de una buena forma.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

El espía de la IMF (Impossible Mission Force), Ethan Hunt (Tom Cruise) tiene constantemente la misma pesadilla: su ex esposa Julia (Michelle Monaghan), quien tuvo que esconderse para estar a salvo (ese argumento lo vemos en la cuarta entrega de Misión Imposible) está en peligro, ya que uno de los villanos que Hunt atrapó amenaza su vida.

Sus pesadillas al respecto son recurrentes; aún así este famoso espía (con una habilidad para correr como ningún otro) acepta otro caso de esos que según sus jefes son imposibles de resolver.

Ahora tiene que conseguir un maletín que contiene elementos radioactivos para construir bombas atómicas; esto lo tiene que realizar antes que de que el grupo de los apóstoles, una organización anárquica, lo consiga primero.

Con la ayuda de sus inseparables agentes Luther Stickell (Ving Rhames) y Benji Dunn (Simon Pegg), Hunt está a punto de realizar la hazaña, pero algo sale mal y los apóstoles ganan la batalla. Hunt y su equipo tienen el tiempo encima (clásica herramienta de las películas de misión imposible, es más, ir contra el tiempo es la esencia de las cintas) para recuperar el material radioactivo.

Por tal motivo, su jefe Alan Hunley (Alec Baldwin) le ordena a Hunt trabajar con un agente de la CIA, August Walker (Henry Cavill), un tipo que tiene fama de asesino sin piedad. Para cumplir su misión tienen que contactar a White Widow (Vanessa Kirby) y además deben pelear con un antigua aliada, Ilsa Faust (Rebeca Ferguson).

El villano de la cinta vuelve a ser Solomon Lane (Sean Harris), que en la quinta cinta nos entregó a un personaje complejo y sin escrúpulos. En Misión: Imposible Repercusión regresa con esa malicia y poca falta de humanidad que lo caracteriza. Es un buen villano.

Como toda película de espías que se respete, tiene giros argumentales inesperados, escenas de acciones que si bien son inverosímiles son atractivas y bien hechas, el suspenso siempre está en toda la cinta (en este caso no nos deja un tiempo para descansar) punto acertado del filme que nos envuelve en esa esencia que les mencionaba, el enemigo es el tiempo.

Con un ritmo agradable, un guion estable y una fotografía y efectos especiales sin sobresaturarlos, el filme se puede proclamar como la mejor película de acción que va del año. Es decir, teniendo en cuenta al género que pertenece, donde cada vez vemos cintas con espantosos guiones o efectos especiales, Misión: Imposible Repercusión supo crear un buen ambiente sin saturarnos de muchas cosas y eso la hace agradable y entretenida.

Quizá el punto desfavorable del filme  es que para entender totalmente su argumento, sí tienes que haber visto varias de las cintas anteriores.

Tom Cruise, como siempre, está a gusto con este tipo de papeles, más con el personaje de Ethan, quien ya es un referente en su filmografía. Grata sorpresa el papel que hace Vanessa Kirby quien ya había mostrado sus credenciales en la serie The Crown. Por su parte Henry Cavill tiene un papel decente y una actuación mejor que su Superman. Sean Harris, de nuevo como el villano le da fortaleza a la cinta por su capacidad actoral.

Dirigida por Christopher McQuarrie, Misión: Imposible Repercusión es una buena cinta de acción, obviamente con todos los recursos hollywoodenses que requiere un blockbuster; y aunque parezca imposible creo que tendremos al espía Ethan Hunt por un rato más.

 

*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.


“La búsqueda”, la desesperación de un padre

La cinta francesa La búsqueda (Mon garcon), dirigida por Christian Carion, es un thriller sobre el secuestro de un niño, la agonía de su madre y la desesperada investigación que llevará a cabo el padre para recuperar a su hijo.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Julien Perrin (Guillaume Cante) recibe una llamada de su ex esposa Marie (Mélanie Laurent), ella se escucha desesperada, triste, impaciente. El hijo de los dos, un niño de unos ocho años, ha sido secuestrado en un campamento.

Marie, después del divorcio, se volvió a casar con un hombre que la adora y añora sobre todas las cosas tener un hijo con ella. Por su parte , Julien, debido a su trabajo viaja por todo el mundo y no ha estado presente en la educación de su hijo.

El niño desapareció una noche mientras estaba en el campamento. La policía interroga a todos, principalmente a Julien, a quien consideran unos de los principales sospechosos.

Sin embargo, Julien hará todo lo que está en sus manos para intentar recuperar a su hijo; aunque esto le provoque una desesperación sin paragón y una extrema desconfianza.

El soporte de la cinta francesa La búsqueda recae en el personaje de Julien, ya que nos enseña lo que es capaz un padre por salvar a su hijo. En ese sentido, la película es clara en sus intenciones: mostrar al principio a un hombre sereno para después poco a poco convertirlo en alguien iracundo, que no entiende la razón y cae en la desesperación (estado justificable, su hijo fue raptado).

El filme utiliza recursos bien armados para crear el suspenso que este thriller merece. Abundan escenas donde el protagonista va en su coche y como si fuéramos a lado de él, sólo nos presentan imágenes de la carretera, cubierta de nieve y en medio de las montañas. Estamos atrapados igual que el protagonista. Esto también lo logra gracias a la ambientación y la fotografía, donde utilizan colores fríos y desolados para incluirnos en los sentimientos de desasosiego de esta familia.

Los personajes tienen pocos diálogos y aún así están muy bien creados, ya que entendemos claramente sus motivaciones e ideologías; sin embargo, el filme cae en argumentos inverosímiles que le quitan seriedad, así como lagunas argumentales que causan confusión.

La búsqueda no es una cinta que intente abordar a fondo el tema del secuestro y la trata de niños; lo que busca es presentar la psicología de un padre ante un suceso devastador como es la pérdida de un hijo. Es por eso que el filme “cae en los hombros” de Guillaume Cante, quien hace un papel de acuerdo a las expectativas: contundente, ambiguo, como si viéramos una pequeña transformación de un ser humano.

El largometraje, dirigido por Christian Carion, es un thriller con buen ritmo, con una fotografía adecuada, y nos muestra que ante una desafortunada tragedia familiar, cualquiera puede perder la razón.

 

*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.


“Pesadilla en el infierno”, reivindicar al cine slasher

Pesadilla en el infierno (Ghostland), dirigida por el francés Pascal Laugier, es una buena propuesta del cine de terror slasher, ya que logra reivindicar al subgénero.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Beth (Emilia Jones) es una adolescente que le gusta escribir historias de terror; su sueño es convertirse en una reconocida escritora del género, casi tan importante como su ídolo el escritor Lovecraft.

Viaja junto con su madre Pauline (Mylène Farmer), quien siempre aplaude sus textos; y con su hermana Vera (Taylos Hickson), que no se cansa de burlarse de su ella y llamarla rara. Se dirigen a su nueva casa, una cabaña en el bosque que les heredó un familiar. Cuando van en la carretera, un extraño camión de helados y dulces las alcanza, sólo para que el conductor las salude desde su ventana; no vemos quién maneja pero la sombra y su vehículo es aterrador.

Ellas realizan una parada en un pequeño mini supermercado, ahí Beth lee la noticia de un asesino que tiene la perturbadora costumbre de matar a los padres de familia y dejar con vida a las adolescentes para torturarlas (en ese momento la cinta pone la premisa de lo que veremos).

Al llegar a su nuevo hogar, encuentran un sitio lleno de muñecas viejas, rotas o en buen estado (un recurso muy utilizado en la cintas de terror, pero que siempre da resultado para provocar un ambiente tétrico). Mientras están desempacando son atacadas por dos personajes (la cinta de inmediato nos pone en acción). Uno es un tipo grande y gordo que sólo hace ruidos guturales; la otra parece ser una mujer, con una cara sombría y diabólica. Ellos intentan torturar a la niñas y matar a la madre.

Pesadilla en el infierno (para variar un espantoso título en español, ya que le quita esencia de lo que busca la película), pertenece al subgénero de terror slasher, aquel donde un psicópata asesina o tortura a adolescentes (por ejemplo, Viernes 13 o Halloween).

Dirigida por el francés Pascal Laugier, el filme, sobre todo, intenta reivindicar al subgénero al que pertenece, tocando temas profundos y tratando a los personajes femeninos con más sutileza, no las pone con ropa sexy o teniendo sexo, como es ya la desagradable costumbre de varios directores; sino todo lo contrario, nos presenta a adolescentes más reales, y esa sinceridad le da un toque más verosímil y refuerza el argumento y terror de la cinta. Provoca mayor identificación y resalta la tensión en el espectador.

Asimismo, no da explicaciones de quiénes son los malignos personajes (elemento que no es necesario), muestra sus características e intenciones con las imágenes que la cinta propone, es decir, su buena fotografía y sus escenas bien hechas dicen más que algún incoherente diálogo para explicar las cosas.

Juega con la mente de los personajes y ese es un punto atractivo de la cinta, profundiza en la psicología de cada uno de ellos. De esa forma, Pesadilla en el infierno, sin ser una obra maestra pero sí una buena película, reivindica al subgénero que pertenece y plantea una propuesta diferente. Buena opción, buen cine de terror, que abre el debate en varios temas.

 

*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.


“A la deriva”, el peligroso mar

Protagonizada por Shailene Woodley y Sam Claflin, la cinta A la deriva, basada en hechos reales, nos cuenta el sufrimiento de una pareja después de que una tormenta destruye su velero y quedan atrapados en el océano.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

El mar es impredecible; cuando está de buen humor puede ser tu mejor amigo, pero su condición cambia sin aviso y se convierte en algo peligroso, violento y mortal. Esa ambigüedad de la naturaleza y sobre todo del mar lo ha reflejado el cine en contadas ocasiones, donde el océano es un ser maligno que arrasa con todo.

Para muestra están las películas All Is Lost de Robert Redford, Life of Pi del director Ang Lee, donde los protagonistas tienen que batallar con implacables tormentas y el vasto océano; sin embargo, al final el mensaje siempre es el mismo: el mar ayuda a los que tienen ganas de pelear y sobrevivir.

Esa es la esencia de la cinta A la deriva (A drift), basada en hechos reales, y protagonizada por Shailene Woodley y Sam Claflin. Narra la travesía de una pareja que queda atrapada en medio de una tormenta y que destruye su pequeña pero elegante embarcación.

Tami Oldham (Woodley) es una mujer estadounidense, que parece huir de algo (nunca sabemos de qué), viaja por todo el mundo y consigue trabajos espontáneos. Cuando llega  a Tahití conoce a Richard Sharp (Claflin), un hombre que construyó su propio velero y ha viajado por casi todos los continentes. Ellos se enamoran (obvio) y son contratados por un matrimonio para que transporten un bote moderno a California.

Mientras navegan a su nuevo destino, aparece una gigantesca tormenta que casi destruye su barco y pone en riesgo su vida, sobre todo la de Richard, quien es rescatado de una manera heroica por Tami, pero éste tiene las costillas y una pierna rota. Tami se hace cargo de lo poco que queda del velero, y realiza un plan para salvar sus vidas y llegar a Hawái.

La cinta, dirigida por Baltasar Kormákur y basada en el libro que escribió Tami Ashcraft, cuenta en paralelo cómo se conocieron estos intrépidos viajeros y su sufrimiento en la tormenta y después su agonía al estar a la deriva del mar.

Shailene hace un papel destacado, realiza un esfuerzo físico aplaudible, su papel sostiene la trama, ya que ella tiene que hacer todas la maniobras para que se salven.

La película carece de suspenso o de escenas que inviten al espectador a tener un sentimiento de desesperación o desasosiego, los efectos especiales no son ninguna novedad y no sobresalen en la cinta; quizá el objetivo era mostrar el amor de los dos protagonistas.

No obstante, el amor entre los dos personajes cae en una cursilería brutal y en unos diálogos comunes que no logran mostrar una química fehaciente entre los dos. Así, la cinta llega a ser un poco tediosa y aburrida, y esto se contrapone si pensamos en el argumento de una avasalladora tormenta en el mar.

Shailene demuestra que es un buena actriz, pero su calidad en la actuación no salva a la película de lugares comunes y de diálogos más irrisorios que dramáticos. A la deriva es una cinta que habla del amor hacia la vida, la pareja, el mar y la supervivencia.

 

*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.


Las tres películas mexicanas con más calidad en lo que va del 2018

Son tiempos de cambio. Ganó AMLO, Bélgica venció a Brasil en el mundial, la gente prefiere Dálmata sobre el Chocotorro. Todo está cambiando.

Esto también le pasa al cine mexicano, pues está viviendo un momento en donde hay una gran cantidad de películas hechas, cada vez con mejor calidad. El reto actual que se presenta es mejorar su distribución, pues la mayor parte de ellas siguen sin exhibición.

La Cineteca es un buen lugar en la #CDMX para encontrar cine de calidad

La Cineteca es un buen lugar en la #CDMX para encontrar cine de calidad

Sin embargo, hemos tenido la oportunidad de ver buen cine mexicano en lo que va del año, y te compartimos estas tres películas mexicanas con calidad en lo que va del 2018.

La calidad vamos a entender con el enfoque más novedoso, que sería entregarle al cliente, en este caso al espectador, un producto -la película- que no era lo que imaginaba, pero que tras consumirlo, se da cuenta de que era lo que estaba buscando.

1. Sueño en otro idioma. El tercer largometraje de Ernesto Contreras es una película que nos invita a conocer más lo que somos.

Lee la crítica completa a la película en este enlace: https://goo.gl/iexv8Y

2. La cuarta compañía. Una película pone la atención en uno de los problemas más importantes de nuestro país: la falta de un buen sistema penitenciario.

Lee la crítica completa a la película en este enlace: https://goo.gl/gbwSCG

3. El club de los insomnes. Este filme es sencillo en cuanto al lenguaje cinematográfico, pero profundo en su contenido.

Para hacer esta lista, le preguntamos a nuestro crítico experto Arturo Brum Zarco. Si quieren decirle algo, que sea por Twitter.

¿Qué otra película mexicana de este año crees que es de calidad? Déja tus comentarios.


“Rascacielos: Rescate en las Alturas”, el mismo héroe de siempre

Dwayne Johson regresa con su clásico papel de héroe con la película Rascacielos: Rescate en las Alturas (Skyscraper), que cumple con las características del cine de acción; pero esta cinta cuenta con una novedad: el protagonista tiene una discapacidad, perdió una pierna y usa una prótesis.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Will Sawyer (Dwayne Johson) es un ex militar que perdió una pierna cuando intentó rescatar a una familia secuestrada. La doctora que lo salvó Sarah Sawyer (Neve Campbell) se convirtió en su esposa y tuvieron dos hijos.

Will usa una prótesis para caminar y tiene una pequeña compañía de seguridad. La cual es contratada por el millonario chino, Zhao Long Ji (Chin Han), quien realizó el edificio más alto del mundo y con la tecnología más avanzada.

El trabajo de Will consiste en supervisar que todos los procesos de seguridad del gigante y moderno edificio funcionen a la perfección; sin embrago, una cruel y maligna organización quiere destruir el edificio, para conseguir algo que guarda el empresario Zhao.

Los villanos logran controlar le tecnología del inmueble y lo incendian. Mientras tanto la familia de Will está dentro del lugar.

De esta forma, Sawyer intentará derrotar a los villanos, salvar a su familia y al edificio; y lo hace sin disparar ninguna arma, sólo utiliza cinta adhesiva (es en serio, gracias a esa fiel herramienta el héroe salvo el día).

Así es como esta película cumple con las características del cine de acción de héroes y villanos: la verosimilitud no importa, sino las secuencias de explosión y persecución.

Punto aparte tiene la película al compartirnos un héroe que no tiene una pierna y usa una prótesis, es aplaudible la forma cómo abordaron el tema, ya que demuestran que una incapacidad no es un pretexto para no conseguir nuestros objetivos.

Con un ritmo estridente, escenas de acción irriosorias  y totalmente irreales, un guion predecible, es la clásica película donde el héroe estadounidense es el único que puede salvar a un edificio en llamas en China.

Por su parte Dwayne Johson es actualmente el actor por excelencia para este tipo de películas, como lo fuera en su tiempo Bruce Willis, Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger.

Dirigida por Rawson Marshall Thurber, es una cinta  con una novedad importante, el héroe es discapacitado, eso le da un punto de originalidad al filme; sólo un punto.


*Periodista y Realizador. Director de CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y en Oculus Todo el Cine.