El Alien y yo, una película incluyente

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Por Arturo Brum Zarco

“Con una película de humor negro y con tintes de incorrección política, logramos un buen producto de inclusión”, así definió el director mexicano Jesús Magaña a su nueva cinta El Alien y yo; un largometraje donde el protagonista es un talentoso tecladista con síndrome de Down.

Rita, (Inés de Tavira) la bajista; Lauro (Juan Pablo Campa), la voz, guitarra, y según él, líder de la banda, y Agus (Juan Ugarte), el baterista, son un grupo de punk con poco éxito conocidos como Da Feel. De pronto deciden darle un sonido diferente a su música y comienzan la búsqueda de un tecladista.

Después de varias audiciones fallidas conocen a Pepe (Paco de la Fuente), quien desde el principio demuestra sus grandes aptitudes para el teclado y para tocar el género que sea.  Sólo hay un pequeño problema: tiene síndrome de Down, que para Lauro no tiene importancia. Así, a pesar de la negación de Rita y Agus, Pepe, a quien de inmediato apodan El Alien, entra en la banda, y no sólo ayuda a que su punk suene mejor, los hace famosos.

Por tal motivo, buscan firmar un contrato con Don Gramófono (Carlos Aragón) un representante reconocido, quien los convence que el punk ha muerto y necesitan otro sonido. Y es de las privilegiadas manos de Pepe que logran crear un nuevo género: la tecnoanarcumbia. Olvidan el punk y se convierten en Los Puercos Pastel.

La cinta está narrada por Rita, ya que en varias ocasiones rompe la cuarta pared para explicarnos cómo el nuevo grupo llego a tener tanta fama gracias a Pepe; sin embargo, las drogas y los egos se hacen presentes con no muy buenas consecuencias.

El largometraje, que fue filmado en tan sólo 21 días (gracias a una producción impecable), es una comedia un tanto irreverente, muy predecible, pero con buen ritmo y un final incluyente, ya que el actor Paco de la Fuente en verdad vive con síndrome de Down.

Paco es oriundo de Torreón, Coahuila y estudió teatro musical por 10 años y en la pantalla demuestra su gran talento actoral. Según el director y sus compañeros de reparto, no hubo ninguna diferencia al trabajar con él.

Una interesante cinta mexicana que cuenta con cameos de Daniel Gutiérrez, vocalista de La Gusana Ciega; Meme, de Café Tacuba, Jessy Bulbo, y el grupo Quiero Club, entre otros. Se estrena este viernes 30 de septiembre.

 

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Monsieur Chocolat: el drama detrás de la comedia

Crítica a la cinta El Señor Chocolate

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Por Adriana Cabrera Pliego

(Alumna del taller de Crítica Cinematográfica )

El Señor Chocolate llega a México como parte del 20º Tour de Cine Francés. Se trata de la extraordinaria historia de un payaso de raza negra que se volvió famoso junto con el payaso blanco Footit, a finales del siglo XIX en Francia.

La narrativa se centra en la compleja pero estrecha relación entre estos dos personajes, dentro de un contexto en el cual la esclavitud de los africanos apenas empezaba a ser abolida en Europa. Gracias a la perspectiva que se le da en la película, podemos apreciar como el dueto de la comedia y el drama se entrelaza continuamente para definir el destino de tan afamados comediantes.

Rafael Padilla, mejor conocido como Chocolat, fue uno de primeros payasos de raza negra famosos en Francia. Junto con su compañero Footit, revolucionó este arte, al emparejar al sofisticado payaso blanco con el bobo (augusto). En este film, lo podemos ver representado por el carismático Omar Sy, que seguramente muchos recuerdan por Amigos (2011), y por películas de Hollywood como Jurasic World y X-Men: Días del futuro pasado. Con su fabulosa actuación, podemos tanto disfrutar de los sucesos felices, como ser empáticos con los tristes que ocurren a lo largo de su vida.

James Thierrée, que caracteriza a su pareja Footit, tampoco se queda atrás. Además de ser nieto de Charlie Chaplin, su gran trayectoria como cirquero, mimo, bailarín, actor y músico lo convierte en la opción ideal para personificarlo. A parte de mostrarnos algunas de sus habilidades, su seria representación le va dando forma al drama que presenciamos con este largometraje. Su personaje que en un principio parece frío y distante, acaba demostrando que en realidad era prudente y de buen corazón.

Llama la atención que a pesar de que estos personajes eran diferentes no sólo en raza, sino también en personalidad, juntos logran montar el espectáculo más exitoso de sus carreras. De igual forma, el director Roshdy Sem, nos muestra la otra cara de la comedia, la perversión detrás de la risa. Sus actos estaban conformados principalmente por situaciones en las cuales Footit ridiculizaba a Chocolat, principalmente con cachetadas y otro tipo humillaciones. Dado que en esa época, las personas de raza negra no eran consideradas como parte de la sociedad europea, sino como una versión primitiva del ser humano, este tipo de situaciones le resultaba sumamente hilarante al público espectador.

De esta manera, El Señor Chocolate se convierte en un escenario donde los opuestos chocan y se mezclan continuamente para hacer reír y llorar, crear y destruir. Una película sumamente interesante, pero además ligera en su desarrollo. Por ello, no nos debe sorprender que esté teniendo éxito tanto en su madre patria, como en el resto de los países donde se exhibe.

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¿Hasta dónde llegarías por ser inmortalmente bello?

Crítica de la Cinta El Demonio Neón

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Por Dahet Castro Ramos

(Alumna del taller de Crítica Cinematográfica)

Pertenecer al mundo del modelaje equivale a tener la vida resuelta, caminar por las pasarelas, eres el ícono de la alta costura y te conviertes  en la réplica exacta de la belleza; la cinta El Demonio Neón (Nicolas Winding Refn,2016) rompe con los estereotipos para sacar a la luz la verdad sobre la Industria.

Jesse (Elle Fanning) es una chica inocente de dieciséis años que se muda a Los Ángeles en busca del sueño americano, en donde gracias a su natural hermosura logrará conseguir su objetivo. ¿Pero a costa de qué? Con el paso del tiempo, se convertirá en la Lolita de los hombres y en la causa de celos de las mujeres. “La belleza no lo es todo, es lo único” es lo que gira en torno a ella, ya que ella dice carecer de alguna virtud.

Las tres Barbies humanas: Ruby (Jena Malone), la maquillista de cabecera de Jesse, Gigi (Bella Heathcote), la mujer biónica y la invisible Sarah (Abbey Lee) serán el motivo principal de la perdición de Jesse al estar basadas en “La condesa sangrienta”.

La directora de fotografía Natasha Braier (El cazador, 2014) se enfoca en “lo bello por fuera y feo por dentro” con los diferentes tonos neón, contrastando lo vintage para algunas escenas, logrando que el espectador tenga una experiencia llena de éxtasis y emociones encontradas.

El compositor de la banda sonora Cliff Martinez (Solo Dios perdona, 2013) con ambientación durante todo el transcurso de la película, hace pasar por alto la música, avivando así la esencia del largometraje.

El visionario Director Winding Refn te transportará durante 120 minutos a un cine de suspenso, con el objetivo de plasmar lo que una alma pura puede desencadenar a su alrededor, haciendo uso de simbología para dar énfasis a los temas centrales de la película.

El Demonio Neón logra abarcar todo el abanico de audiencia, haciéndote reflexionar sobre el estatus logrado por el aspecto físico en la sociedad.

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Star Trek Beyond, crítica

 

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Manuel Magaña

Twitter @magas2

(Alumno del Taller de Hollywood en al Mira)

No sólo los Trekkie o Trekker (los fans de hueso colorado que cabe mencionar son todo un fenómeno cultural muy interesante) disfrutaran de esta película, contiene mucha acción que cualquier persona ávida de un rato de esparcimiento podrá disfrutarla.

Realmente es un buen Blockbuster de la franquicia, ya queestá bien lograda. La única pretensión es la de entretener al espectador cualquiera que sea, sin olvidar la esencia que nos revoca a lo que es Star Trek, o lo que sus fans reclaman.

La tripulación del USS Enterprise regresa en donde la predecesora dejo (Star Trek: Into Darkness) y vaya forma de cumplir años de esta franquicia, justo el 8 de septiembre pasado cumplió sus 50 años de haber iniciado y se puede decir que se conmemora con esta película que forma parte de esta trilogía de “nueva generación”.

Siendo fiel a su historia longeva, el director Justin Lin, reconocido por crear grandes secuelas de acción en la franquicia de Rápidos y Furiosos, retoma los viajes espaciales de exploración por parte de la Federación Galáctica, y convierte un Rápido y Furioso espacial,  los cuales incluyen a la conocida tripulación hermanada, ya en este momento de la saga comandada por el Capitán James T. Kirk, el cual en esta tercera entrega se acerca más al personaje que los Trekkie o Trekker están esperando.

De igual forma los personajes como el Comandante Spock, el doctor Leonard “Bones” McCoy, muy atinado en sus diálogos y el peso que se le dio en esta película, el Ingeniero Scotty que cada vez sobresale más en cada entrega, el navegante y tercer oficial Hikaru Sulu, que por cierto se destapa su afinidad sexual de una forma muy fina sin interrumpir la secuencia de la película y hasta podría decirse que pasa inadvertida de primera instancia.

El USS Enterprise es enviada a una misión de rescate en una nebulosa cercana después de abastecerse en una base estelar de la Federación llamada Yorktown. Aquí inicia la aventura donde son emboscados, para lo cual deben enfrentar a un villano llamado Krall y su ejército, que de primera instancia luce aterrador y realmente no se ve cómo podría salvarse alguien.

Después entenderemos (tal vez muy tarde y apresurado) porque el resentido Krall actúa de esa manera en contra de la Federación.

La película se mueve entre buenas escenas de acción que involucran a cada uno de los personajes de una manera donde los vemos más “humanos”, y el espectador puede encontrar una buena empatía con ellos, también durante varios minutos y fieles a las aventuras en el espacio y el toque de Justin Lin que en ocasiones nos mantienen con mucha tensión hasta no saber cuándo acabara esto.

Podemos decir que la saga ha alcanzado el reconocimiento para continuar y ser aceptada por  los Trekkie o Trekke,r los cuales verán con mayor agrado las secuelas que probablemente continúan, así como los nuevos fans que se irán incorporando

No es la mejor de las tres pero cumple……“Larga vida y Prosperidad”

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¿Cómo me deshago de esta vida tan monótona?

Crítica de la película El bebé de Bridget Jones

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Por Dahet Castro Ramos

(Alumna del taller de Crítica Cinematográfica)

El bebé de Bridget Jones (Sharon Maguire, 2016) es la Chick Flick de ¿Qué paso ayer? (Todd Phillips, 2009) al presentarnos que la disconformidad hacia la vida y lo que pasa en torno a ella puede ser la perdición al salirse de la zona de confort.

Bridget Jones (Renée Zellweger) es la típica soltera cuarentona de clase media alta, cuya vida cae en la rutina y, por ende, es cero interesante. Un día, su compañera de trabajo la lleva a un festival de música, en donde se encontrará con Jack Qwant (Patrick Dempsey) un sensual magnate creador de un sitio popular de citas, con el cual tendrá una noche loca de pasión que ninguno de los dos olvidará.

Por otro lado, se encuentra el abogado divorciado Mark Darcy (Colin Firth), ex de Bridget, con quién también tendrá “un encuentro amoroso” en el bautizo de su ahijado; ambas situaciones serán la causa de que la prueba de embarazo salga positiva y será ahí, en donde el espectador y la protagonista se verán forzados a preguntarse: ¿de quién es el bebé?

El personaje de Bridget es la sátira a la tendencia de siempre estar en la búsqueda del placer o el bienestar en todos los ámbitos de la vida y a pesar de que aparentemente tiene una “vida bien”, necesita de un príncipe azul que mantenga a su hijo.

El largometraje se desenvuelve en la actualidad, por lo cual los millenials es la generación que predomina y que se crítica de forma exagerada al representar al clásico hípster, un individuo con barba, lentes de aviador y que hace uso del smartphone de moda para poder subir a las redes sociales lo que comerá y beberá en sus frascos de mermelada.

Con una duración de 122 minutos, llega el feminismo en su máximo esplendor para dejarte con “Libertad a la próxima”, siendo el único libro que es enfocado durante el transcurso de la película y pese a que las probabilidades serán a lo que le apueste la gente, el amor será el que quedará victorioso.

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La idolatría por el Demonio Neón

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Por Adriana Cabrera Pliego

(Alumna del taller de Crítica Cinematográfica )

Después del éxito del director, o todólogo, el  danés  Nicolas Winding Refn con Drive en los premios Cannes, El Demonio Neón generó mucha expectativa para los seguidores del género. En ella se plantea una dura mirada al superficial mundo del modelaje, desde una perspectiva reflexiva acerca de la idolatría del ser humano hacia la belleza.

El propio largometraje funciona como una muestra de su despiadada crítica, al mostrarnos bellas imágenes y sonidos encuadrados de manera admirable. No obstante, el argumento cae en su propia trampa, ya que tras la forma encontramos un fondo con muy poca profundidad.

Jesse, representada por Elle Fanning , es una modelo muy joven y bella que recientemente entra al mundo del modelaje.  Como parte de su introducción conoce a una maquillista y sus supuestas amigas: hermosas por fuera pero evidentemente serpientes por dentro. Al principio de la historia, Jesse se presenta vestida de blanco, como una huérfana con una imagen pura y limpia de cualquier intervención. Su presencia llama inmediatamente la atención del fotógrafo y diseñador más exigente y difícil de impresionar.

Su belleza se convierte en un bien deseado, admirado e idolatrado, de tal forma que nos lleva a cuestionar el sentido de su desesperada búsqueda. En un mundo rodeado de personajes de figuras perfectas que constantemente nos hacen conscientes de nuestros defectos físicos, esta introspección se convierte en una posible escapatoria, pero solamente es una sensación momentánea.

En este film el director nos muestra su propia idolatría por la belleza. A lo largo del mismo  podemos disfrutar de escenas cuidadosamente coordinadas entre luces y música, con lo cual logra combinaciones hermosas. Su autocrítica viene cuando el fotógrafo que incursiona a Jesse en el modelaje cuestiona al famoso diseñador por su admiración a la belleza superficial sobre la interior (¿acaso es Nicolas?). El magnate de la moda le responde astutamente que si no fuera por este hecho, él tampoco estaría con la protagonista.

Es en este momento donde la película da el giro más fuerte hacia lo siniestro y grotesco de tal idolatría. El personaje representado por Keanu Reeves, si bien podía haber sido representado por cualquier otro actor con el mismo resultado, saca lo más violento y repugnante de su ser. De la misma manera lo hacen el resto de los personajes. Es aquí donde el argumento se marchita con imágenes impactantes y sumamente grotescas (la recomendación tiene que venir con advertencia).

No hay más reflexión, el demonio se come a la crítica y toca fondo demasiado pronto para acabar de cambiar algo en alguien. Y es de esta forma como El Demonio Neón se convierte más bien en un thriller con tintes de crítica social.

 

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Te prometo anarquía – reseña

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Por Manuel Magaña Tejeda

Twitter @magas2

Alumno del taller de Crítica y Hollywood en la Mira

Delincuencia, violencia, drogas, desapariciones, jóvenes en la miseria son parte de esta película que narra la historia de Miguel y Johnny, amigos, amantes, skaters.

Una buena historia que cuenta la crisis en México, los problemas de un sector de la sociedad. Estos dos adolescentes, uno de familia acomodada y el otro viviendo en la miseria, los unen dos cosas: ser skate y patinar sin rumbo en las calles  y el amor, ese amor que puede destrozarnos.

Un guion que nos lleva de un lugar a otro, al principio sin rumbo pero poco a poco se van uniendo las piezas de una historia que parecía solo amor y deseo.

Todo comienza con la obtención de dinero fácil, una forma de vida relativamente sencilla, ellos son “ordeñados” como lo dicen en la jerga de la película, que básicamente es vender su sangre en el mercado negro, esto aunado a una relación entre ambos de una forma física y carnal.

Durante la trama nos muestra una visión de la subcultura skate, medianamente bien llevada, tocando algunos puntos buenos, pero claro el objetivo no era ser un documental de esta subcultura ni la venta de sangre en el mercado negro de esta ciudad de México.

En la trama vemos este idilio de amor entre ir y venir en las calles, hoteles, el metro, donde también se puede ver un poco la vida de los vagoneros que abundan en esta gran ciudad, junto con la forma de sobrevivir siendo ordeñados.

Así vemos cómo indirectamente negocian con el crimen organizado y los hace romper la relación entre ambos y escapar, pero a la vez ser propios cada uno de su naturaleza como ser humano y de cómo se encaja en esta sociedad dependiendo de su nivel socioeconómico.

Existe un dicho que dice, “dime con quién andas y te diré quién eres”, y esto es justamente lo que nos muestra el director Julio Hernández Cordón una película que también es visualmente muy atractiva: cada uno de los paisajes, las calles, puentes.

Una mezcla de la insensibilidad en el ser humano ante la necesidad de sobrevivir, buscar la salida fácil ante todo, darle la vuelta y aplicar el querer tener todo con el mínimo esfuerzo. De cómo la sociedad se ha ido degradando por el beneficio de unos cuantos, lo descarado que pueden ser y lo peor es que creen que es lo correcto y lo más normal.

Una película que nos mueve fibras muy sensibles, pasas de sentir lástima a estar indignado a sentir una rabia por la injusticia, por cómo se puede manejar la sociedad en ciertas circunstancias.

Una muy buena película, recomendable, nos abre los ojos ante este México en el que vivimos, a ver con otra cara a los que se ganan la vida honradamente pero que pueden ser los más vulnerables por tratar de ganar unos centavos más para comer.

Por favor vayan a verla sobre todo sin prejuicios ni tabúes ya que abarca varios temas que pudieran ser sensibles para algunos.

 

 


Ben-Hur 3 o cómo convertir lo épico en efímero

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Por Adriana Cabrera Pliego

Recordado recientemente en el medio internacional por películas como Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros (2012), en esta ocasión el director ruso Timul Bekmambetov nos ofrece una nueva versión de Ben-Hur. Con esta producción Timul demuestra que tiene una irrefutable habilidad para convertir lo histórico en banal. Si las comparamos con sus dos antecesoras (1925 y 1959), este largometraje denota un esfuerzo mediocre capaz de generar un resultado de igual calidad.

Hasta ahora, las películas de Ben-Hur se habían constituido como un parte-aguas en la historia del cine. Aunque la primera es muda, la magna producción que se requería con los limitados recursos tecnológicos de la época, obligó a sus creadores a innovar y resolver las escenas compuestas por miles de espectadores de una manera extraordinaria. No obstante que el dinero recaudado no fue el esperado (4 millones USD invertidos vs 10.7 millones recaudados), con su proyección la recién creada MGM se consolidó como una de las productoras más importantes de Hollywood.

Posteriormente, tenemos a la épica y multi-premiada versión dirigida por William Wyler. Esta película no sólo sorprendió por la calidad de su producción y dirección, sino por las excelentes interpretaciones de los personajes, lo que permitió que recaudara casi 10 veces lo invertido (de 15 a 146.9 millones de dólares).

Ante este escenario, un segundo remake de Ben-Hur podría resultar un reto inmenso, aunque con la debida dedicación, podría constituirse como una fórmula segura para el éxito, sobre todo con el antecedente de la última versión de Mad Max. Los fans de Ben-Hur no esperarán para ver la recreación de las históricas escenas cinematográficas producidas con los recursos actuales, y quizá en este aspecto no se vean decepcionados. Pero si tomamos en cuenta que, después de un trabajo de más de 5 años, la primera versión dejó huella en la manera que se filmaban las películas, y en la segunda incluso hubo un “sacrificio humano” (dos si contamos el de uno de sus productores), entonces el esfuerzo más reciente queda inevitablemente sofocado.

Como protagonista tenemos al inglés Jack Huston, que seguramente lo recordaran por películas como Orgullo, Prejuicio y Zombies (2016), La Gran Estafa Americana (2013) y El viaje más largo (2015). ¿No? Quizá porque en todas estas películas es a lo mucho un personaje secundario. Lo anterior nos lleva a pensar que quizá en su elección influyó el hecho de que es hijo del legendario director John Huston, así como parte de la aristocracia británica. Aunque le des el beneficio de la duda, su trabajo no lo salva, ya que nos muestra que, según él, para transformar su personaje fue necesario y suficiente darle una entonación estilo Batman, El Caballero de la Noche. De esa forma, la actuación de Huston acaba siendo tan plana como el resto de su carrera.

Pero no todo está perdido. En esta película contamos nada más y nada menos con la participación del gran Morgan Freeman. El momento en que aparece es un respiro de alivio y esperanza de que al fin veamos una interpretación que realmente valga la pena. No obstante, tal respiro se convierte en una carcajada ante su espectacular melena rastafaria, que más bien parece estambre para fabricar morrales hippies. Su familiar desempeño no decepciona en lo absoluto, pero el desarrollo del personaje deja un eslabón perdido cuando de viejo avaro se convierte en un padre adoptivo.

Entre los aspectos más relevantes nos queda el guión que se utilizó en esta ocasión. Posiblemente, para los más grandes admiradores de la versión original, cualquier cambio resulte un sacrilegio para la esencia de Ben-Hur. Sin embargo, también puede convertirse en un área de oportunidad, ya que puede ofrecer al público un final alternativo igual o mejor que el film anterior. Pero desgraciadamente este no es el caso, y no porque tenga un tinte mucho más optimista y palomero, sino porque el giro que se le da a la historia resulta completamente inverosímil.

Ante este escenario, no se puede más que vislumbrar que las únicas huellas que dejará la versión de Ben-Hur de 2016 será la de su nombre en las carteleras, en los boletos de cine, en algunos mensajes de correo y celular, en cheques y facturas, y en todas aquellas impresiones digitales que con el tiempo tendrán que ser irremediablemente borradas del mundo del cine y la memoria. Es así como pasará a la historia, de manera tan efímera como el Abraham Lincoln que se dedicaba a cazar vampiros.

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Te odio, pero así te quiero: “Me estás matando Susana”

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Por Dahet Castro 

Me estás matando Susana (Roberto Sneider, 2016) es una película basada en la novela Ciudades desiertas (José Agustín, 1982) en donde el machismo y el feminismo se fusionan para dar a luz a una pareja mexicana.

Eligio (Gael García) es un hombre machista, que se gana la vida siendo un actor mediocre, coquetea con la mujer que se le ponga en frente y realiza comentarios obscenos suavizándolos con tintes cómicos sobre su esposa Susana (Verónica Echegui), quién es una mujer escritora que tiene el conflicto de ser afectiva con él.

¿Pero realmente Eligio está por encima de ella? Cuando Susana se va de su casa de manera repentina y sin previo aviso para irse a estudiar al extranjero, los roles se ven intercambiados.

Susana es el arquetipo de la liberación femenina, de un ser libre y capaz de superarse en el ámbito laboral, por lo cual no tiene la necesidad de tener la aprobación de nadie.

Sneider logra adaptar la novela original a nuestros tiempos, desde la actuación de Gael García en donde el objetivo es mostrar a un patán, con lo cual logra reprimir su entraña amorosa hacia Susana, pasando por las diferencias interculturales entre Estados Unidos y México hasta la manera en la que Eligio encuentra a Susana por medio de la página oficial de la universidad.

Basada en la “Literatura de la onda”, en la cual José Agustín es uno de los representantes, Me estás matando Susana llega a la pantalla grande para que decidas con qué fuego quieres quemarte.

 

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La delgada línea amarilla, reseña

 

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Por Arturo Brum Zarco

Me gusta manejar en carretera y sobre todo en esos caminos que son de sólo dos carriles de ida y vuelta, donde te acompañan grandes árboles, zonas desérticas o paisajes que parecen abandonados; sin embargo, jamás había reflexionado sobre esas líneas amarillas que dividen los carriles, sobre quienes las pintan. Y es que gracias a esas guías viajamos con mayor seguridad. Son señales que nos hacen llegar al destino o encontrar el camino.

Sobre quienes pintan esas líneas, y con la metáfora de encontrar nuestro destino, son los temas que aborda la cinta mexicana La delgada línea amarilla, primer largometraje del director Celso R.  García.

El filme nos cuenta la historia de cinco personas que son contratadas para pintar las líneas amarillas en una carretera con poco tránsito y en condiciones deplorables. Así el jefe de obra Toño (Damián Alcázar), un personaje lúgubre y solitario que vive atormentado por su pasado, dirige el trabajo para trazar casi 200 kilómetros de camino, y lo tienen que hacer en quince días, antes que llegue la temporada de lluvias.

Junto a él van Atayde (Silvero Palacios), un tipo jocoso que trabajaba en un circo; Gabriel (Joaquín Cosío), quien conducía un tráiler, pero por problemas visuales tuvo que abandonar el trabajo que tanto amaba; Mario (Gustavo Sánchez Parra), un delincuente reformado que les hará pasar un mal rato y Pablo (Américo Hollander), el más joven de todos, personaje del que va depender la anécdota de la cinta.

De esa forma vemos cómo con el liderazgo y experiencia de Toño realizan su trabajo. Asimismo, las vicisitudes que sufren para concluir su tarea, aunque es una carretea poco transitada es una labor de alto riesgo. También, nos hace participes de los lazos que crecen entre ellos a pesar de sus diferencias; para que al final cada quien a su modo encuentre su propia delgada línea amarilla.

Se estrena en las salas mexicanas este viernes 2 de septiembre. Una buena película que, si bien tiene algunos problemas de ritmo y lugares comunes de las road movie, nos adentra en un mundo desconocido para la mayoría de los que manejamos, pues sin esas líneas sería difícil, quizá imposible, andar por el camino.

 

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