“Bellas de Noche”, gran documental sobre las vedettes olvidadas

El documental Bellas de Noche,  sobre las vedettes de los años 70 y 80, es un largometraje que no es condescendiente, amarillista o sensacionalista, que no explota de manera vulgar a sus personajes. Al contrario, las revalora, las humaniza, las define.

bellas-de-noche4

Por Arturo Brum Zarco

En los años 70 y 80, cinco mujeres llenaban los centros nocturnos, aparecían en películas y programas de televisión; sus nombres estaban en las marquesinas. Ellas bailaban y cantaban (sensualmente), y lo hacían con trajes diminutos y extravagantes que exaltaban sus atributos físicos. Grandes vedettes que dominaron la industria: Lyn May, Wanda Seux, Olga Breeskin, Rossy Mendoza y la Princesa Yamal.

Por aquel tiempo, su popularidad crecía, sus nombres eran conocidos, su trabajo valorado, llegaron a ser famosas en lo que hacían, eran unas “estrellas”; por eso la bajada fue dura: ya no tener empleo o no ser reconocidas las convirtió en un recuerdo de lo que fueron. 

A ese mundo nos lleva el documental Bellas de Noche de la directora María José Cuevas, para conocer a estas cinco artistas olvidadas. Es un largometraje que no es condescendiente, amarillista o sensacionalista, que no explota de manera vulgar a sus personajes. Al contrario, las revalora, las humaniza, las define. Nos muestra el antes y después, la fama y el éxito contra el olvido.

En la primera parte del filme la directora, con gran acierto, define lo qué es una vedette y lo hace con las voces de sus protagonistas: para ellas, es ser una artista que baila y canta de manera sensual, con ritmo y sabor, además al escenario – de un centro nocturno o frente a una cámara-   lo hace suyo.

Vemos como cada una recuerda su época de apogeo, hablan de la sensualidad de su trabajo, de sus desnudos, que ellas consideran artísticos. De esa forma, la cinta jamás las acusa, las deja ser, hablar y mostrarse, de nuevo gran acierto de su directora. Ellas se definen y eso permite al espectador que las comprenda y entienda, o quizá juzgue.

Es una cinta coral, y cada historia y desenlace es diferente. Pero hay un punto común en cada una: el anhelo del pasado, la melancolía de haber sido joven, el dolor de no estar más en un escenario; sin embargo, esto lo vemos sin dramatizaciones baratas. La segunda parte de la cinta nos enseña su vida actualmente, qué ha pasado después de más de treinta años, cuando la industria ha cambiado y ellas están casi en el olvido.

Un buen documental es aquel donde el director investiga a sus personajes y los llega a conocer tan bien que se nota en las escenas. En la pantalla las cinco se ven cómodas con la cámara de María José, y esto hace que ellas sean más abiertas, naturales y sensibles y, por lo tanto, sus palabras más creíbles.

Así, nos metemos a su vida actual: ya no son famosas, ya no las buscan grandes productores, se aferran a su belleza y sin hablar de cirugías plásticas sabemos que las cinco se las realizan. En esta parte de la cinta, donde nos muestra la decadencia de cada una -algunas viven en condiciones deplorables; otras un poco mejor- la directora lo trata con sutileza, de nuevo dejando que ellas se quejen, lloren o sonrían.

Es decir, Bellas de noches es una documental bien hecho: sin exageraciones, sin victimizarlas ni acusarlas, nos muestra lo que fueron, lo que son ahora y lo que piensan ser.

El tema de la fama y el olvido, la dura batalla de no envejecer, los recuerdos del pasado, las vedettes, los desnudos, son temas que aborda este grande filme, que ya ha ganado varios premios, entre ellos Mejor Documental en el Festival de Cine de Morelia. Ya está en cartelera, y es necesario (así de contundente lo escribo) que lo veas, quizá te identifiques, ya que el paso del tiempo es algo que ni el mejor baile puede detener. 

bellas-de


“Jack Reacher”, Tom Cruise con la misma fórmula segura

Tom Cruise es un actor que ya siempre va a lo seguro: con películas de acción, donde él es el héroe o antihéroe, experto en combate cuerpo a cuerpo, uso de cualquier arma y un análisis detectivesco envidiable.

jack-reacher-sin-regreso-e1466628759229

Por Arturo Brum Zarco

Tom Cruise es un actor que ya siempre va a lo seguro: con películas de acción, donde él es el héroe o antihéroe, experto en combate cuerpo a cuerpo, uso de cualquier arma y un análisis detectivesco envidiable. Sin embargo, en su filmografía encontramos excepciones, obras que le han exigido un trabajo actoral más complejo: Magnolia, de Paul Thomas Anderson; Jerry Maguire de Cameron Crove, o Nacido el cuatro de julio, de Oliver Stone.

Es decir, Cruise ya debe ser el icono de las películas de acción de Hollywood. Y eso es lo que vemos en su más reciente filme Jack Reacher: sin regreso; secuela de la película Jack Reacher: bajo la mira (2012).

Al respecto, sería normal pensar que la fórmula del tipo de películas que hace Cruise está agotada, o como decimos en México, choteada; pero al parecer no, dicho estilo le funciona a Tom y por lo regular sus cintas de este género tienen éxito en taquilla y la crítica no es tan dura con ellas. Asimismo, tengo que mencionar que cada cinta de acción que hace ya tiene una característica que parece ineludible en su cine; su forma de correr. Siempre corre. Y a la gente le gusta eso.

 Jack Reacher (Tom Cruise) es un ex militar retirado, que cuando trabajaba en la milicia de su país era como un tipo de detective-policía que investigaba y arrestaba a soldados corruptos. 

 Ni en la primera parte de la saga ni en esta, no nos enteramos que lo motivó a dejar su cargo (por ahí menciona un tipo de libertad que antes no tenía), para convertirse en un “fantasma”, un hombre solitario, antisocial, difícil de encontrar, que viaja por toda su nación ayudando a los más desafortunados: ya está fuera del sistema y en ocasiones rompre la ley para hacer justicia, por eso es un antihéroe.

En esta segunda parte,  Jack se muestra interesado amorosamente por la Major Turner (Cobie Smulders), quien ocupa el que fuera el puesto de Reacher. Cuando la va a visitar  descubre que ella ha sido arrestada por cargos de espionaje. Obviamente, él no cree esas acusaciones e investigará lo que realmente pasó.

Así, descubre una red de corrupción entre varios soldados y con la ayuda de Turner, a quien rescató antes de que la matarán, buscarán a los culpables. Al mismo tiempo, Reacher se entera que tiene una demanda por paternidad. Por lo que tendrá que proteger a su supuesta hija Samantha (Danika Yarosh) de sus enemigos.

La película no tiene nada que no hayamos visto antes: persecuciones, disparos, peleas y actos casi sobre naturales del protagonista, de quien insisto ha hecho de su forma de correr una de sus características en sus películas.

Dirigida por Edward Zwick –  quien ya nos ha presentado trabajos interesantes como Traffic, Diamante de sangre, entre otras, y que con Cruise ya había trabaja en El último samurái – Jack Reacher: sin regreso es un largometraje entretenido, donde vemos a Tom hacer lo que mejor hace. Se estrena este 25 de noviembre y los amantes del género de acción y de Cruise no deben perdérsela.

 

jack-reacher-sin-regreso-610x800


“Jirón de Niebla”, mitos alrededor de una buena cinta de terror

Estrada realiza una buena cinta de terror, utiliza tomas y movimientos de cámara interesantes para causar suspenso y miedo en el espectador. Asimismo, respetando quizá al propio Taboada, usa muchas sombras para generar ese ambiente tan necesario en dicho género.

jiron-de-niebla

Por Arturo Brum Zarco

Hay películas de terror donde la producción asegura que mientras filmaban pasaban cosas sobrenaturales o que después de finalizar la grabación  a  los actores o parte del crew les sucedían cosas horrendas, incluso hasta la muerte. Estoy seguro que dichas declaraciones son para ponerle más misterio y terror a las cintas; pero, también, quiero pensar que todo filme de este género tiene un ambiente sombrío.

En ese sentido, está el caso de la cinta Jirón de Niebla  que viene de una historia misteriosa sin resolver, en donde está presente uno de los mejores directores de terror que ha tenido nuestro país.

Antes de hablar de la cinta Jirón de Niebla, dirigida por Julio Estrada, déjenme ponerles en contexto, de dónde viene y por qué se piensa que antes era una cinta maldita.

Carlos Enrique Taboada (1929-1997) fue un director de cine, oriundo de la ciudad de México, que se hizo conocido como el Duque del Terror por su tetralogía: Hasta el viento tiene miedo, Más negro que la noche, El libro de piedra y Veneno para las hadas; esta última no le fue muy bien, ya que la industria estaba cambiando y cada vez era más el interés por los actores y directores para trabajar en la televisión.

Pero antes de casi abandonar el cine, Taboada en 1988 y 1989 estaba preparando una película de terror más llamada Jirón de Niebla, pero nunca vio la luz. Algunos mitos dicen que sí se grabó completa, pero por cuestiones de venganzas políticas en el sexenio de Carlos Salinas, la cinta desapareció.

Al respecto, el periodista Christian Cueva, investigó el asunto y encontró partes del filme (la mitad), y con entrevistas y las imágenes, presentó, el año pasado, su documental titulado Jirón, intentado dar respuesta a lo que le pasó a la película maldita de Taboada.

Esa es la historia, el misterio, y con ella en la espalda el director Julio Estrada se anima a realizar el mismo proyecto de Taboada, utilizando la idea original. Nos narra la historia de Daniel (José Ángel Bichir), quien después de que su madre se suicida se tiene que ir a vivir con su tía Elizabeth (María Rojo), una mujer ultraconservadora y con reglas muy estrictas.

De esa forma, Daniel vive maltratos por parta de su tía. Pero en un arranque de ira él la asesina. Sin embargo, cuando pensaba que tenía una vida normal, un día recibe una carta de su tía asegurándole que regresará, además varios conocidos le dicen que la han visto.

Estrada realiza una buena cinta de terror, utiliza tomas y movimientos de cámara interesantes para causar suspenso y miedo en el espectador. Asimismo, respetando quizá al propio Taboada, usa muchas sombras para generar ese ambiente tan necesario en dicho género. Es un guion sólido y una historia bien contada y una actuación de María Rojo memorable.

Hay que mencionar que el propio Estrada ha declarado que, aunque es basada en la idea original de Taboada, este no es un remake, es una versión nueva con guion de Gustavo Moheno y Ángel Pulido, basándose en el argumento de su predecesora.

Buena cinta que por momentos me hizo recordar lo que nos dejó el gran Carlos Enrique Taboada y cuentos de terror como los del escritor Edgar Allan Poe. Se estrena este 25 de noviembre y completan el reparto Joaquín Cosío, Arcelia Ramírez y Verónica Merchant. 

 


“Presencia siniestra”, un terror que salva Naomi Watts

El trabajo de Naomi es  lo mejor que tiene Presencia siniestra,  largometraje de terror; género que no desconoce Watts por su trabajo en las películas de El Aro, donde, también,  mostró su talento.

presencia_siniestra_9557_620x413

 

Por Arturo Brum Zarco

Naomi Watts ha sido nominada dos veces al Oscar como Mejor Actriz, por sus papeles en las cintas 21 Gramos de Alejandro G. Iñarritú y Lo imposible de J.A. Bayona. Sin embargo, creo que la Academia se ha quedado corta en las nominaciones, ya que ha demostrado grandes rangos actorales en filmes como Mulholland Dr., King Kong, Al otro lado del mundo, J. Edgar, por mencionar algunos; es decir, una intérprete muy completa y versátil, además de bella.

Comienzo mi reseña de la película Presencia Siniestra (Shut in) mencionando la calidad del trabajo de Naomi, porque simplemente es lo mejor que tiene este largometraje de terror; género que no desconoce Watts por su trabajo en las películas de El Aro, donde mostró su talento.

En Presencia Siniestra interpreta a la doctora Mary Portman, psiquiatra experta en tratar a niños y jóvenes, vive con su esposo y su hijastro adolescente, con quien tiene relación desde que él tenía cinco años.

Pero cuando su hijastro Stephen Portman (Charlie Heaton), es expulsado de su escuela, sus padres deciden llevarlo a un internado; él se molesta porque no quiere alejarse de su madrastra, por lo que al viajar hacia su nueva institución provoca un accidente, donde muere su padre y él queda parapléjico.

Mary tiene que hacerse cargo de él completamente sola: alimentarlo, bañarlo, vestirlo, cuidarlo. Una vida que cada vez la desespera más y por eso toma la decisión de mandarlo a un hospital especializado para que cuiden de él.

Mientras tanto ella continúa con sus consultas, entre ellas atiende a Tom (Jacob Tremblay, a quien ya conocimos en la multipremiada cinta Room) niño sordo que tiene grandes problemas de comportamiento.

De repente, sin saber cómo llego ahí, un día Tom aparece en la casa de los Portam, ella quiere ayudarlo, pero de pronto desaparece. Las noticias locales y la policía comienzan su búsqueda y la doctora se siente culpable por lo sucedido. Así, comienza escuchar ruidos extraños en su hogar y tener visiones fuera de lo normal.

Insisto, lo mejor del filme es Naomi, ya que la cinta tiene un guion con partes absurdas (si bien es una película de terror, existe algo llamado la verosimilitud). Quizá los últimos 15 minutos de la película son los mejores, gracias a un giro inesperado, el único suspenso y terror de la cinta.

Bajo la dirección de Farren Blackburn, la cinta se estrena este 25 de noviembre, y si eres fan de Naomi Watts (como el que escribió este texto) ve a verla, sino te la puedes ahorrar. 

 

presencia_siniestra_poster_latino_jposters

 

 


“Snowden”, Stone regresa a lo que mejor hace

Reseña de la cinta Snowden. Es una biopic sobre quien fuera consultor para la NSA  y ex empleado de la CIA  y que en 2013 filtrara información privada sobre una red de espionaje masivo que estaba haciendo el gobierno de los Estados Unidos, no sólo a sus ciudadanos sino a todo el mundo.

joseph_gordon_snowden

Por Arturo Brum Zarco

Algo está claro, Oliver Stone es un director incómodo para la clase política de los Estados Unidos (EEUU), ya que su cine es polémico, en contra del sistema y en algunos casos conspiratorio. Las mejores obras de este realizador son las películas que tienen dichas características como Nacido el cuatro de julio, JFK, Asesinos por naturaleza, entre otras.

Sin embargo, desde hace varios años Stone nos estaba mostrando un cine conspiratorio más fantasioso, donde su fanatismo a la izquierda nublaba su visión como director, para ejemplo están sus dos fallidos documentales Comandante (sobre Fidel Castro) o Mi amigo Hugo (sobre Hugo Chávez). Asimismo, sus películas de ficción- Savages y Wall Street: Money Never Sleeps, por mencionar algunas-  parecían que habían perdido esa magia que tenía en sus primeras cintas.

Pero ahora, cuando el mundo está a punto de cambiar y la incertidumbre de lo que va a pasar pulula en el mundo (ocasionado por el triunfo de Trump), Stone regresa con una cinta polémica, conspiratoria, con buena investigación, y resalta la figura de un personaje que puso en jaque mate al gobierno estadounidense, Edward Snowden.

Snowden, es una biopic sobre quien fuera consultor para la NSA (Agencia de Seguridad Nacional) y ex empleado de la CIA (Agencia Central de Inteligencia) y que en 2013 filtrara información privada sobre una red de espionaje masivo que estaba haciendo el gobierno de los Estados Unidos, no sólo a sus ciudadanos sino a todo el mundo. Esto, lo hacían por medio de programas informáticos con los cuales entraban a cualquier medio tecnológico como smartphones, Facebook, computadoras y demás.

Lo que provocó un gran escándalo internacional en el gobierno del todavía presidente Barak Obama, quien al final tuvo que confirmar la veracidad del espionaje masivo. Por tal motivo, algunos estadounidenses consideran a Edward Snowden como traidor a su patria: en su momento el actual presidente electo de dicho país, Trump pidió que se le ejecutara, la ex candidata a la presidencia Hillary Clinton manifestó que Snowden tenía que sufrir las consecuencias de sus actos.

Actualmente, Edward vive con su novia en Rusia, país que no tiene convenio de extradición con los EEUU. Algunos lo consideran héroe o traidor, y eso nos deja la nueva cinta de Oliver Stone, sin fanatismo hacia el personaje intenta demostrar las cosas tal como pasaron, pero obviamente al ser ficción le pone de su cosecha, y deja al público con el debate abierto de quién es Snowden y qué es lo que hizo.

La cinta toma como eje narrativo cuando Snowden (interpretado por Joseph Gordon- Levitt) estaba a punto de “sacar a la luz” toda la información que tenía y lo hizo con la ayuda de los periodistas Glenn Greenwald (Zachary Quinto), Ewen MacAskill (Tom Wikilson) y la documentalista Luara Poitras (Melissa Leo), quien en el 2014 sacó un gran documental Citizenfour (sobre el encuentro que tuvo con Snowden).

Por medio de flasbacks conocemos la vida de Edward, su gran intelecto, su intento fallido de entrar a la milicia, su patriotismo, su ingreso a la CIA y la NSA, su vida amorosa a lado de Lindsay Mills (Shailene Woodley) y las razones que lo llevaron a revelar el espionaje que hacia su nación.  Obviamente al ser ficción, Stone pone más dramatismo de lo que seguro sucedió (o quizá no).

En un mundo en donde la sociedad tenemos memoria a corto plazo, Snowden como el documental de Poitras Citizenfour (que ganó un Oscar como mejor Documental), sirven para no olvidar lo qué paso, ya que el mundo de la informática cada vez es de mayor importancia y el espionaje masivo tal vez siga ahí. Y con la incertidumbre y los actos que puede realizar el nuevo presidente de los Estados Unidos, Donald Trump, es un tema del que todos los países deben estar muy atentos, ya que va contra el derecho a la privacidad de todo ciudadano.

Oliver Stone regresó a lo que mejor hace, conspiración, crítica del sistema de su país (sean demócratas o republicanos). Una buena cinta de suspenso que recomiendo ampliamente que veas.

 

snowden-767575981-large


¿Quieres hacer cine en la Ciudad de México? Empieza por aquí

cineperiodismoGracias al desarrollo de la tecnología, cada vez es más fácil acceder a equipo de buena calidad para contar una historia. Sin embargo, lo que no ha variado es que la preparación técnica y creativa para hacer historias con calidad.

En #CinEspacio24 te ofrecemos una puerta de entrada para que tengas formación práctica y teórica, y hagas tu primer cortometraje, tu primer cineminuto, con ayuda de profesionales en una comunidad apasionada y participativa.

Además, si tienes cinefilia o quieres aprender sobre periodismo, puedes acercarte con nosotros.

 

En 2017 iniciaremos nuestros cursos y talleres. Checa nuestra cartelera:

  • Psicología en el cine. Inicio: lunes 16 de enero / 18 a 21 horas / 5 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-psicologia-en-el-cine/

  • Introducción a la Cinefotografía. Inicio: domingo 15 de enero / 11 a 14 horas / 10 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-cinefotografia/

  • Introducción al Maquillaje de caracterización. Inicio: domingo 15 de enero / 11 a 14 horas / 10 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-caracterizacion/

  • Introducción al Diseño sonoro para cine. Inicio: martes 17 de enero / 18 a 21 horas / 10 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-introduccion-al-diseno-sonoro-para-cine/

  • Historia mundial del cine. Inicio: martes 17 de enero / 18 a 21 horas / 10 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-historia-del-cine/

  • Historia del cine mexicano. Inicio: miércoles 18 de enero / 18 a 21 horas / 10 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-historia-del-cine/

  • Introducción al Guion cinematográfico. Inicio: miércoles 18 de enero / 18 a 21 horas / 10 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-de-guion-cinematografico-2/

  • Apreciación del cine de terror. Inicio: Sábado 21 de enero / 10 a 13 horas / 10 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-apreciacion-de-cine-de-terror/

  • Introducción al Marketing digital. Inicio: Sábado 21 de enero / 14 a 17 horas / 6 sesiones

Temario: http://cinespacio24.mx/taller-marketing-digital/

Para inscribirte a cualquier taller, sigue estos pasos:

  1. Aparta tu lugar con 500 pesos (liquida el resto en dos pagos) en el siguiente número de cuenta:

Banamex

Arturo Brum Zarco

Número de cuenta: 2138141

Sucursal: 4266

Clabe: 002180700921381411

  1. Confirmación. Envía tu comprobante de pago adjuntando tu NOMBRE COMPLETO al mail hola@cinespacio24.mx e ivan.quecha@gmail.com con Asunto: (ejemplo) pago del Taller Marketing Digital

Para más información, llama al 52075290, o manda un correo a hola@cinespacio24.mx

También puedes mandarnos mensaje en Facebook: https://www.facebook.com/cinespacio24/


Tres acciones inteligentes antes de grabar tu primer corto + descarga de checklist

ideasinteligentes

El consejo más importante que vas a encontrar sobre cómo empezar a hacer cine es: empieza a hacer cine YA. Como toda disciplina, irás aprendiendo poco a poco, y mejorarás sobre tus propios errores. Buscar hacer todo perfecto te va a inmovilizar, ¡ya ponte a grabar!

Ahora, toma en cuenta estas tres acciones inteligentes para que puedas comenzar con el pie derecho tu camino cinematográfico:

  1. Graba primero en exteriores. Si tienes planificado hacer las tomas de exteriores primero te van a ayudar mucho para ahorrar tiempo. Imagina que el día uno está nublado, puedes grabar el día dos los exteriores y seguir el rodaje; en cambio si grabas exteriores al final, y está nublado, vas a extender innecesariamente el rodaje.
  2. La comida es esencial. Si no tienes presupuesto para dar comida, trata de que tus grabaciones coincidan en horarios donde staff y actores ya puedan haber comido algo, en México generalmente es a las diez de la mañana y las cuatro de la tarde. Si no, es súper necesario que resuelvas el tema de la comida, pues mantendrá en alto la energía del proyecto: muchos sándwiches, refresco y frutas de temporada.
  3. Mantén el orden de las escenas. Una de tus labores en la dirección es mantener la coherencia y continuidad del cortometraje, por lo que es necesario que lleves el control de tomas y escenas para que la edición sea mucho más fácil. Usa un cuaderno, y si no tienes claqueta, usa un pequeño pizarrón u hojas para indicar cada escena. Te vas a ahorrar muchas horas calificando el material.

Descarga este PDF con una guía muy breve y esencial sobre las cosas que debes tener listas. Faltan muchísimas, pero tratamos de mantener lo esencial. Descarga el checklist

Si buscas un lugar en la ciudad de México para comenzar tu camino en cine o periodismo, acércate a #CinEspacio24, tenemos talleres sobre cine y periodismo para que tengas tu primer experiencia profesional y creativa. Llámanos al 52075290, o manda un correo a hola@cinespacio24.mx. También puedes seguirnos en redes sociales.

Cursos y talleres sobre cine y periodismo en 2017 CARTELERA

2010-03-02-122-roll-the-dice-spanish


“Café Society”, un buen chiste a la alta sociedad de los años 30

Reseña de la cinta Café Society. En su más reciente obra Woody Allen nos lleva a la década de los 30 y nos presenta a la sociedad del espectáculo de ese entonces de Hollywood y New York.

cafe-society-3

Por Arturo Brum Zarco

Desde que inició como director en 1969 con la película Take the Money and Run, Woody Allen ha estrenado una película cada año. Cintas que en ocasiones la crítica destruye u ovaciona. Así, ha hecho obras maestras que son catalogadas como iconos del cine: Annie Hall, Manhattan, Match Point, por mencionar algunas. Sean buenas o malas, según los expertos, considero que toda la filmografía de Allen, cualquiera, tiene cosas destacables.

Si es comedia, siempre tienen esa ironía hacia la vida, esa burla hacia lo intelectual, la paranoia ante lo que piensa el otro, chistes sobre judíos o una crítica hacia la sociedad estadounidense. Características que se encuentran en su más reciente obra Café Society, donde Allen nos lleva a la década de los 30 y nos presenta a la sociedad del espectáculo de ese entonces de Hollywood y New York.

En la película combina las dos ciudades y resalta la diferencia entre cada una de ellas; sin embargo, al final vemos que son más parecidas de lo que se piensa: el glamour y el ser conocido en la alta sociedad era lo importante (o lo sigue siendo). Pertenecer a un selecto grupo donde las anécdotas de cine y los chismes de la alta sociedad lo eran todo (o lo son).

Café Society nos narra la vida de Bobby Dorfman (Jesse Eisenberg) -que como en casi todas las obras de Wody Allen este es el personaje judío, paranoico y desconfiado- quien deja su vida en New York para probar suerte en Hollywood; donde su tío, Phil Stern (Steve Carell) es un importante agente de celebridades.

Después de ser contratado, Bobby conoce a la secretaria de su tío, Vonnie (Kristen Stewart), de quien se enamora inmediatamente; lo malo es que ella tiene novio, una persona influyente y poderosa en el medio del espectáculo.

Cansado de la falsedad de Hollywood y decepcionado del amor, regresa a New York, donde se hace gerente de un centro nocturno, propiedad de su hermano (un mafioso violento y asesino). Esto lo catapulta a la fama y se hace conocido entre la alta sociedad de la “Gran Manzana”.

Con esto, Allen nos muestra las dos partes de una sociedad del espectáculo que se estaba creando y los dos lugares principales donde se gestó: New York y Hollywood. Y nos contrapone a los dos por medio de Booby y su tio Phil, cada uno exitoso en su sociedad.

Con un gran trabajo de diseño de arte, una fotografía detallada para transportarnos a cada ciudad, un guion inteligente con diálogos y partes muy cómicas, la nueva película de Woody Allen tal vez no sea catalogada entre sus mejores trabajos, pero como toda su obra tiene cosas destacables que merece la pena ver. El único defecto grande que le encuentro a la cinta es la poca química en pantalla de la pareja principal: Eisenberg y Stewart.

Dirigida y escrita por Allen, se estrena este viernes 18 de noviembre y completan el reparto Blake Lively, Jeannie Berlin, Parker Posey, Corey Stoll y Ken Stott.

 

 

 

21-cafe-society-nocrop-w529-h835


“La llegada”, cinta sobre la importancia de la comunicación

 Reseña de “La llegada”. La película nos narra cómo llegan unas naves espaciales  a la tierra y aterrizan en diferentes puntos del planeta:  Estados Unidos, China, Rusia, entre otros. El problema es descubrir si vienen en paz o guerra.

 263267

 

Por Arturo Brum Zarco

Una mala comunicación puede ocasionar un desastre. Una mala interpretación a la hora de traducir un idioma podría llevar a una guerra. Es gracias al lenguaje que nos comunicamos, y de esa forma hemos establecido relaciones interpersonales y globales. En ese sentido, qué pasaría si vida extraterrestre llegará a la tierra, lo primero sería comunicarnos, pero cómo.

De eso trata la película de ciencia ficción La llegada, de la importancia del lenguaje, de la palabra escrita y hablada, de los acuerdos y de la comprensión del otro. En el fondo, la cinta es una crítica mordaz y actual a las relaciones internacionales entre los países y más en este tiempo donde el proteccionismo nacional culpa al país vecino por sus problemas.

La película, dirigida por Denis Villenueve (quien ya nos ha mostrado su calidad en cintas como Sicario y que será el encargado de la secuela de Blade Runner), nos narra cómo llegan unas naves espaciales (con forma de huevos) a la tierra y aterrizan en diferentes puntos del planeta: Estados Unidos, China, Rusia, Inglaterra, entre otros.

El problema surge cuando los líderes de cada país buscan la forma de comunicarse con ellos para saber si su objetivo es la paz o la guerra. Así, cada nación lleva a sus especialistas para intentar comunicarse con los extraterrestres (que son como manos gigantes).

Por parte de los Estados Unidos llevan a la Doctora Louise Banks (Amy Adams) experta en lingüística y al Doctor en física Ian Donnelly (Jeremy Renner) para que descifren el lenguaje de los visitantes y así saber qué es lo que buscan y quieren en la tierra.

Bajo el mando del Coronel Weber (Forest Whitaker) estos dos científicos descubrirán un idioma complejo y que nunca antes se había visto, el cual necesita tiempo y trabajo en equipo para poder traducirlo. Así, al principio cada nación comparte sus avances en comunicación con los extraterrestres; pero el miedo y la desesperación (una crítica a la inmediatez que los líderes buscan para resolver los problemas) hace que cada país cierre sus comunicaciones e intenten resolver el dilema por si solos, incluso utilizando armas.

La película juega con el tiempo, que es otro de los mensajes de la cinta, por medio de flashback, vemos que a la doctora Louise la atormentan dificultades del pasado o del futuro, las cuales son la clave para intentar unir al mundo y comunicarse con los alienígenas.

Una gran cinta de ciencia ficción bien escrita y quizá por momentos algo lenta, pero justificados para la reflexión y el mensaje que busca dar: la importancia de la comunicación y el trabajo en equipo.

La llegada está basada en un relatado titulado Story of your Life del escritor de ciencia ficción Ted Chiang. Con buenas actuaciones de Adams, Renner y Whitaker, es una de las mejores películas de dicho género que he visto últimamente y en tiempos donde las fronteras parece que se cierran cada vez más, esta cinta llega en un buen momento.

 

poster-la-llegada-denis-villeneuve

 

 


“La chica del tren”, un suspenso a medias

Reseña de La chica del tren. Rachel es una mujer que viaja alcoholizada todos los días en tren, el cual pasa por su antigua casa, para así ver a su exesposo Tom  con su actual pareja Anna y su nuevo bebé. De esa forma vive obsesionada con su pasado.

401396

 

Por Arturo Brum Zarco

La obsesión es una enfermedad, y como todo malestar necesita ayuda para desaparecer. Pero si además le agregamos problemas de alcoholismo, la personas que tenga estos dos males de verdad esta jodidisima (disculpen), y necesita ayuda inmediata.

 Y así es la protagonista de la película La chica del tren, personalizada de manera brillante por la actriz Emily Blunt. Dirigida por Tate Taylor (Historias cruzadas), está basada en la exitosa novela homónima de la escritora británica Paula Hawkins, quien creó una gran historia de misterio y suspenso. Características que le faltaron a la cinta.

Rachel (Blunt) es una mujer que viaja alcoholizada todos los días en tren, el cual pasa por su antigua casa, para así ver a su exesposo Tom (Justin Theroux) con su actual pareja Anna (Rebeca Ferguson) y su nuevo bebé. De esa forma vive obsesionada con su pasado, con su antiguo amor y deseando el bebé que ella nunca pudo darle.

Al mismo tiempo, se obsesiona con los vecinos de su exesposo, una pareja joven Megan (Haley Bennet) y Scott (Luke Evans), que a primera instancia parecen estar completamente enamorados y Rachel anhela eso, los ve como la pareja ideal y envidia lo que ellos tienen; y todos los días viaja en el mismo tren viendo las dos casas, creando historias, dibujando una vida que no es la suya.

Pero el alcohol la hace ir más allá de sólo mirar por el tren. Cuando decide bajar en un acto de ira y pánico, suceden cosas terribles, que ella al otro día no recuerda; entre ellas la desaparición de Megan. Así comienza una historia de suspenso para saber qué fue lo que paso.

La película nunca llega al suspenso deseado para mantener al espectador “atrapado en la historia”, pero sí consigue la reflexión de la obsesión y alcoholismo, que se logra gracias al trabajo de Blunt. Un thriller decente que le faltó intriga y misterio para convertirse en una buena película.

 

298907