“Dunkerque”, la soledad en IMAX

El cine bélico tiene como características narrativas el nacionalismo y el melodrama  (incluso los llegan a exagerar tanto que es molesto). En  el reciente filme de Christopher Nolan, Dunkerque, utilizan dichos recursos y lo hacen con una finura e intimismo, para  lograr una cinta eficiente y bien narrada sobre una temprana batalla de la Segunda Guerra Mundial.

 

Por Arturo Brum Zarco *

@arturobrum

Ha iniciado la Segunda Guerra Mundial. Con una espectacular toma panorámica, vemos que en la playa de la ciudad portuaria de Dunkerque, Francia, se encuentran miles de soldados  aliados (ingleses y franceses) formados a la orilla del mar. Miran hacia el mar,  esperan a que lleguen barcos  a su rescate; pero la ayuda  no aparece. En cambio aviones nazis los bombardean continuamente, matan a varios. Están sitiados y la derrota es inminente. Pero ellos siguen formados y a lado sus compañeros muertos.

La cinta fue filmada en IMAX, así las tomas abiertas son bien logradas y narrativamente fuertes; a pesar de ser grandes planos generales Dunkerque es intimista, ya que nos muestra el dolor, la desesperación y la frustración de miles de soldados.

Es un filme sobre la supervivencia y el dolor de la derrota. Nolan, a diferencia de muchos directores que retoman historias bélicas victoriosas, narra una de las derrotas más sonadas de los aliados. Aquí los nazis sí ganaron, pero la cinta muestra esa esperanza que después unió al mundo contra el régimen de Hitler. En sus tomas panorámicas se encuentran los detalles para enseñarnos una visión íntima de la guerra.

La película está basada en la batalla que inició en mayo de 1940, cuando en la ciudad de Dunkerque unos 400 mil soldados aliados (200 mil eran ingleses) fueron derrotados y quedaron bajo el asedio del ejército nazi.  Por tal motivo, el gobierno inglés bajo las órdenes de su primer ministro Winston Churchill, planearon un rescate casi imposible, el cual llamaron Operación Dínamo.  

Con esa parte de la historia como eje, Nolan nos cuenta Dunkerque desde tres visiones: el puerto, donde los soldados esperan; el mar, barcos  ingleses, pequeños y privados son utilizados para ir por sus compatriotas; el aire, para evitar los constantes bombardeos mandan pocos aviones para ayudar a los navíos. Es decir, Winston (quien sólo es nombrado en la película) no manda a todo su ejército, ya que sabe que la batalla está perdida y que el siguiente duelo será en territorio inglés.

A pesar de ello, el rescate es importante. De eso depende que una derrota se convierta en una victoria. Tanto en el puerto, mar y aire, Nolan nos narra historias independientes pero con un objetivo en común. Sabe conjuntar varias anécdotas y hacerlas una.

Otra de sus virtudes de la cinta es lo que no enseña. Sabemos que los aliados están sitiados, pero no vemos al ejército nazi, la ambientación, secuencias y sonidos son bien logrados que incluye al espectador en ese aislamiento y  sentimiento de estar atrapado. No vemos a Winston pero entendemos su objetivo, y deseamos que rescaten a todos los que puedan. Dunkerque nos hace participes del filme.

Es una buena película bélica, obviamente tiene patriotismo y drama, pero no exagera. Dentro de su género es una de las mejores películas que he visto últimamente.

 

Periodista y realizador. Director de Comunicación CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


“Me llamo Nojoom, tengo 10 años y quiero el divorcio”, imperdible

En el mundo hay comunidades con usos y costumbres que atentan contra la integridad de las mujeres y niñas. Al respecto, hay países donde el matrimonio con una menor de edad es aceptado y bien visto.  La película Me llamo Nojoom, tengo 10 años y quiero divorciarme (basada en una historia real ), retrata ese horror.

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

 Nojoom, con diez años de edad, abraza su muñeca, está por primera vez en el cuarto de su esposo, un hombre de 30 años. Afuera de la casa hay una celebración por la nueva boda, hombres con rifles bailan y cantan. El marido entra al cuarto, viola y golpea a Nojoom, mientras tanto la fiesta sigue. Al despertar, Nojoom está herida, cubierta de sangre, entra su suegra, ve la muñeca que tenía y la avienta por la ventana. Su infancia ya está prohibida.

La niña fue obligada a casarse por órdenes de su padre, quien recibió una cantidad de dinero por ella. El padre y el esposo, actuaron según su religión y sus costumbres, en sus actos no vieron ninguna maldad. Pero la realidad es otra, robaron una infancia, dañaron la integridad de una persona. Esa denuncia hace la película, pelea contra esos usos arraigados en diversas comunidades.

 Nojoom logra escapar y llegar ante un juez progresista y una abogada experta en derechos humanos. Ahí, con una cara inocente y sin saber bien qué pasa dice: “Quiero divorciarme”.

El filme está ambientado en Yemen, donde el matrimonio de adultos con niñas es legal, y los actos sexuales son permitidos mientras la infante ya se encuentre en su periodo.

Dirigida por Khajdija Al Salami (la primera mujer de cine yemení), hay partes de la película donde la estética se ve forzada, pero hay una explicación para eso. Fue filmada en Yemen clandestinamente, la directora ha declarado que tuvo que mentir varias veces de qué trataba la cinta para poder grabar.

El largometraje es aplaudible, sincero y conmovedor.  Está basado en hechos reales y es autobiográfico. Khajdija, la realizadora, fue obligada por su familia a casarse cuando tenía once años. Después de intentar suicidarse su madre la ayudó a divorciase y gracias a una beca logró estudiar cine en Estado Unidos.

Asimismo, la cinta está basada en las memorias de Nujood Ali, quien a los diez años logró llevar su caso ante la justicia de su país y consiguió separarse de su esposo, 20 años mayor que ella.

La cinta es una denuncia por medio de una buena narración, actuaciones  agradables, y aunque hay partes donde el melodrama se exagera un poco, no pierde sus virtudes y objetivos narrativos: contar el horror en el que viven miles de niñas.

 Según la organización Save the children para finales de esta década se calcula que 142 millones de niñas habrán sido obligadas a casarse.

Se estrena este jueves  27 en Cinépolis y el viernes 28 en la Cineteca Nacional. Una cinta imperdible, contada por una directora que sabe de lo que habla y lo narra sinceramente. 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación de CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


“Si no despierto”, crítica

Si no despierto (USA, 2017), adaptación de la novela homónima de Lauren Oliver, es una película de producción independiente dirigida por Ry Russo-Young. La trama relata cómo Sam Kingston, una estudiante popular, guapa e inteligente, despierta una y otra vez en el trágico día de su prematura muerte, por lo que la joven deberá poner en orden su vida para resolver el misterio y salvarse.

 

Por Isaac Piña Galindo*

La premisa permite darle un giro algo diferente a las conocidas historias del género young adult, con lo cual logra mostrar de manera fresca el progreso emocional y de autodescubrimiento de la protagonista. A pesar de que la cinta podría prestarse a una sesuda aproximación al problema de la existencia y la identidad, esto no sucede pues la película no cae en pretensiones intelectuales innecesarias para su propósito narrativo.

La honestidad con que la historia se desenvuelve la hace genuina, ya que no busca más que aquello para lo que sus personajes están diseñados: cuestionarse acerca de actos simples y sus consecuencias. Tampoco cae en el exceso de volverse un fatigoso cuento moral; es sencillamente el relato de una chica que puede aprender de sí misma tras un evento trágico.

El recurso del time loop (propio del cine “fantástico”) suaviza el melodrama y es ahí donde el trabajo de dirección es más cuidadoso e inteligente pues Russo-Young presenta, mediante viñetas del fatídico día, escenas precisas que muestran a grandes rasgos el mundo de la protagonista. Con ello la joven directora logra que descubramos los recovecos de la narración, el porqué de los eventos y el origen de la conducta de los personajes secundarios, todo con un ligero dejo de suspenso.

Además, Russo-Young aprovecha la paleta de colores oscuros para crear una atmósfera de rara melancolía energética, en la que aun cuando todo es blanquecino o azulado, el vigor de las actuaciones nunca deja que decaiga el ritmo. A pesar de que los recursos estilísticos son obvios, como el uso del rojo para mostrar violencia, estos no entorpecen las tensiones dramáticas que se construyen gracias a la pericia actoral del joven elenco.

En el papel protagónico sobresale la actriz Zoey Deutch, quien lleva el peso de la película sin mostrar síntomas de agotamiento histriónico ni provocar tedio. El espectador puede discernir el estado de ánimo o el tipo de carácter (chica popular, hermana cariñosa o hija arrepentida) gracias a las expresiones faciales de Deutch.

Si no despierto probablemente tenga una cálida respuesta por parte de los adolescentes, jóvenes y fans de la novela. A final de cuentas, es un decoroso esfuerzo cinematográfico que explora las tribulaciones del fenómeno en boga de “bulear y ser buleado” y puede resultar entretenido para otro tipo de público que guste de un melodrama juvenil bien contado, bien actuado y con una pequeña dosis de misterio.

 

*Alumno de nuestro taller de Crñitica Cinematográfica


“Transformers: el último caballero” y Merlín

De nuevo con una película sin sentido, confusa (ya que cuenta muchas tramas), y cumpliendo con todos los estereotipos del cine hollywoodense, llega la quinta entrega de Transformers, saga que estuvo bajo el explosivo ingenio del director Michael Bay. Transformers: el último caballero, cumple con la premisa de secuencias espectaculares sin nada de fondo.

 

Por Arturo Brum Zarco 

@arturobrum

La leyenda del Rey Arturo, con sus caballeros de la mesa redonda y el mago Merlín, ha sido tan manoseada por el cine que la han dejado muy herida (para ejemplo la película que salió este año El Rey Arturo: La leyenda de la espada, una adaptación muy desfavorable). En Transformers: el último caballero, utilizan dicha leyenda como eje principal para su trama o tramas.

Según nos explica la cinta, los transformers llegaron a la tierra hace mucho tiempo y fue Merlin quien los encontró, es por eso que al mago le dan un báculo poderoso para controlar poderes inimaginables, y es con la ayuda del Rey Arturo y sus Caballeros de la mesa redonda que cuidan tal arma.

En el filme, Cade Yeager (Mark  Wahlberg) se ha  convertido en un defensor de los transformers (porque ellos no pueden solos):  los cuida y  protege, ya que el gobierno creó una policía especial para exterminarlos. Optimus Prime se ha ido y nadie sabe si regresará. 

A Cade se le une una niña de 14 años Izabella (Isabela Moner), que no sabemos muy bien de donde salió pero es una experta en reparar a los Autobots y en sobrevivir a tiroteos.  En la cinta verán que salen personajes de la nada, como en todas las de la saga.

A la par, un Conde inglés, Sir Edmundo Burton (Anthony Hopkins), es un conocedor de la leyenda de Arturo y de los transformes, él sabe que el báculo sagrado de Merlin está en peligro y que Cade y otro personaje desconocido son la clave.

Ese personaje es Vivian Wembley (una profesora experta en historia y literatura) que además de inteligente, tiene un  físico envidiable  y que es descendiente de Merlín, por lo que es la única que puede agarrar la poderosa arma.

Mientras tanto, los Decepticons  comandados por Megatrón de nuevo quieren destruir todo y buscan el arma mortal que acabará con la tierra. Ellos reciben ayuda de Quintessa, quien lleva su planeta hacia la tierra.

Como  pueden  leer son tantos temas, subtemas, tramas y anécdotas que la cinta se vuelve rara, confusa, aturde; intenta contar chistes pero sólo se ríe ella sola. Cumple con cada uno de los estereotipos de Hollywood de las películas de acción: escenas impresionantes de pelea, la mujer guapa, el héroe renegado, una edición rápida, música predecible.

No necesito decirles el final, porque además de que sería spoiler, seguro ya saben qué pasa (llega el mero mero de lo Autobots y da un discurso como siempre motivador). Se estrena esta semana y sólo me queda decir, qué manoseada tan fea le dieron a la leyenda del Rey Arturo.

 

 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación en CinEspacio24. Colaborado en Cio Noticias.


El documental “Molotov: Días de peda y de cruda” se estrenará en Cinépolis

Han pasado 20 años del debut de ¿Dónde jugarán las niñas?, disco ícono en la historia del rock en Latinoamérica; creado por una de las bandas más emblemáticas, polémicas, divertidas y rebeldes: Molotov. Para celebrar como se debe, Cinépolis estrenará los días 3 y 4 de agosto, el largometraje documental Molotov: Días de peda y de cruda.

Si existe una agrupación que tuvo el valor para compartir sus canciones nada convencionales haciendo uso del albur y del bonito folclor mexicano para expresar libremente su visión de la vida, del amor, las mujeres, las fiestas y hasta de las injusticias, incluida la corrupción y la inequidad, es sin lugar a dudas Molotov.
 
Millones de personas han explotado de energía en sus conciertos; unido a ellos sus voces en reclamo de justicia social, criticado al gobierno con un ritmo pegajoso y reído con su “humor lacra”.
 
Ahora, a través de este documental, cuyo nombre es tomado de la letra de la canción “Oleré y oleré y oleré el UHU” (del disco Agua Maldita, 2014), todos los que asistan a las salas de Cinépolis podrán conocer más detalles de esta banda formada el 23 de septiembre de 1995 en el anteriormente llamado Distrito Federal.
 
Hijos bastardos del rock y el rap, que se atrevieron a inyectar melodías nu metal,  funk y hasta cumbias a sus canciones, los Molotov han creado un sonido explosivo -de ahí su nombre- que ha retumbado los tímpanos de fans en todo el mundo.
 
Molotov está integrado por Miguel Ángel “Micky” Huidobro, Ismael “Tito” Fuentes, Randy Ebright y Juan Francisco “Paco” Ayala. La banda ha sido nominada en distintas ocasiones a Mejor álbum de rock latino/alternativo en los Premios Grammy y ha obtenido galardones en los MTV Video Music Awards.
 
Para más información sobre el documental con power mexicano Molotov: Días de peda y de cruda, así como de otras proyecciones que forman parte del Contenido Alternativo de Cinépolis, por favor ingresa a:  www.cinepolis.com

 


Batman que viene, Batman que va

Desde los entretelones de la edición 2017 de la Comic-Con en San Diego (la única, real y auténtica), surgieron los rumores acerca del abandono de Ben Affleck de las producciones cinematográficas de DC-Warner, lo que marcaría un hito en el personaje de Batman, al ser el primer actor en no protagonizar un filme en solitario sobre El Hombre Murciélago.

 

 

Por Daniel Flores*

Tal parece, que la mano del titular de DC Entertainment, Geoff Johns, ha venido a calar hondo en la continuidad propuesta por la compañía, que había colocado a Zack Snyder, y su esposa, Deborah, como los arquitectos del Universo fílmico, apto para competir con Marvel-Disney. Sin embargo, los reveses en crítica (por parte del público) y los ataques de comunicadores especializados en cine contra Batman versus Superman y Suicide Squad, así como el abandono de directores y actores de proyectos como Flash y Shazam (recientemente Dwayne Johnson dejó el barco), han obligado a una limpia para, a partir del éxito de Wonder Woman y el retiro (medio forzado) del matrimonio Snyder, hacer un reboot ¿del reboot?

La posible destitución de Affleck como Batman se veía venir. Todo era dicha y felicidad cuando el histrión nativo de California fue contratado para convertirse en el sucesor de Christian Bale y director de una nueva cinta del encapotado. Conforme el tiempo avanzó, Ben fue perdiendo la confianza de sus patrones. Si bien es conocido que Batfleck es mejor realizador que histrión, tampoco es una maravilla en la silla de dirección. Tuvo aceptables momentos, destacando Gone baby gone (2007) y Argo (2012), pero últimamente ha dado traspiés con The town (2010) y Vivir de noche (2016)

Igualmente, Affleck ha demostrado públicamente su descontento con Warner, que le hizo renunciar a todos los proyectos que no tuvieran que ver con los destinos del personaje más grande del cómic americano. Aunado a la polarización de los fans sobre su interpretación de Batman, y la descabellada idea de subir a bordo al “famosísimo” actor, Joe Manganiello (famosísimo por ser el ex marido de Sofía Vergara y semi-desnudarse en las cintas de Magic Mike), para dar vida al villano, Deathstroke, en la supuesta cinta que Affleck dirigiría, produciría y protagonizaría, pero tal parece que saldrá por la puerta de atrás.

Bueno, ya era muy obvio. Desde que el nuevo realizador de The Batman, Matt Reeves, se deshizo del guión de co-escrito por Affleck y Johns, e informó que pretendía ensalzar la fase de detective del paladín, se especuló que ya no había nadie dentro de DC-Warner que defendiera el proyecto de Affleck, además que la propuesta de Reeves sonaba profunda, digna de un actor de mayor capacidad.

Por lo que resta del año, seguramente, no habrá anuncios oficiales, máxime que se viene La Liga de la Justicia, en la que Affleck es Batman, la duda es si seguirá en el rol para la segunda parte, que en teoría sigue la misma continuidad, o se dará paso a un nuevo Caballero de la Noche, que aparezca en la secuela y en The Batman. Sólo el tiempo lo dirá. Y de paso, también dirá si Henry Cavill, conserva el rol como Superman, ya que tampoco ha sido del agrado del público.

Así, en la recién terminada Comi-Con, Warner dio a conocer que la cinta en solitario de Flash, versará sobre una de las historias más importantes de DC, Flashpoint, en la que, por tratar de evitar el asesinato de su madre, el raudo héroe regresa al pasado con su súper velocidad, teniendo éxito, pero en prenda, cambia el futuro del Universo. De hecho, en esta modificación, Bruce Wayne es quien muere en el callejón, mientras que su padre, Thomas Wayne, se convierte en Batman, y Martha (la tiznada Martha), en ¿el Joker?

De este modo, la continuidad fílmica podría recibir a un nuevo actor que surgiera de tanta revolcadera comiquera, como el flamante Hombre Murciélago. Por lo demás, DC-Warner presentó su nuevo calendario de estrenos, sin dar fechas, lo cual representa una falta de compromiso con la audiencia, sin embargo, habrá títulos como Shazam, Suicide Squad 2, Batgirl, Green Lantern Corps, Aquaman, Wonder Woman 2 y Justice League Dark, dejando de lado Black Adam, Nightwing, Man of Steel 2 y Gotham City Sirens, que ya hasta contaba con David Ayer como director.

Aunque parece complicado, Geoff Johns está tratando de solucionar el lío que Snyder le heredó, al tiempo que, la editorial, a cargo de Dan DiDio, está próxima a enfrentar al Universo DC vs. el Universo Watchmen, a Superman vs. el Doctor Manhattan, en una saga harto interesante, salvo para los puristas y para el propio, Alan Moore, creador de los vigilantes no vigilados, quien de por sí, aborrece a DC, Marvel, Image, Dynamite, Dark Horse y todas las compañías que realicen cómic comercial.

Como culminaría un episodio de la serie sesentera de Batman, con el inolvidable Adam West, ¿podrá Affleck evitar la burla y el escarnio?, ¿exigirá a Warner que su compadre Matt Damon sea el nuevo murciélago?, ¿volverá con Jennifer Garner? Todas esas respuestas se conocerán en el bati-verano de 2018.

 

 

 

 

*Periodista y realizador. Experto en Cine y Cómics. Director de Cio Noticias.


FilminLatino celebra dos años de ofrecer buen cine

La plataforma FilminLatino cumple dos años , un sitio que se ha caracterizado por tener en su catálogo lo mejor del cine mexicano y clásicos de la filmografía internacional. Así, ofrece más de mil 600 títulos para todos los gustos: ficción, documental, cortometrajes, clásicos y series.

Por Redacción CinEspacio24

FilminLatino es una plataforma de cine vía streaming. Un proyecto desarrollado por la Secretaría de Cultura y el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), con el objetivo de acercar el cine al ciudadano. Asimismo, se distingue por su sección GratisMx, que incluye cortos y largometrajes que puedes ver sólo con registrarte y puedes disfrutar de grandes títulos por sólo 69 pesos al mes.

Para celebrar su segundo aniversario tendrán alguna funciones especiales  como Huicholes: los últimos Guardianes del Peyote, de Hernán Vilchez; un documental sobre el pueblo Wixárika, una de las últimas culturas pre-hispánicas vivas en Latinoamérica, y su lucha para preservar su territorio más sagrado, donde crece el peyote, la medicina ancestral que mantiene vivo el conocimiento de este pueblo emblemático de México.

En Los Herederos, Jorge Hernández Aldana, aborda la problemática de la adolescencia y la guía paternal, donde los protagonistas viven en un estado de despreocupación, rodeados de cualquier aventura que les brinde un poco de adrenalina, recurriendo incluso a la violencia como entretenimiento.

Así como también  Los Hámster, la ópera prima de Gil González. Una cinta mexicana que se cuestiona el desapego en las relaciones familiares en un tono de comedia que aligera las fuertes situaciones que viven los personajes.

Actualmente cuentan con más de 50 mil usuarios registrados y con más de un millón de visitas en el sitio, en donde el cine mexicano convive de manera orgánica con el cine internacional.

Entre las obras de grandes autores del cine mundial cuentan en su catalogo con Luis Buñuel, Akira Kurosawa, Ingmar Bergman, Roberto Rossellini, Alfred Hitchcock, Sergei Eisenstein, David W. Griffith, Orson Welles y Fritz Lang, entre otros. También la obra de destacados realizadores mexicanos como Arturo Ripstein, Jaime Humberto Hermosillo, Felipe Cazals, María Novaro, Maryse Sistach, Nicolás Echevarría, Jorge Denti, o las voces de Tatiana Huezo, Amat Escalante, Carlos Reygadas, Julián Hernández, Fernando Eimbcke, Juan Carlos Rulfo, Luciana Kaplan, Everardo González, Roberto Fiesco, Claudia Sainte-Luce, por mencionar algunas. 

El servicio está disponible en computadoras de escritorio y portátiles, aplicaciones para dispositivos móviles Android e iOS, algunas Smart TV y es compatible con ChromeCast, AppleTV y Android TV.

www.filminlatino.mx


“En la mira del francotirador”, con poco dice mucho

En la mira del francotirador  sólo aparecen dos personajes y la voz de otro.  Una locación (el desierto de Irak). Las secuencias son simples pero bien logradas. Trata sobre la guerra (o invasión) de Estados Unidos a Irak. Dos soldados estadounidenses intentan sobrevivir al ataque de un experto e inteligente francotirador iraquí. Con poco, la cinta logra mucho, abrir el debate sobre qué es el terrorismo, la guerra y la libertad.

Por Arturo Brum*

@arturobrum

La “guerra” de Estados Unidos con Irak ya ha terminado. Inicia la reconstrucción del país, bajo las órdenes del gobierno estadounidense.  Dos soldados “americanos” llevan horas escondidos en un monte. Respondieron a un llamado de auxilio de unos constructores que realizan un acueducto en el desierto de Irak. Pero al llegar encontraron a todos muertos, un francotirador los había asesinado.

La cinta inicia con los dos soldados Isaac (Aaron Taylor-Johson) y Matthews (Jonh Cena) esperando, escondidos y buscando la ubicación del enemigo. Con una mira ven a los constructores muertos y analizan la escena para ubicar a su enemigo.

Pero Matthews se desespera y seguro de que ya no hay problema sale de su guarida y se dirige hacia donde están los cadáveres. Sin embargo el francotirador iraní Juba  (Laith Nakli) sigue ahí, y lo ataca. Isaac corre en su ayuda, recibe balazos y logra cubrirse atrás de un muro.

Interceptando su señal de radio, Juba se comunica con Isaac e inician una charla surrealista. Juba es irónico, sagaz, culto; Isaac es un soldado que sólo ve a su rival como un terrorista.

En las charlas de estos dos está una de las virtudes de la cinta. Como si fuera un juego de ajedrez, los dos mueven sus piezas para sobrevivir y ver quién tiene la razón.

La película logra demasiado para lo poco que necesito. Juba explica que él era un profesor de literatura, quien vio cómo su escuela y sus alumnos morían por la invasión. Isaac le expone que su país trae bienestar, mejores carretas, escuelas, democracia. No obstante,  para el iraquí el enemigo es un invasor, para el estadounidense, es un terrorista.

De esa forma la cinta aborda qué es la libertad, el porqué de la guerra, pero no lo explica, deja la puerta abierta para el debate para la interpretación; quién es el malo, el bueno.  De una manera irónica Juba comienza a recitar poemas de escritores estadounidenses, Isaac  sólo conoce a Shakespeare; una crítica mordaz y fina.

Es un buen thriller psicológico, dirigido por Doug Liman (Al filo del mañana), quien demuestra cómo se puede hacer una gran obra con pocos recursos. El guion es de Dwan Worrell quien logró estar en la Lista Negra (Black List) de los mejores guiones no producidos por Hollywood.

Asimismo, La cinta es la nueva producción original que se une al creciente catálogo de Amazon Studios, quienes han logrado distribuir este año películas como El Demonio Neón, Café Society, y Manchester by the Sea.

Nunca vemos a Juba, sólo escuchamos su voz, pero es suficiente para lograr un personaje redondo complejo y con motivaciones claras. Con un final inesperado, nos muestra los dos lados de la moneda de una guerra.

 

*Periodista y realizador. Director de Comunicación de CinEspacio24. Colaborado en Cio Noticias.


¡Que tacaño!, comedia que queda a deber

Si bien es cierto que en la actualidad Francia ha realizado cintas muy buenas, sobra decir que no todas sus películas son culturales ni de calidad; para ejemplo, el filme ¡Que tacaño!, (Radin!) una comedia burda y predecible, aunque si te sacará aunque sea una carcajada.

 

Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Una señora embarazada le grita desesperada a su esposo que deje de gastar dinero en cosas que no van a utilizar y que mejor compre comida; después la cámara enfoca al señor con miles de utensilios y juguetes y una nota gigante de cuanto gastó. La mujer se acaricia su panza y asegura: “nuestro hijo jamás será como tú”. Aparece el bebé que aún está en el cuerpo de su madre y que escucha tal vaticinio.

Vemos al niño crecer y ahorrar de manera exagerada la pasta de dientes y ver películas en las pantallas colocadas afuera de un cine. Ya de adolescente, tiene relaciones con una mujer y utiliza un condón gratuito y caducado. Así, de manera rápida y con pocas explicaciones, nos presentan a Francois Gautier (Dany Boon).

Como adulto su tacañería es enfermiza y exagerada: no prende las luces de su casa, utiliza los faros de la calle, compra todo con descuento y prepara alimentos hasta con la ultima gota de un envase.

Es el primer violín en un orquesta, pero su mezquindad lo ha hecho solitario y odiado. Ahorra todo el dinero que puede y espera que le regalen cosas. Su único amigo es su banquero. Hasta aquí la premisa es graciosa y agradable; un personaje que a pesar de tener tan grandes defectos llegas a apreciar, y mucho es gracias a la buena actuación de Dany.

Todo cambia cuando llega una nueva violonchela a la orquesta, Valerie (Laurence Arné) y aparece una hija adolescente de Gautier, Laura (Noemi Schmidt). Ellas descubrirán su  forma de ser e intentarán cambiarlo.

Aquí el largometraje es predecible, con un guion que parece que corre y no da respuestas, no explica bien las motivaciones de cada personaje. Tiene momentos lúdicos que se convierten en bobos y sin sentido. Imaginen una película de Derbez hecha en Francia: lugares comunes y predecible.

Esta es una película con una premisa que podían explotar mejor (contar la niñez y adolescencia de Gautier), y con secuencias lúdicas que no se quedarán en la memoria del espectador.

 Dirigida por Fred Cavayé, que ha realizado thrillers interesantes como Point Blank, queda mucho a deber (irónicamente) esta comedia.

 

 

 

Periodista y realizador. Director de Comunicación CinEspacio24. Colaborador en Cio Noticias.


Cinépolis proyectará las películas de Stanley Kubrick

Sin lugar a dudas, la filmografía de Stanley Kubrick sigue fascinando y marcando a generaciones. Y es su trabajo complejo e inmersivo el que es retomado para llevar a cabo un ciclo de cine como parte del Contenido Alternativo de Cinépolis, el cual se proyectará entre jueves y domingo, en las semanas del 10 de agosto al 17 de septiembre de 2017 en 31 ciudades del país.

Contenido Alternativo de Cinépolis es el espacio dedicado a películas emblemáticas, eventos deportivos, culturales y musicales que ameritan ser vistos en la pantalla grande para ser disfrutados al máximo. En esta ocasión, la cadena de exhibición cinematográfica líder en la industria del entretenimiento en México y Latinoamérica, dedicará el espacio a Kubrick, siendo este el primer esfuerzo de retrospectiva a la carrera de un cineasta.

Explorar y entender la condición humana, sus deseos, temores y trastornos, desde ángulos inexplorados es el sello indiscutible de Kubrick, director, productor, guionista, fotógrafo y editor estadounidense.

Antes de convertirse en cineasta en la década de los 40, Stanley Kubrick fue fotógrafo de la revista Look, lo que le llevó a desarrollar su pasión por la generación de visuales impactantes.  Años después, su experiencia e interés innato por la narrativa, le abrieron camino en la industria cinematográfica.
Su magistral y perturbadora visión nunca deja al espectador indiferente, y tampoco lo hará con aquellos que asistan a las salas de Cinépolis para redescubrir la siguiente selección de películas:

  • Barry Lyndon

10, 11, 12 y 13 de agosto.
Este drama de época basado en una novela de William Thackeray, devela las peripecias de Barry Lyndon, un joven irlandés cuyo ambicioso objetivo es alcanzar una elevada posición social en la nobleza inglesa del XVIII.

  • Cara de Guerra ( FULL METAL JACKET)

17, 18, 19 y 20 de agosto.
Considerado un clásico del cine de guerra, esta película cuenta la historia de un grupo de reclutas que están a merced del implacable sargento Hartman, quien los prepara física y psicológicamente para defenderse del enemigo.

  • Naranja Mecánica ( A CLOCKWORK ORANGE)

24, 25, 26 y 27 de agosto.
Hay tres cosas que apasionan al carismático psicópata Alex DeLarge: la violencia extrema, la música de Beethoven y el sexo. Él es jefe de la banda de los Drugos, que se la pasa violando y aterrorizando a la población. Sin embargo, luego de un asesinato, Alex es detenido y enviado a  prisión, en donde se someterá voluntariamente a un tratamiento para eliminar esa repulsión que siente hacia la sociedad y su sistema autoritario.

  • Ojos bien cerrados ( EYES WIDE SHUT)

31 de agosto; 1, 2 y 3 de septiembre
Thriller erótico en el que impulsos reprimidos, venganzas, fantasías y placer sin límites tienen un punto de no retorno. En esta cinta de 1999, Kubrick nos acerca a la parte más íntima y hedonista del ser humano.

  • 2001: Odisea del espacio ( 2001: A SPACE ODYSSEY)

7, 8, 9 y 10 de septiembre
En esta película, Kubrick nos presenta un panorama aterrador sobre la evolución del hombre, desde la aparición del homo sapiens, hasta la creación de una máquina con inteligencia artificial que pone en peligro a una tripulación espacial.

  • El resplandor (THE SHINING)

14,15, 16, y 17 de septiembre
El ciclo de películas de Kubrick en Cinépolis finaliza con la proyección de esta cinta que presenta la historia de Jack Torrance, un hombre que comienza a sufrir aterradores cambios de personalidad en el hotel Overlook. Lo que parecía una temporada de paz en familia, pronto se transforma en una pesadilla con tintes paranormales que dejan las mentes intranquilas.