“Kingsman: El círculo dorado”, regresan los agentes educados

Los héroes más elegantes y educados de la historia, Kingsman, regresan con su encanto para, de nuevo, salvar al mundo. La cinta Kingsman: El círculo dorado intenta mantener la esencia de la primera parte ( Kingsman: El servicio secreto, una parodia a las cintas de espías y agentes secretos), y aunque cuenta con su elenco original no logra ese impacto de su predecesora.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Ha pasado un año desde que la agencia Kingsman detuvo los planes malévolos de Valentine (Samuel L. Jackson). Ahora, Eggsy (Taron Egerton) es el agente Galahad, ha tomado el lugar de su “difunto” mentor, Harry (Colin Firth), quien le enseñó a pelear y, obviamente, a tener buenos modales.

Eggsy intenta llevar un vida normal (tiene una novia que pertenece a la realeza sueca) y a la par es un agente secreto. Pero todo se derrumba cuando una organización llamada El círculo dorado, liderada por la sociópata Poppy (Julianne Moore), que son los mayores narcotraficantes del mundo, hackean los archivos de los Kingsman y matan a casi todos.

Por lo tanto, Eggsy buscará ayuda con sus amigos de Estados Unidos , la organización Statesman, liderada por Champagne (Jeff Bridges) y los agentes Tequila (Channing Tatum), Whisky (Pedro Pascal) y Ginger Ale (Halle Berry).

Esta cinta dirigida por Mattew Vaughn (también encargado de la primera parte), busca conseguir la esencia y ambiente que logró en la película anterior, es decir, una cinta de acción y comedia novedosa y fresca, así como una parodia a los filmes de agentes secretos y sus organizaciones.

Pero se queda en el intento, ya que abusa de la bromas, su cinismo es banal, sus chistes son reciclados y bien se pudieron ahorrar media hora de la película y no cambiaría nada.

Asimismo, uno de los grandes problemas de la cinta es que sí tienes que conocer la primera parte para entender bien todas las referencias. En ese sentido, los fans de la primera amarán esta secuela; los que apenas la vean quizá no saldrán muy convencidos.

No obstante, tiene secuencias de acción agradables (al fin tener un paraguas o un maletín como arma es chistoso y llamativo). Sobre todo disfruten la última escena, un plano secuencia de una batalla, es un trabajo muy satisfactorio.

Por otra parte, la cinta realiza una crítica a las decisiones egoístas que toman los líderes mundiales y abre un poco el debate sobre la legalización de las drogas. Nos les cuento más al respecto porque sería spoilers.

La taquilla en Estados Unidos ha dado ya buenos resultados a esta cinta, seguro México no será la excepción, por lo que me atrevo apostarles que habrá una tercera parte.

Kingsman: El círculo dorado es una cinta de acción entretenida pero se queda en un punto medio si la comparamos con la primera parte.

 


“Muerte misteriosa” un relato íntimo en la nieve

Muerte misteriosa (Wind River) es un relato policiaco, que no explota el suspenso o escenas de acción, sino que muestra un lugar inhóspito y se involucra en los sentimientos e intimidad de sus personajes: un cazador, una inexperta agente del FBI, un oficial de policía y un matrimonio que perdió a su hija.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Ubicada en Wyoming, en la Reserva India del Rio Wind, un lugar donde la nieve “manda”, ya que de repente puede aparecer y desaparecer una tormenta de nieve. Parece un lugar sombrio, sin movimiento. No obstante, muchas familias viven ahí, sobre todo comunidades indias.

Subir las montañas o explorar el territorio es un acto que sólo un experto lo puede hacer. A eso se dedica Cory Lambert (Jeremy Renner), un cazador de animales salvajes -obviamente como es el héroe, tenía que ser un personaje blanco que se lleva de maravilla con una comunidad india-, en una de sus travesías por la montaña descubre el cuerpo de una mujer.

Él la reconoce es la hija de uno de sus mejores amigos. Llama a la policía local y descubren que ella sufrió ataques físicos y sexuales, por lo que tienen que contactar a agentes federales.

Así llega la agente del FBI, Jane Banner (Elizabeth Olsen), una oficial que desde un principio muestra su inexperiencia pero lo compensa con ganas de descubrir qué le paso a la chica.

Con la ayuda del jefe de la policía local y de Lambert, Jane inicia una investigación donde su mayor rival es la naturaleza gélida del lugar.

Dirigida por Taylor Sheridan, guionista de las buenas películas Enemigo de todos y Sicaro, nos transporta a un filme donde la nieve es un personaje más y realiza una cinta que se enfoca más en las personalidades de sus personajes que en crear suspenso para resolver el misterio.

Al respecto, intenta ser algo difrente, íntimo y hace un buen trabajo para la reflexión sobre personas que viven en condiciones difíciles en cuanto a su ubicación; asimismo, trata el tema de la violencia hacia la mujer y lo hace con respeto pero sin callar nada.

No obstante, el papel de Lambert es algo trillado, es como el héroe de un western que todo lo sabe y quien se meta en su camino está en riesgo. Por su parte, el trabajo de Olsen, sin ser un papel destacado, nos muestra su agradable capacidad actoral.

Muerte misteriosa no explota persecuciones ni balaceras, es un trabajo que se  preocupa más sobre la condición humana y los sentimientos de una persona o una familia hacia una desagradable tragedia.

 

Periodista y realizador. Director de Comunicación y Editor CinEspacio24.

 


Tres cosas que debes saber antes de escribir tu guion

Para que dejes de procrastinar y te pongas a escribir.

 

 

Por Iván Quecha Reyna*

guion 003aContar historias a través de un guion cinematográfico va a requerir ciertas actitudes y certezas para que puedas terminarlo cabalmente, es un buen momento que las sepas para que te puedas preparar adecuadamente:

  1. Saber de lo que vas a hablar. El proceso creativo implica dominar los temas de los que se hablan para alcanzar la diégesis o la mímesis, según sea el caso, de las historias que se van a contar: espacio, tiempo y personajes.

El proceso de investigación para contar una historia puede llevar mucho tiempo, dependiendo del grado de ambición de tu idea. Puede ser desde que aprendas recetas de cocina a los últimos descubrimientos de la física.

  1. Sentir lo que se va a escribir. No necesariamente implica que tus obras sean autobiográficas, pero sí que tengan tu anécdota para que las transmitas con pasión, con humanidad, con el coraje necesario para emocionar a tu audiencia.

Grandes historias tienen un hilo conductor de experiencia del propio creador, el reto es que se pueda mantener cierto equilibrio para que nuestras creaciones no terminen siendo una repetición, pero contada de diferente forma, de la misma historia.

  1. Lo que cuentes le va a dar sentido a tu vida. Va a obligar a levantarte temprano, a disciplinarte, básicamente, a dedicarte de lleno para contar aquello que pueda ayudarle a las personas a disfrutar y tal vez reflexionar una historia.

Esto quizá es lo más complicado, decidirse a contar una historia muchas veces puede llegar a modificar nuestros hábitos más arraigados, como levantarse o muy tarde o muy temprano, es algo que muchas veces tenemos que hacer para concretar una historia.

Te invitamos a nuestro taller:

Taller de Introducción al  guion cinematográfico

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*Periodista y Realizador. Director Comercial CinEspacio24.


“¡madre!”, arriesgada película de Aronofsky

Arriesgada, con un sin fin de referencias bíblicas, metáforas, estéticamente hermosa y perturbadora; habla sobre la naturaleza, la convivencia del ser humano, el fanatismo religioso, entre otras cosas. La nueva película de Darren Aronofsky, ¡madre! (mother!), es una cinta con un argumento novedoso, pero con todo el estilo de dicho director, que abrirá el debate sobre varios temas.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Madre arregla una casa que se incendió, ubicada en medio del bosque. Ella vive con su esposo, un poeta que lleva tiempo sin poder escribir. En la mente de Madre no sólo está reparar y construir una casa, sino como ella menciona “quiero que esto sea una paraíso”.

Él, el poeta, es narcisista, incluso algo opresivo hacia Madre. Sufre porque no puede escribir, ya que no encuentra inspiración. Pero cuando un hombre y su esposa llegan misteriosamente todo cambia. Él, los invita a quedarse, les da alojamiento, disfruta su compañía.

Madre, al principio algo tímida y confundida no entiende qué hacen ellos ahí y por qué no se van. Los huéspedes resultan ser fanáticos del poeta, esto aviva una llama dentro del escritor y su ego crece y los acoge con más cordialidad.

De repente, llegan los hijos de la pareja misteriosa, comienzan a pelear por el testamento que les va a dejar su padre, el hijo mayor mata al menor (Caín y Abel). Todo frente a los ojos de Madre que sigue sin hablar y confundida.

El funeral se lleva a cabo en la casa, única locación de la cinta, llegan más invitados, quienes abusan de la hospitalidad de Madre, rompen cosas o incluso las reparan. Ella, la madre, en un acto de desesperación por fin grita y logra que todo mundo se vaya.

Ella se embaraza, Él consigue su inspiración. Escribe algo hermoso, sublime y miles de fanáticos llegan a la casa para adorar sus palabras.

Esta nueva película de Darren tiene un argumento novedoso, quizá a algunos no les guste por el ritmo y el caos que se muestra en la cinta, pero ese es el caos al que quiere referirse el director.

Una metáfora a la condición humana, a la adoración hacia una persona, a la destrucción del planeta (que en este caso es una casa creada por la madre naturaleza). Es por eso que la película es ambientalista; una sutil crítica de lo que estamos haciendo con el planeta y la convivencia entre los seres humanos.

Adoramos a Él, al que escribe palabras hermosas y esperanzadoras, y los amamos hasta llegar a puntos sin sentido que provocan muerte, destrucción y guerra.

Esto lo vemos en la cinta desde la mirada de Madre (interpretada maravillosamente por Jennifer Lawrence), casi todas las tomas son desde la perspectiva de ella, una mujer enamorada y totalmente entregada a su esposo (una actuación increíble de Javier Bardem), un hombre que sólo vive para ser adorado y la Madre da todo por él.

El filme tiene esos detalles que Darren nos tiene acostumbrados, sonidos potentes y estridentes, acercamientos a las caras de sus protagonistas, imágenes perturbadoras. Es un largometraje que combina varios géneros como el terror y el thriller. Tiene escenas, como en todas la películas de Aronofsky, que se quedarán en la memoria colectiva.

Por su parte, el trabajo de Ed Harris y Michelle Pfeiffer (que hacen el papel de los huéspedes incomodos, o podemos decir metafóricamente de Adán y Eva), están a la par de los protagonistas.

Se notan las ambiciosas intenciones del director, sin embargo, hay efectos especiales que dejan mucho que desear o incluso tomas que confundirán al espectador, por eso estoy casi seguro que no será una película taquillera o bien recibida; por tal motivo, es arriesgada.

Es un trabajo atrevido, simbólico y metafórico. De unos de los realizadores estadounidenses más osados que hay en Hollywood. La última palabra, obviamente y como debe ser, la tiene el espectador.

 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación y Editor CinESpacio24

 

 

 


“Borg vs. McEnroe”, la intimidad antes del juego

Un partido que está en la memoria de todo amante del deporte, un juego que el fanático del tenis jamás va a olvidar. El duelo entre los tenistas Borg y McEnroe en la final de 1980 en Wimbledon es la base de la película Borg vs. McEnroe, una biopic que no muestra el predecible heroísmo deportivo, sino la intimidad y el miedo de sus protagonistas.

Por Arturo Brum Zarco *

@arturobrum

Fuera de asuntos comerciales, promotores o publicidad, los deportistas realizan actos que no cualquiera puede hacer: patear un balón a una velocidad inigualable, saltar como si estuvieran “volando”, etcétera. En ese sentido el deporte es un acto real donde el ser humano ejecuta una actividad donde la condición física y mental llegan al límite.

Por ejemplo, en el tenis, que además tiene un sistema de puntuación un poco más complejo que otros deportes, el deportista tiene una precisión certera para que una pelota atraviese una red y pegue en la punta de la cancha de su rival; asimismo, dispone de una agilidad y una fuerza envidiable. Es decir, dejando a un lado la mercadotecnia, los deportistas son personas casi sobre naturales.

En 1980 en la final de Wimbledon, dos tenistas, de diferentes estilos, nos regalaron uno de los partidos más inolvidables de la historia. Bjorn Borg tenista sueco y John McEnroe, estadounidense, jugaron una final de cinco sets para ver quién era el mejor.

En ese entonces, Bjorn jugaba su quinta final consecutiva y después de mucho esfuerzo logró ganarle a McEnroe y ganar su quinto título de Wimbledon.

Una historia puesta para una película, y eso es lo que aprovecha el director danés Janus Metz y realiza la cinta Borg  vs. McEnroe, tomando como eje narrativo ese épico partido de tenis.

La cinta no es la predecible película de heroísmo deportivo; al contrario nos muestra la intimidad de los dos deportistas, sus miedos, fobias, desesperación y, sobre todo, la principal motivación que necesita todo atleta: la rivalidad.

Entre Borg y McEnroe existía una rivalidad, no de odio, sino de buscar tener mayor precisión a la hora de utilizar la raqueta, en lograr más potencia al golpear la pelota. La sana rivalidad es la piedra medular del deporte.

Eso nos muestra el filme de Metz, esa rivalidad en conjunto con el pánico de los dos deportistas. Por una parte está  Borg, un tipo calmado y callado, que va a pelear por su quinto título, es el favorito y todo el mundo está mirándolo: como si fuera un tipo de morbo, quieren ver al héroe caer.

Por su parte, McEnroe es un joven desesperado y con un mal carácter, pero con una calidad que lo hizo uno de los mejores de la historia.

El bueno y carismático Borg contra el iracundo y rebelde McEnroe. Sin cursilerías y heroísmo banales, el filme nos muestra la personalidad de cada uno y cómo llegaron hasta la final.

Asimismo, tiene un tema de trasfondo interesante, la soledad del atleta, ya que se convierten en personajes mediáticos, héroes populares, seguidos por los niños y amados por las mujeres y hombres. Un peso gigante para cualquier ser humano. Quizá por eso algunos de los más grandes deportistas colapsan (ahí está el caso de Maradona, que incluso hay quienes lo consideran un Dios).

El color y la fotografía de la cinta es opaca, para transportarnos a un sentimiento de soledad y desesperación: miles de ojos están sobre ellos. Las actuaciones de Sverri Gudnason como Borg y Shia LaBeouf interpretando a McEnroe son adecuadas, los dos transmiten esa rivalidad, pero al mismo tiempo ese respeto al rival, así como un temor casi paranoico por perder.

Borg vs. McEnroe no es una película más de un hecho deportivo, ya que ésta ahonda en los miedos de sus protagonistas y nos enseña que aunque son seres casi sobrenaturales son humanos.

 

 

*Periodista y realizador. Director de Comuniocación y Editor de CinEspacio24


“Aprendiz”, el debate sobre la pena de muerte

El tema de la pena de muerte es un debate delicado pero necesario, las discusiones al respecto se han dado en todo el mundo, sobre todo en lugares donde el gobierno acepta tal castigo para sus delincuentes. Entre esos dilemas se encuentra la película Aprendiz, del director de Singapur, Junfeng Boo.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Aiman  tiene 30 años, es  policía en un reclusorio. Por su buen comportamiento es ascendido a una cárcel de máxima seguridad. Es un hombre recto, sensible, callado y con la mentalidad de ayudar a los reclusos. Vive en un departamento modesto en Singapur, junto con su hermana mayor (con la que tiene una relación que pareciera traspasa los límites de la intimidad).

Al llegar a su nuevo trabajo, ayuda a los presos y les enseña a reparar cosas; pero también se obsesiona con un personaje, el comandante Rahim, quien desde hace varios años es el verdugo del penal, es decir, es el encargado de matar a los delincuentes condenados a pena de muerte.

Esa obsesión hacia Rahim se debe a “fantasmas” del pasado de Aiman, ya que cuando él era un niño su padre fue condenado y ahorcado.

La forma de trabajar y la disciplina de Aiman llaman la atención de Rahim, quien decide hacerlo su aprendiz y le enseña la forma en cómo se debe ahorcar a una persona.

Para Rahim su trabajo es necesario y se necesita toda la atención posible para que el delincuente no sufra cuando se lleva a cabo su castigo.

La cinta tiene como eje narrativo la relación de estos dos personajes; por un lado el verdugo tiene un tipo de moral hacia lo que hace. El aprendiz poco a poco entiende su nuevo labor, sin importarle implicaciones morales; como si quisiera redimirse de las acciones de su padre: un juego de contradicción entre lo que pensaba y lo que hace.

Como trasfondo el filme tiene la relación de Aiman con su hermana mayor Suhaila. Ella no está de acuerdo con su trabajo, ni que comparta tiempo con el verdugo. Esto fractura su relación de complicidad y de hermandad. Aquí la cinta cae en recursos melodramáticos que aportan poco a la narrativa principal.

Lo importante del filme radica en ver la forma en cómo se relacionan los dos personajes principales. Ahí se tocan temas como la moral, la bondad, el olvido y por su puesto, la pena de muerte. Esto se aborda en sus diálogos y en la forma de cómo preparan meticulosamente la cuerda con la que ahorcan.

Con una fotografía con colores grises y con secuencias contemplativas, la cinta intenta ser un cuadro íntimo sobre la forma en cómo piensan los oficiales encargados de llevar acabo la muerte de un criminal.

El director no intenta dar respuesta, sino por medio de la historia de un hombre obsesionado con los actos de su padre, abrir el debate sobre lo que pasa en su país, donde la pena de muerte es legal.

 

 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación y Editor CinEspacio24.


“Barry Seal, sólo en América”, volando con Tom Cruise

En la película Barry Seal, sólo en América (American made) el personaje que realiza Tom Cruise en esta ocasión no corre (como lo hace en casi todas sus películas), ahora vuela a toda velocidad, ya que interpreta a un piloto estadounidense que trabajó para la CIA, el Cartel de Medellín y la DEA. Una cinta, basada en hechos reales, que intenta tocar temas profundos y realizar una crítica a la doble moral del gobierno de Estados Unidos.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Barry Seal (Cruise) era un piloto como cualquier otro, que trabajaba para una aerolínea importante. Al principio, el filme nos muestra que su labor es monótona, sin emoción, incluso aburrida, no creo que volar un avión sea un oficio sin adrenalina, pero para Barry sí lo era; incluso su esposa Lucy Seal (Sarah Wright), notaba y se preocupaba por el hastío que sentía su esposo al trabajar en vuelos comerciales.

Para ponerle un poco más de emoción a lo que hacía, Barry traficaba puros cubanos; algo que parecía inofensivo desatará una historia que como bien dice el título de la cinta sólo en Estados Unidos puede pasar.

Ambientada en los años 70 y 80, en la época de la Guerra Fría, el agente de la CIA Monty Schafer (interpretado magistralmente por Domhall Glesson), atrapa a Barry por su tráfico de habanos, y le ofrece retirar los cargos sí trabaja para él. Seal acepta, más por la adrenalina que por miedo a estar en la cárcel. Su trabajo consiste en volar por campamentos socialistas de Centroamérica y fotografiarlos.

Barry se convierte en parte clave para ubicar al enemigo comunista de Latinoamérica. Las habilidades de este arriesgado piloto no pasan desapercibidas por el Cartel de Medellín, comandado por Pablo Escobar, quienes al mismo estilo que el agente de la CIA le ofrecen trabajo a Barry. De nuevo acepta. Ahora no sólo toma fotos, también transporta cocaína de Colombia a Estados Unidos.

La película por medio de humor negro y de la siempre sonrisa de Cruise (el piloto osado) muestra una crítica de cómo la CIA se involucró en el narcotráfico y en el tráfico de armas. Asimismo, intenta mostrar la doble moral del gobierno estadounidense : “pasa la droga pero ayúdanos a acabar con nuestro enemigo socialista, ahí te van las armas para eso”.

El filme muestra como Barry Seal sólo es el pretexto, una pieza de ajedrez que la CIA y la DEA utilizó para cumplir, como el Cartel de Medellin, sus objetivos. Punto acertado de la cinta dirigida por Doug Liman.

Un trabajo aplaudible de Cruise quien interpreta un papel pausado pero con la necesidad de buscar aventuras y arriesgar su vida. No obstante, la cinta tiene varios huecos argumentales.

Sólo se encuentra en las cadena de cine Cinemex. Un trabajo diferente a las predecibles películas de acción de Tom (donde siempre corre). Quizá la película pase desapercibida, como pasó muchas veces Barry Seal sin que lo vieran volar de Estados Unidos a Centroamérica y de Colombia a Estados Unidos.

 

 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación y Editor de CinEspacio24.


Primer festival de Cine Contemporáneo Black Canvas

Con el objetivo de traer cine de calidad y películas que difícilmente se presentarán en salas comerciales, la Universidad de la Comunicación, ubicada en la Cuidad de México, anunció su primer Festival de Cine Contemporáneo, Black Canvas.

 

Por Redacción CinEspacio24

El festival se realizará del 19 al 24 de septiembre y tendrá como sedes la Cineteca Nacional , Cinemex Insurgentes, Cinemex Reforma Casa de Arte, la Universidad de la Comunicación y la Fraternidad UC. 

En conferencia de prensa, Claudio Zilluero Acra, Director Artístico y programador del festival, afirmó que la primera edición del Festival de Cine Contemporáneo Black Canvas nace como una plataforma de exhibición cinematográfica para mostrar distintas perspectivas narrativas y estéticas.

Así, se exhibirán 44 largometrajes de 35 países diferentes y 47 cortometrajes.

La programación del festival está dividida en varias secciones: Competencia Mexicana de Cortometrajes, Competencia Internacional de Cortometrajes, Extensión del Canvas, Nuevo Horizonte, Faro, El estado del mundo, México dentro del Canvas, Luz de día- noches de neon, Nuestro días, Antes de la Media Noche y Más allá del Canvas.

Una propuesta diferente que vale la pena ver. Para descargar la programación visita el siguiente link: http://blackcanvasfcc.com/

 


Déjate seducir por “Eso” y flota al horror


Por Daniel Flores*

Nativo de Portland, Maine, Stephen Edwin King, considerado uno de los más grandes novelistas de los Estados Unidos, ha vivido una fructífera carrera en el género del horror, consolidando su nombre como el tercer autor más importante de este contexto, detrás de las leyendas, Edgar Allan Poe y H. P. Lovecraft. Gracias a sus relatos, en los que suele presentar extremos de la realidad americana, de plano muy patrioteros o en exceso oscuros, ha generado la atención de otros medios, como el Séptimo Arte, que ha tratado de llevar a la pantalla grande la mayoría de sus historias, usualmente, con terribles resultados.

Sin embargo, en este 2017, ya cerca de su cumpleaños 70 (septiembre 21), King goza de una revaloración de su literatura, con la adaptación de Eso, que se estrenó este año en las salas de cine mexicanas, precedida por un éxito rotundo en los Estados Unidos, donde ya ha recaudado más de 100 millones de dólares en su primera semana de exhibición. A pesar de que hace un mes llegó La torre oscura, tal parece que el propio Stephen luce más interesado en It, filme para el cual grabó promocionales invitando al público a verla.

Para ser sinceros, a King, si algo le fascina, es el color verde de los billetes, ya que poco o nada le ha importado el resultado final de las películas basadas en sus libros, logrando separar su universo literario, del cinematográfico, en el que no se le ha hecho justicia, aunque sí ha cobrado altas sumas cediendo los derechos de filmación.

Quizá, sólo Carrie (1976) de Brian de Palma, El resplandor (1980) de Stanley Kubrick o La zona muerta (1983) de David Cronenberg, sean las mejores adaptaciones basadas en la imaginación de King. Así, hubo que esperar hasta este año, para que el público volviera a cimbrarse con una de las obras maestras del genio de Maine, Eso, en la que una misteriosa entidad, en forma de payaso, azota un pequeño pueblo americano, cada cierto tiempo, en pos de alimentarse de la sangre joven de la región.

Bajo esa premisa, el director, Andy Muschietti, quien ya había saboreado el éxito con Mamá (2013), cinta de horror producida por Guillermo del Toro, hace renacer el mundo tenebroso creado por Eso, mezclando temas de actualidad, como el persistente acoso escolar, con la desintegración de la familia nuclear, apostando con estos parámetros, a entregar mejores cuentas, en torno a un grupo de pre-adolescentes, todos, disfuncionales, al grado de la perversidad o la neurosis.

Para el malévolo clown, de nombre Pennywise, interpretado magistralmente por Bill Skarsgård, semejantes problemas le serán de utilidad para amedrentar a estos muchachitos, haciéndolos desaparecer de la faz de la tierra, ensanchando aún más el misterio sobre la verdadera identidad del payaso asesino.

La cinta es dinámica, plagada de humor negro y de una sensación de temor patente en cada escena, en la que no necesariamente la oscuridad es cómplice de la maldad, ya que incluso, a plena luz del día, Pennywise es capaz de las más arteras monstruosidades.

Eso posee la magia de los grandes clásicos del cine de horror, mostrando sólo lo necesario del tenebroso payaso (y no nos referimos a Brozo), acertando en la elección del histrión y la caracterización del mismo, alejándose de la versión televisiva de 1990, en la que Tim Curry hizo de Pennywise, aderezando el marketing con los colores del impermeable amarillo, del pequeño Georgie, y el globo rojo del odioso ente.

Sin duda, Eso atraerá la atención otra vez sobre los mitos modernos de Stephen King, ya que son potencialmente historias actuales, sobre los temores del ser humano a perder la inocencia, el último bastión de bondad que queda en el alma. Por ende, si padeces esa curiosa fobia a los payasos, evítate ver It, o tu también flotarás.

 *Periodista y realizador. Director de CIO Noticias


Crítica “La estafa de los Logan”

La estafa de los Logan (Logan Lucky, Estados Unidos, 2017) es la nueva película del cineasta estadounidense Steven Soderbergh, uno de los mejores directores en activo.

 

Isaac Piña Galindo*

Después de un breve retiro de cuatro años, Soderbergh regresa a la marquesina con una graciosa película de atraco y ladrones, un tema tan visitado que casi se vuelve un género en sí mismo. La trama gira alrededor de los hermanos Logan, un par de pueblerinos arquetípicos que un buen día deciden robarle a la Nascar.

Logan Lucky es en esencia Ocean’s Eleven, ahora en una versión con personajes que representan a individuos rústicos y casi derrotados, pero en los que cabe la gracia de un George Clooney o la afabilidad de un Matt Damon. En pocas palabras, son unos tipos también avezados y audaces, que usan monos de albañil en lugar de trajes caros.

Soderbergh ejecuta una variación atrevida que a su vez es un retrato casi idiosincrásico del Estados Unidos rural, pues usa elementos como la música country, el campo y la misma Nascar (las carreras de autos) para crear un universo propio para los protagonistas, cuyas motivaciones y pasiones no se comprenderían sino fuera por dicho origen.

Inclusive personajes más llanos como Joe Bang y su parentela poseen rasgos tan genuinos que provocan una empatía natural. El mundo campirano y sus habitantes capturan al espectador mucho tiempo antes de que el verdadero robo comience.

Carolina del Norte es una caja de Petri cinematográfica que sirve como espejo para una gran parte de los Estados Unidos. Es decir, resulta atractiva, dinámica y conflictiva pero mirada desde un ángulo cómico y casi escapista que nos hace disfrutar aún más el espectáculo.

Soderbergh nos vuelve a “robar”, pero el hurto resultante es de lo más agradable que se puede encontrar hoy en día. El director disfruta estudiando a su personajes en cada plano, desdobla meticulosamente algunos diálogos para que el drama progrese con comedia, y al final el atraco se convierte en una anécdota dinámica que le da sabor a una película ya de por sí rica en realización.

Logan Lucky sorprende por su brío narrativo, aun cuando lo consiga en un terreno familiar y muy socorrido. El escritor, director y productor Steven Soderbergh nos presenta una cinta independiente que significa una bocanada de aire fresco, porque más allá de su ímpetu el relato se sostiene con firmeza gracias un diálogo brillante, un trabajo actoral de gran calidad y una puesta en escena elaborada con maestría.

 

 

*Cineasta y Colaborador en CinEspacio24