Las 5 grandes ausencias del Oscar 2018

El martes 23 de enero la Academia anunció los candidatos de las 24 categorías que compiten por un premio Oscar. Sin embargo, dentro de los nominados las grandes ausencias, como siempre, aparecieron en medio de escándalos, omisiones y errores.

 

Por Carlos Ramírez García*

@carloshrgarcia

 

  1. In the fade (Mejor Película Extranjera, Mejor Actriz)

Tal vez la ausencia más evidente. In the fade triunfó, junto con su protagonista Diane Kruger, en el Festival de Cannes y los Globos de Oro. Los filmes que logran destacar en estos dos eventos, generalmente pasan por automático a los Oscar. Pero ni en Mejor Película Extranjera ni Mejor Actriz resultaron nominadas. Una sorpresa que arruinó las predicciones de muchos, quienes daban, por lo menos, a In the fade una nominación.

 

  1. James Franco (Mejor Actor)

Las recientes acusaciones de acoso sexual en contra del actor James Franco provocaron que el actor no apareciera entre los nominados de la Academia. Y es que, después de  ganar  Mejor Actor de Comedia en los Globos de Oro todo apuntaba a que el protagonista de The disaster artist estuviese nominado. Las acusaciones en contra de Franco se dieron justo después de ganar el Globo de Oro y antes de que aparecieran las nominaciones a los Oscar.


 

  1. Hong Chau (Mejor Actriz de reparto)

La actriz tailandesa Hong Chau realizó un trabajo excepcional en la película de Alexander Payne, Pequeña gran vida, como una activista que cambia su opinión conforme el filme avanza. No obstante, a pesar de su destacado papel, la Academia no la tomó en cuenta. 

 

  1. John Mathieson (Mejor fotografía)

Logan no hubiese sido lo mismo sin su fotografía. El estilo tipo western que el director, James Mangold, le quiso dar a la última película sobre Wolverine se logró gracias a la fotografía, planos, paleta de colores e iluminación de John Mathieson.

 

 

  1. Martin McDonagh y Steven Spielberg (Mejor Director)

Los directores de Three Billboards outside Ebbing Missouri y The Post, Martin McDonagh y Steven Spielberg, respectivamente,  no figuraron entre los nominados a Mejor Director. La sorpresa recae, mayoritariamente, en McDonagh quien logró una dirección impecable en cada uno de los aspectos de su película, la actuación principalmente. Aunque McDonagh no haya sido nominado a Mejor Director, su filme sí está entre las nominadas a Mejor Película. Por su parte, Spielberg,  consentido de la Academia, también compite por Mejor Película. 

 

 

 

*Periodista. Reportero y colaborador en CinEspaco24.


#FICUNAM8 anuncia su selección oficial Ahora México

El Festival de Internacional de Cine UNAM (FICUNAM) presentó la selección oficial de Ahora México.

 

La sección Ahora México se ha convertido en un espacio de estreno del cine independiente mexicano en la Ciudad de México. Cortos, medios y largometrajes conviven en la misma sección para dar a conocer las nuevas tendencias cinematográficas nacionales. Estos son los títulos seleccionados:

EN COMPETENCIA:

  1. La compañía que guardas (The Company You Keep), Diego Gutiérrez. México-Países Bajos 2017 (86 min). *Estreno CDMX.
  2. David. El regreso a la tierra (David. The Return to Land), Anaïs Huerta. México 2017 (95 min). *Estreno CDMX.
  3. Los débiles (The Weak Ones), Eduardo Giralt y Raúl Rico. México 2018 (65 min). *Estreno americano.
  4. Esta película la hice pensando en ti (I Made this Movie Thinking of You), Pepe Gutiérrez. México 2018 (66 min). *Estreno mundial.
  5. M, Eva Villaseñor. México 2018 (52 min). *Estreno mundial.
  6. Mano de metate (Grindstone Hand), Eugenia Varela y Bruno Varela. México 2018 (62 min). *Estreno mundial.
  7. Piérdete entre los muertos (Drown Among the Dead), Rubén Gutiérrez. México 2018 (61 min). *Estreno americano.
  8. El reino de la sirena (The Mermaid´s Kingdom), Luis Rincón. México 2017 (78 min). *Estreno americano.
  9. La sombra de un dios (A God’s Shadow), Bernhard Hetzenauer. México-Austria-Alemania 2017 (20 min). *Estreno CDMX.
  10. La Vida Suspendida de Harley Prosper (The Still Life of Harley Prosper), Juan Manuel Sepúlveda. México 2018 (65 min). *Estreno mundial.

 

FUERA DE COMPETENCIA:

Tesoros, María Novaro. México 2017 (96 min).

 

Para ver las sedes visita:

http://www.ficunam.unam.mx/


“Tiempo compartido” ganó el premio a Mejor Guión en el Festival de Sundance

Julio Chavezmontes y Sebastián Hofmann fueron galardonados con el premio a Mejor Guión del festival de Sundance por la película Tiempo Compartido, protagonizada por Luis Gerardo Méndez, Miguel Rodarte, y R.J. Mitte, este último conocido por interpretar a Walter White Jr. en la exitosa serie Breaking Bad.

Entre las películas que han sido reconocidas en Sundance por su guión destacan Memento de Christopher Nolan e Historias de familia de Noah Baumbach, ambas nominadas al Premio Oscar por Mejor Guión Original  después de su estreno en el festival.

Tiempo Compartido, dirigida por Sebastian Hofmann y producida por Julio Chavezmontes, fue aclamada por la prensa internacional tras su estreno.

Tiempo Compartido será distribuida bajo el sello de  Piano en la segunda mitad de 2018. Actualmente, se encuentra en competencia en el prestigioso festival de Rotterdam y tendrá su premiere mexicana en el Festival de Guadalajara 2018.


“Life it self”, amar el cine

Selvas de esperanzas, sueños, temores y aspiraciones salen de la pantalla cuando uno ve películas. Porque, aunque la vista sea como cada día, el cine nos hace consientes de la manera en que vemos. E igualmente, dice Roger Ebert, “la vida es un viaje en el que muchas personas nos acompañan”. El cine nos toma de la barbilla para volver a nuestro alrededor, a las personas y entenderlas. La vida es un viaje.

Por Carlos Ramírez García*

@carloshrgarcia

Hace 5 años que Roger Ebert, crítico de cine, culminó este viaje. Y es Steve James, director de varios documentales, quien lo acompañó en su itinerario final pues su ausencia tenía que abrir con un filme. De ahí el documental Life it self, que surge como una idea del recuerdo del trabajo del crítico de cine, pero que se transforma en una mirada a la agonía, una autobiografía de Ebert, un viaje crítico.

Dado a la botella, las mujeres y el cine, Ebert también le hacía a la soberbia, pero esa que se “justifica” pues ganó el Pulitzer. Más que un documental, esta película sitúa los ojos y el corazón en los últimos días del crítico de cine; desde momentos sublimes hasta los penosos. Los últimos días de Roger Ebert son siempre filmados con la luz a tope; no hay lágrimas ni tristeza, pues todo debe ser felicidad.

¿Por qué amar el cine?

El director norteamericano Martin Scorsese comenta que Roger Ebert “realmente amaba las películas, y él no quedó atrapado en ciertas ideologías sobre cómo debería ser el cine”. Y es que Roger Ebert siempre amó al cine por su capacidad de envolvernos pero también de exteriorizarnos y hacernos conscientes del entorno. Somos determinados por la forma en que fuimos criados, y esa forma es un cascarón que se agrieta por el propósito de la civilización: socializar con otras personas. El cine cumple este propósito pues agrieta nuestra realidad, dice Roger Ebert.

El cine nos deja ver lo que no podríamos ver; identifica y sensibiliza para mostrarnos el entorno que nos rodea, aquel que ignoramos o queremos ignorar. Precisamente la labor principal de Ebert fue que la gente se acercara al cine como un arte más que un espectáculo.

Luego de tener su programa de televisión junto a Gene Siskel, colega suyo, en el que hablaban acerca de estrenos de fin de semana y recomendaban o ridiculizaban una película, los críticos de academias intelectuales dijeron que se estaba desvirtuando la crítica de cine. Ebert respondió a Richard Corliss, uno de los tantos que le recriminaban: “Estoy de acuerdo en que no es crítica de cine a profundidad. El propósito del programa es proporcionar exactamente lo que Carliss dice que ofrece: Información sobre lo que hay de nuevo en el cine, quien sale y si el crítico piensa que es buena o no”.

Roger Ebert sentencia que la información al consumidor no es lo mismo que una crítica. Creer que algo es bueno o malo para todo el mundo es un insulto para todo el mundo. Tal idea consolida el deseo de Ebert de que el cine sea concebido como arte.

Así como el arte, cada película es una experiencia y como experiencia es inigualable. Quizá haya similitudes pero jamás se repetirá una experiencia completamente. También esto es cine.

Curiosidades:
–Life it self ganó el Premio de los Critics´ Choice Award a Mejor Documental y formó parte de la Selección Oficial del Festival de Cannes y el Festival de Sundance en 2014.
-Roger Ebert nació el 18 de junio de 1942 en Illinois y murió a causa de cáncer tiroideo el 4 de abril de 2013 en el mismo estado.
-La película favorita del crítico era Ciudadano Kane de Orson Welles.
-Ebert fue el primer crítico de cine que ganó el premio Pulitzer en 1975.

 

 

*Periodista. Reportero y colaborador de CinEspacio24 Noticias.

 

 

Para profundizar más sobre el tema; te invitamos a nuestro taller de Crítica Cinematográfica, toda la información aquí.

 


“Apuesta maestra”, una historia de ambición y póker

Cuando el ser humano tiene poder sobre una empresa o cosa, los excesos pueden ser su gran problema y los límites no entran en su vocabulario; y, por su puesto, en la mayoría de los casos las consecuencias de sus actos son devastadoras. Ese es el tema de la cinta Apuesta Maestra (Molly´s Game), protagonizada por Jessica Chastain y basada en un hecho real, cuenta la historia de una mujer que hizo millones de dólares organizando juegos de póker clandestinos.

 

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Molly (Chastain) es una mujer inteligente, independiente y está a punto de entrar a estudiar leyes. Pero ella quiere darse un tiempo, buscar otras opciones. Así es como llega a ser la secretaria y asistente de Dean Keith (Jeremy Strong), quien organiza juegos de póker, donde la entrada es de diez mil dólares.

A estos juegos, que se realizan en Los Ángeles, asisten estrellas de Hollywood, directores, productores, actores y empresarios. Molly es excelente para organizar y llevar las cuentas del negocio, y vive de las amables propinas que le dan los jugadores.

Ambiciosa y con ganas de poder, Molly crea su propio club de póker, y se lleva a todos los artistas de Hollywood, en especial a uno que es parte fundamental de su plan, éste es interpretado por Michael Cera (aunque no digan su nombre, se trata de Tobey Maguire, esto se sabe por el libro que escribió la verdadera Molly).

Molly comienza a tener mucho dinero, se compra cosas de lujo: ropa, autos y joyas; pero todo cambia cuando los jugadores deciden que ella no es necesaria. Devastada, decide llevar su negocio a otro lugar donde el dinero y las apuestas son necesarias, a New York.

Ahí organiza eventos de póker con más clase, y asisten banqueros de Wall Street, empresarios, jóvenes millonarios y se involucra la mafia rusa e italiana.

La cinta esta basada en un hecho real, es la historia de Molly Bloom, que a los 26 años de edad controlaba un gran imperio de póker, y aunque al parecer no cometió ningún delito, fue acusada de enriquecimiento ilícito y complicidad con el crimen organizado.

Estuvo en la cárcel y fue absuelta de todo cargo. Ya libre y en bancarrota, escribe un libro sobre las peripecias que vivió en ese mundo: como sus problemas de drogas, la gente poderosa que le insistía entrar a su club o cómo fue amenazada y golpeada por la mafia.

De esas memorias, de esa historia, nace la cinta Apuesta maestra, donde debuta como director Aaron Sorkin, ganador de un Oscar por el guion de la cinta Red Social. Quizá por ser su ópera prima, la cinta tiene un ritmo confuso y escenas un poco absurdas; pero con un guion con el sello de Sorkin: con el drama y realismo necesario.

En este filme Jessica Chastain (hace un gran trabajo), está en su zona de confort, ya realiza el tipo de papel donde más ha destacado, protagoniza a una mujer fuerte, independiente y con la obsesión de controlar todo, como lo hizo en las cintas La noche más oscura, Sola contra el poder e Interestelar.

La Apuesta maestra, que esta nominada al Oscar como mejor guion adaptado, es una cinta que habla de la obsesión por el control, el amor por el dinero, la adicción de las apuestas, y, sobre todo, de aceptar las consecuencias de nuestros actos.

El filme se centra en el juicio de Molly, quien contrata al abogado Charlie Jaffey (Idris Elba). Ella, en forma de flasback nos cuenta  su inicio como asistente hasta el final de su imperio. El conflicto: los fiscales quieren la base de datos de todos los que participaron, ella no quiere dárselos.

Seguro es un filme que hizo temblar a mucha gente, ya que aunque en la cinta como en el libro se omiten nombres, las personas más poderosa y ricas de los Estados Unidos estuvieron en las mesas de póker de Molly.

Una chica que representó a su país en los Juegos Olímpicos en la competencia de esquí, pero al sufrir un terrible accidente dejó esa profesión, y se convirtió, según la prensa sensacionalista y amarillista en la Reina del Póker.


 

 

*Periodista y realizador. Director y Editor de CinEspacio24 Noticias. Colaborador de Cio Noticias.


El GIFF 2018 se realizará bajo la influencia del director sueco Ingmar Bergman

El Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) realizará su edición 21 inspirado por el destacado director sueco Ingmar Bergman en el centenario de su nacimiento, y parafraseando su primer obra maestra, “Un verano con Mónica” (‘Sommaren med Monika’, 1953), invita a sus asistentes a vivir del 20 al 29 de julio “Un verano con Bergman, un verano en Guanajuato”.

Por Redacción CinEspacio24
 
El GIFF presentará una retrospectiva en homenaje al director sueco, considerado pieza clave de la cinematografía mundial. Y no sólo eso, a imagen y semejanza de su obra, el Festival eligió una representación idílica del mismo filme para su cartel oficial y vestir a Guanajuato con su espíritu.
 
GIFF ABRE CONVOCATORIA Y EXPANDE LAS FRONTERAS DEL CINE 
 
El GIFF abre su Convocatoria para la Competencia Oficial de Largometraje y Cortometraje para su edición 21, misma que estará disponible desde el 25 de enero y hasta el próximo 1 de abril de 2018, en las plataformas Withoutabox.com y FestHome.com, al igual que en Giff.mx.
 
Con la finalidad de continuar con su apoyo a los cineastas nacionales, la inscripción será gratuita para las películas mexicanas. Son seis las categorías en competencia: Largometraje Ficción, Largometraje Documental, Cortometraje Ficción, Cortometraje Animación, Cortometraje Documental, Cortometraje Experimental así como la nueva categoría en Realidad Virtual.
 
El Festival Internacional de Cine Guanajuato continúa expandiendo las fronteras del cine  y este 2018 abre las inscripciones para la competencia en la categoría de Realidad Virtual. El GIFF produjo el año pasado tres cortometrajes en RV, asimismo exhibió otras películas en este formato, con el objetivo de explorar e impulsar los nuevos estilos de narración.
 
Cabe destacar que en la Convocatoria del GIFF 2017, el Festival recibió 3,345 películas provenientes de 121 países, entre ellas 625 mexicanas y 76 del estado de Guanajuato. De ellas se proyectaron 402 películas, 144 en Selección Oficial, 150 como parte del programa de Canadá como país invitado.
 
Las inscripciones en esta categoría son elegibles para ser seleccionadas en la competencia VR. El GIFF alienta a la comunidad creativa de narradores y tecnólogos a inscribir sus proyectos creativos de producción independiente de ficción y documental.
 
 
TEMA: NARRATIVA ILUMINADA
 
Por otro lado, el tema que regirá esta edición será Narrativa iluminada. La luz es un principio básico de creación y de conocimiento. Al mismo tiempo, es imposible hablar de luz sin involucrar la mirada. El conocimiento que obtenemos en cada parpadeo es un conocimiento único, personalísimo, sobre lo que es pertinente observar en nuestro mundo. Cada individuo percibe la luz, los colores y las formas de manera distinta en un conocimiento totalmente subjetivo e individual. Lo mismo sucede al momento de crear, la elaboración del discurso lumínico es propio de cada creador, y solamente podemos obtener un panorama claro del tema cuando se aborda desde miradas multidisciplinarias. Durante esta edición se ofrecerán conferencias y talleres prácticos sobre la luz como elemento creativo en la narrativa audiovisual.
 
CINEASTAS MEXICANOS BECADOS POR GIFF VAN A ROTTERDAM LAB
 
El GIFF trabaja por el desarrollo y formación de los cineastas mexicanos y como parte de las alianzas internacionales que mantiene con instituciones de cine de primer nivel, anuncia los dos mexicanos que viajarán al Festival Internacional de Cine Rotterdam.
 
Se trata de la productora Indira Cato (Llévate mis amores) y Juan Sarquis (Truenos de San Juan) quienes son los becados del GIFF para asistir al prestigiado Taller Rotterdam Lab, que se realizará del 27 al 31 de enero de 2018, donde recibirán asesorías para impulsar sus proyectos fílmicos y en su caso buscar una coproducción internacional.
 
Juan se encuentra en la producción de 3 largometrajes, dos ficciones: “El matrimonio de Pepe Sánchez Campo” y “Julia privada”, y el documental “Sisífos”. Mientras que Indira se encuentra en la producción de “#Mickey”, largometraje documental de Betzabé García. Ambos productores buscarán impulsar sus proyectos durante su estancia en Rotterdam Lab.
 
GIFF +  MEDIENBOARD + GOETHE-INSTITUT 
 
Gracias a una valiosa colaboración entre el GIFF, Medienboard Berlin Brandenburg y el Goethe-Institut México, desde el 2014 se lleva a cabo una iniciativa bilateral que permite a cineastas y productores alemanes y mexicanos, trabajar por dos meses en México y Alemania respectivamente, con la finalidad de desarrollar sus proyectos fílmicos y buscar fondos para desarrollar sus producciones.
 
En esta ocasión, el director mexicano Joaquín del Paso fue elegido para viajar a Alemania a concluir la escritura del guión de su siguiente película. Cabe destacar que la última producción del cineasta, “Maquinaria panamericana” se estrenó en el Berlinale Forum el año pasado, además de que esta película ganó en la categoría Mejor Largometraje de Ficción, en GIFF 2016.
 
Por parte de Alemania, el cineasta Jan Zabeil viajó a San Miguel de Allende con el proyecto “Zurück In Den Westen” (Back to the West) en búsqueda de nuevos puntos de vista y para empaparse de lo que él considera “uno de los lugares más creativos para filmar”. En adición a esto, Jan realizó una instalación artística con fotografías de su autoría que muestran inusuales detalles de la ciudad. Esta obra se dio a conocer en una exhibición donde también presentó su corto “We will stay in touch about it”, el evento se realizó en las instalaciones de Casa Europa en México, con apoyo de dicha fundación y del GIFF. 


“La bóveda”, mezcla de acción y terror

Lo que parecía ser un planeado pero arriesgado robo de banco se transforma en un suceso paranormal, aparentemente. Dirigida por Dan Bush (La reconstrucción de William Zero, 2014), La bóveda es una prueba del director estadounidense por juntar la acción, el suspenso y el terror en una sola cinta.

Por Carlos Ramírez García*

@carloshrgarcia

El asalto a un banco, utilizado también como trama de algunos videojuegos sobresalientes (Payday, 2011; Grand theft auto V, 2013), constituye la impresión primeriza para inmiscuir al público.

Encubiertos en el banco y en un camión de bomberos, los asaltantes (Francesca Eastwood, Tary Manning y Scott Haze) se disfrazan con la excusa de revisar una fuga y así tomar el edificio.

Por su parte, el gerente del banco Ed Mass (James Franco) anticipa el atraco y logra recibir a los asaltantes de manera inteligente. Aquí comienza y termina el único giro interesante de La bóveda. Mass revela a los delincuentes que existe una antigua bóveda que contiene la mayor parte del dinero del banco. Los asaltantes caen inmediatamente en la trampa.

Al dirigirse a la bóveda, que se encuentra en el sótano más profundo del edificio, se percatan de una situación inexplicable. Con la policía afuera, los protagonistas meditarán si es mejor estar en la bóveda del banco o entregarse a las autoridades.

Primero drama, luego acción y terror para finalizar con suspenso, La bóveda es una mezcla que falla por su ejecución, ya que no atrapa al espectador. 

La película, con un estilo de telefilme, es sobrellevada a su vez por una actuación creíble de James Franco. A diferencia de los otros protagonistas, que demuestran su falta de experiencia  por sus cambios de comportamiento sin explicación alguna en el filme.

Por eso es que, aunque el principal atractivo de La bóveda sea el suspenso y el terror combinados con acción, el espectador caerá en la cuenta de lo predecible que es la cinta y sus ilusorios misterios.

La bóveda, en esencia, es una contradicción a sí misma: lo que parecía ser un asalto común y corriente resulta que no lo es; lo que parecía ser una película llena de suspenso y terror resulta que no lo es.

*Periodista. Reportero y Colaborador de CinEspacio24 Noticias.


“Tres anuncios por un crimen”, la ira y la acción

Tres anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri), es una cinta dirigida y escrita por Martin McDonagh, con grandes actuaciones de Frances McDormand, Woody Harrelson y Sam Rockwell. Una película que habla sobre la violencia y la ira.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Ella, desesperada porque la policía no hace nada por encontrar al asesino de su hija, contrata el espacio de tres anuncios publicitarios en la carretera; en ellos escribe tres mensajes contra la ineptitud de la policía local. El pueblo donde vive, aceptad su dolor, pero no están de acuerdo con los anuncios. El Sacerdote de la localidad va a visitarla para que cambie su postura y los quite.

Ella de una forma directa y sin callar nada, le dice al cura que con qué moral un tipo que pertenece a una Iglesia donde los sacerdotes violan a los niños le dice qué hacer; no lo culpa a él de tales actos, pero al pertenecer a esa élite religiosa, eso también lo hace culpable; esa es la esencia de la cinta Tres anuncios por un crimen, la culpa es de todos y nadie.

Protagonizada por Frances McDormand (quien ganó un Oscar a Mejor Actriz en 1997 por la cinta Fargo de los hermanos Coen), interpreta a Mildred, una madre que sufrió la perdida de su hija, quien fue violada y quemada.

Después de un año sin ver resultados por parte de la policía, decide ser más ruda, llevar su desesperación a actos concretos, incluso agresivos; pone tres anuncios en la carretera, en uno de ellos le pregunta directamente al jefe de la policía local, Willoughby (papel que hace adecuadamente Woody Harrelson), ¿qué está haciendo para encontrar al asesino?

Esto desata indignidad en el pueblo, quien empieza a atacar a Mildred y a su hijo adolescente; sobre todo el policía Dixon (interpretado magistralmente por Sam Rockwell), un tipo que tiene fama de racista y golpeador de negros. Él, quien vive con su madre, es un pésimo policía; amenaza a Mildred, golpea al dueño de los anuncios publicitarios, sin ningún remordimiento.

La cinta habla sobre la violencia a la mujer, el racismo, la intolerancia de la policía, la falta de empatía de la sociedad hacia una tragedia. Todo esto se muestra gracias a una dirección precisa y un guion profundo del director y guionista Martin McDonagh.

La cinta, con actuaciones alucinantes (Frances, Woody y Sam están nominados al Oscar 2018 por estos papeles), es una crítica al actual comportamiento en los Estados Unidos (y en el mundo): ese odio hacia la mujer, esos abusos, esos golpes, y esa policía que no hace nada. En tiempos de la era Trump (el presidente de los Estados Unidos xenófobo y misógino) la película dice muchas cosas y actúa sobre ellas.

Ya que aquí no vamos a ver personajes pasivos, sino personas que actúan, exigen y demandan. Sí de una forma violenta, se puede entender y no justificar, ese debate abre la cinta: ¿cabe la agresión ante la impunidad y la injusticia? El dolor de una madre o padre por el asesinato de una hija debe ser casi insoportable.

Esos sentimientos de rabia, furia, venganza, de lágrimas lo lleva a la perfección Frances, quien realiza la mejor actuación de su carrera. Da una cátedra de lo que es actuar.

Un filme que juega con la ira como eje para mostrarnos que la violencia y el maltrato es una epidemia. Espero que los actos agresivos no sean la solución.


*Periodista y realizador. Director y Editor CinEspacio24 Noticias. 


“Lo más sencillo es complicarlo todo”, otra clasista comedia romántica

Lo más sencillo es complicarlo todo es una cinta que le hace honor a su nombre, ya que de una premisa y guion sencillo, complican todo para mostrar una película, que si bien tiene definido al público que va dirigido, el lugar común de las clasistas comedias románticas es su estandarte y lo llevan a niveles exagerados y sin sentido. Quizá es ironía de su director.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Renata (Danna Paola) es una adolescente de 17 años, presumida, arrogante y consentida. Ella romperá la cuarta pared en toda la película para contarnos su gran y emotiva tragedia; como cualquier adolescente el mundo gira alrededor de ella. Un pequeño punto destacado para la cinta.

Ella ama al cine y en sus ensoñaciones se imagina que su cuento de amor está lleno de sus películas favoritas. Así, sus sueños son escenas de filmes clásicos como Belleza americana, Titanic, Amelie, entre otros. De esa forma, la película intenta homenajear a ese cine emblemático y mejor nos les cuento los resultados.

Renata está enamorada de Leonardo (Alosian Vivancos, quien seguro lo han visto en su papel de modelo y futbolista en la también clasista serie Club de Cuervos), quien es el mejor amigo de su hermano y se conocen desde que ella era una bebé y él un niño. Leonardo le lleva 12 años de diferencia.

Cuando descubre que Leonardo se va a casar con Susana (Marjorie De Sousa), en un viaje que realizan a Puerto Vallarta (un fin de semana más para ellos, el dinero no tiene importancia), Renata realiza planes inverosímiles y que nunca vemos en pantalla para separarlos.

Dirigida y escrita por Rene Bueno, crea un ambiente telenovelesco más que cinematográfico, con actuaciones vacías y huecos argumentales que en verdad complican la sencilla narrativa, con personajes que nunca entendí de donde salieron y para que estaban ahí, y con problemas resueltos sin una explicación coherente  y exageradamente dramáticos.

Quizá otro punto destacado es el papel de Danna Paola (quien “tipo” no lo hace mal). Renata dice lo que piensa sin tapujos, usa un lenguaje “tipo” fresa, habla rápido, y en ocasiones eso causa gracia o pena ajena, es como una imitación del personaje que hace Luis Gerardo Méndez en la serie Club de Cuervos y en la cinta Nosotros los Nobles.

La cinta obviamente pinta ese México que sólo los privilegiados conocen: bello, sin problemas, sin pobreza (esa vida dentro de una burbuja burguesa); y eso supongo que está bien (¿o es peligroso?, ahí esta el debate de estas cintas), en el sentido que cumple su objetivo, ser un filme que invita al espectador a desear ese país y esa vida; sigamos soñando “bonito” mexicanos.

Este filme adolescente que habla del primer amor y del paso a la madurez, entra en ese catálogo en el que México cada vez se vuelve más experto: las clasistas comedias románticas, sin ningún aporte novedoso a nuestro cine. No será sorpresa que sea un éxito en taquilla.

 

*Periodista y realizador. Director y Editor de CinEspacio24. Colaborador de Cio Noticias


“El Pájaro loco”, el combate hecho caricatura

El enfrentamiento hombre-animal. La rivalidad hecha caricatura. El combate hecho comedia. Alex Zamm (El inspector Gadget, Una chihuahua en Beverly Hills) dirige esta lucha a manos del Pájaro Loco, caricatura creada por Ben Hardaway, autor, también, de Bugs Bunny y el Pato Lucas.

 

Por Carlos Ramírez García*

@carloshrgarcia

La creación del Pájaro Loco, a finales de 1930, está muy lejos de lo que actualmente es el personaje. Por aquella época, el Pájaro carpintero era, cuando menos, rebelde, vicioso y hasta realizaba sugerencias de tipo sexual.

En la película El Pájaro loco, el personaje se vale de la fórmula que con frecuencia se suele utilizar en las películas que combinan la tecnología CGI con la realidad: la pelea entre los humanos y el personaje (Garfield, Oso Yogui).

Desde hace años, el Pájaro Loco propició un entretenimiento sano para niños. Por lo que sus productores decidieron cambiar la actitud del animal por una que marcara un paradigma para los niños.

En ese sentido, tanto en las caricaturas como en esta obra, Pájaro loco (Erick Bauza) se pasa la mayor parte del tiempo siendo un niño travieso, pero ejemplar.

Esta idea se adecúa en la trama, ya que Pájaro loco se enfrenta a un abogado y padre divorciado, Lance Walters (Timothy Omundson), quien se muda con su hijo (Graham Verchere) y su novia (Thalia Ayala) al hogar del Pájaro carpintero.

Ahí Walters desea construir su casa sin importarle acabar con el bosque y sus habitantes. Todavía mayor, la premisa añade enseñanzas ecológicas que en realidad no trascienden por la comicidad de la cinta.

Esta historia, ya gastada, tiene personajes de cartón. Es decir, las actitudes, incluso apariencia, son estereotipos de la sociedad americana.

Por ello, en El Pájaro loco, Alex Zamm no logra desprenderse de su estilo como en Un chihuahua en Beverly Hills, en el que los personajes también eran estereotipos y tenían un comportamiento infantil.

La guerra entre Pájaro loco y Lance Walters tiene batallas menores, y una mayor al final, que realizan un homenaje a la caricatura. Gags, travesuras y chistes armados para niños recuerdan al Pájaro loco que se divertía molestando a los demás con diferentes trampas.

Su característica risa evoca a la nostalgia; sin embargo, pierde su encanto por la notable falla que existe entre la coordinación del CGI y la realidad. Un ejemplo es cuando los actores siguen con su vista al Pájaro loco, creado por computadora, pero por instantes miran hacia otro lado en el que él no está. Esto habla de una descoordinación entre los programadores del CGI y el director.

La rivalidad hecha caricatura y el enfrentamiento hombre-animal no es algo fuera de lo común en este tipo de producciones CGI-realidad. Aunado a ello, El Pájaro loco queda para el olvido porque no trabaja de manera eficaz la fórmula ya establecida ni tampoco rinde un homenaje digno a la caricatura. Aunque, significa un entretenimiento que descarrila de la risa a los niños.


 

*Periodista. Reportero y Colaborador de CinEspacio24 Noticias.