Crítica a Jason Bourne

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Rafael Contreras

Alumno del taller de Crítica Hollywood en la Mira

Jason Bourne, la quinta película de la saga de Jason Bourne. Titulo poco creativo, nos empuja a tener que referenciarla como ‘’La quinta película de Jason Bourne’’. Es un action-thriller relativamente original, que nos presenta a Matt Damon como Jason Bourne, un espía/mercenario atormentado por su pasado y su historia dentro de la CIA, constantemente huyendo y tratando de desenvolver alguna verdad sobre su vida.

Como cualquier película de espías y acción, la trama gira alrededor de ciudades importantes con pequeños cameos en ciudades turbias, generalmente donde se desarrolla ‘’La verdad que buscan exponer’’. Utiliza referencias reales y agrega toques ficticios, un ejemplo es la crisis ecónomica de Grecia.

Presentándonos antecedentes en los primeros minutos del filme, nos contextualiza rápidamente, y nos trae a Jason Bourne nuevamente siendo perseguido por la CIA, ya que es una amenaza (como siempre). El argumento es básicamente el mismo que el de sus precuelas, sin embargo, aún logra picarnos con sus persecuciones y su alto ritmo.

El filme nos trae al legendario Tommy Lee Jones en el papel del antagonista principal, también incluye al francés Vincent Cassel, cuyo nombre nunca mencionan y siempre es referido como ‘’The Asset’’ o ‘’El Activo’’ y es el rival directo de Jason Bourne, personaje con una ligera inclinación hacia lo cliché, el clásico espía extranjero contra el espía estadounidense.

Jason Bourne está cercano a convertirse en un clásico del cine Hollywoodense, junto a sus similares Misión imposible y Rápidos y Furiosos, es un título que seguramente seguirá siendo explotado por años con secuelas sutilmente recalcando los miedos modernos de la sociedad estadounidense.

En comparación de sus precuelas, Jason Bourne nos trae más acción que nunca. Con escenas explosivas y llenas de adrenalina, nos recuerda que cuando se trata de una película de acción entre más imposible y exagerado, mejor.

La película nos cierra con Bourne una vez más burlando a la CIA y nos abre pauta para una posible y muy probable secuela. Finalizando con el tema clásico de la saga, Extreme Ways de Moby mientras el protagonista camina hacia el horizonte.

La película deja buen sabor de boca, es una saga en la que podemos confiar y nuevamente nos sirvió lo pedido. Es una película típica de acción que incluye todos sus elementos, su poca profundidad y grandes escenas la logran convertir en un éxito infalible.


El engaño del siglo (The program)

Por Ana Michelle Rivera

“Se trataba de ganar a cualquier precio”

–       Lance Armstrong

poster el engano del sigloEl ciclista Lance Armstrong, ganador de “Le tour de France” siete veces consecutivas, es retratado en esta película de ficción, donde se muestra el modelo de entrenamiento intensivo al que sometió, que incluyó drogas ilegales.

Es una película basada en el libro de David Walsh: “Siete pecados capitales: Mi persecución de Lance Armstrong”. Se trata de una producción británica-francesa protagonizada por Ben Foster, quien muestra como la fama y la sed de victoria pueden convertir a las personas en seres prepotentes y egocéntricos. Su comportamiento hace que pierdan todo lo que creían que habían conquistado.

Este filme por un lado cuenta el desarrollo de la carrera del ciclista Lance Armstrong, desde sus inicios, donde fue visto como un aficionado por los competidores europeos, para después retratar su lucha contra el cáncer testicular. Esta enfermedad lo motiva a crear su fundación contra el cáncer “Livestrong” y a volver al ciclismo, donde viene la parte fraudulenta de su vida.

En su retorno, se involucra con el “entrenador” Michele Ferrari (Guillaume Canet), quien crea un programa de alto rendimiento usando la droga EPO para aumentar el nivel de oxigenación en la sangre durante las competencias. Con su ayuda, Armstrong logra la obtención de siete títulos en el “Tour de Francia” donde resulta que solamente era un falso ídolo.

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Por otro lado tenemos a David Walsh (Chris O’Down), un reportero del periódico “The Sunday Times” que persigue a Armstrong durante trece años en busca de pruebas sobre el uso de drogas para culparlo de fraudes en la obtención de sus títulos. Lo complicado de esto, es que la primera información la obtiene a través de cifras contradictorias que no puede comprobar sobre sus niveles de oxigenación y sus pruebas de sangre limpias.

Un film intrigante e interesante, ya que se puede ver cómo hizo Lance Armstrong para que todas sus pruebas de drogas salieran negativas y las que no, cómo es que logra comprar el silencio de las personas, incluso cómo calla a sus cómplices en varias ocasiones, y evade las acusaciones durante años mediante la lástima y la compasión que obtuvo por medio del cáncer y su asociación contra él mismo.


Epitafio, la conquista de la naturaleza

 

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Por Arturo Brum Zarco

Epitafio es una película contemplativa, que nos transporta por medio de bellas imágenes a los primeros españoles que subieron el volcán Popocatépetl, con el objetivo de conquistar a los aztecas de Tenochtitlan. Así, para adentrarnos en ese ambiente, es una cinta con pocos diálogos, con sólo tres actores y con un lenguaje visual onírico.

Es 1529 y bajo el mandato de Hernán Cortés, tres conquistadores españoles subieron a la cima del volcán, de más de 5400 metros de altura. Una tarea nada fácil, ya que enfrentaron a la naturaleza y al temor de lo desconocido.

Al principio de la cinta vemos a los tres acompañados por un grupo de indígenas tlaxcaltecas, quienes les insisten en que no suban. Sin embargo, éstos no hacen caso e inician su travesía, donde mientras más suben más sufren.  Pero su misión tiene una importancia relevante para Cortés; ya que el volcán contiene algo que les ayudará a conquistar Tenochtitlan.

De esa forma vemos que a  pesar de sus vicisitudes, demuestran su amor a su patria, a su Dios, a la conquista y sobre todo el honor que es para ellos llevar acabo las órdenes de su General. Mientras más avanzan, menos hablan y eso es un acierto de la película, ya que el espectador comparte con ellos la falta de aire en un ambiente cada vez más inhóspito.

Con la dirección de Yulene Olaizola y Ruben Imaz y con las actuaciones de Xabier Coronado, Martín Román y Carlos Triviño, el largometraje se filmó en las faldas del Popocatépetl y las escenas de más altura en el Pico de Orizaba, en Veracruz.

Según los directores, la anécdota de la película está basada en los textos de la conquista de nuestro país, sobre todo del libro Historia verdadera de la conquista de la Nueva España, de Bernal Diaz del Castillo.

La música de la cinta  fue creada por los músicos Alex Otaola y Pascual Reyes (miembros del grupo San Pascualito Rey), quienes realizaron una banda sonora con el misticismo y el dramatismo que se requería para esta lucha entre lo humano y lo natural.

Epitafio se estrena este viernes 19 de agosto y sólo estará en algunos cines de la Ciudad de México como la Cineteca Nacional, Cine Tonalá, Cinépolis Universidad, Cinépolis Diana, entre otros. Asimismo, se podrá ver en Guadalajara, Toluca, Monterrey y Puebla.

Una película para los que les gusta el cine contemplativo. Una obra que, si bien aborda la conquista de los pueblos indígenas mexicanos, no lo hace desde la perspectiva sangrienta que todos conocemos. Nos muestra la fortaleza humana contra la naturaleza.

 

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Llega el nuevo Ben Hur, más efectos poca originalidad

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Por Arturo Brum Zarco

Una de las escenas más emblemáticas de Hollywood es la carrera de cuadrigas (carros tirados por cuatro caballos) de la película de 1959 Ben Hur, protagonizada por Charlton Heston y dirigida por William Wyler, cinta que por cierto ganó 11 premios Oscar. Por tal motivo, al ser un filme icono en la historia del cine, y ahora que sigue la moda de hacer remakes, era lógico que Ben Hur tuviera una nueva versión.

Este viernes 19 de agosto llega a las salas mexicanas otra cinta de Ben Hur, está filmada para 3D y cuenta con toda la tecnología necesaria para que ahora la carrera de cuadrigas sea más espectacular. Sin embargo, ni con los avances en efectos especiales supera a la original, al contrario, la nueva trama es floja y en varios casos demasiada absurda.

Si bien, tanto la original y la actual están basadas en la novela homónima escrita por Lewis Wallace en 1880, la cinta entra en el género de películas con temáticas bíblicas. En ese sentido, es común en este tipo de cine ver cosas mágicas llamadas milagros. De esa forma, Ben Hur resuelve todo de manera sencilla utilizando el recurso de que todo se arregla con milagros.

El tema principal de la cinta es el perdón. Donde no importa la afrenta que te cause tu prójimo, el perdón calma tu alma y corazón. Así, Judah Ben- Hur (Jack Huston) un joven príncipe judío de Jerusalén, que se caracteriza por su mensaje de paz e igualdad entre su pueblo y los romanos, se enfrentará a su amigo de la infancia, el romano Messala (Toby Kebbell), quien se convertirá en tribuno del ejército y atacará y traicionará a la madre y hermana de su ex compañero.

Despojado de todos sus privilegios y alejado de su familia, Ben-Hur es sentenciado a ser esclavo como galeote en una galera del ejercito romano, donde estará por cinco años. Hasta que por cuestiones milagrosas escapa y conoce a un comerciante y apostador Sheik Ilderim (Morgan Freeman), quien lo ayudará a dominar la carrera de caballos y por consiguiente su venganza.

Dirigida por Timur Bekmambetov, conocido por cintas como Abraham Lincoln: cazador de vampiros y Se busca, es un largometraje entretenido, sin embargo, les aseguro que a diferencia de  la obra de 1959 no ganará ningún Oscar.

 

 

 

 


El documental que Janis Joplin merecía


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Por Arturo Brum Zarco*

@arturobrum

Janis Joplin fue una cantante adelantada a su época. Su rasposa y melódica voz era ideal para el rock, blues, jazz, country y soul. Fue un icono de la contracultura en los años 60. En este tiempo y con una corta carrera se convirtió en un ídolo de la juventud.

Sin embargo, desde muy joven tenía problemas de autoestima, se consideraba fea. Ya como adulta le gustaba beber en exceso y quizá cuando su fama alcanzó niveles inesperados, su único aliado fue la droga, se inyectaba heroína.

Janis Joplin tuvo un paso fugaz por la vida, murió, desafortunadamente, de una sobredosis a los 27 años de edad. A pesar de su corta vida, y de sólo grabar tres discos y uno póstumo, dejó en la historia de la música y del arte a una de sus más grandes exponentes. Y es que para muchas artistas y cantantes actuales, Janis es la precursora de todo un movimiento femenil en la música.

De eso se trata el documental Janis: Little Girl Blue, película dirigida por Amy Berg y narrada por la cantante Cat Power. La cinta aborda la vida de Joplin desde su infancia hasta su penoso desenlace, por medio de su correspondencia personal y de entrevistas a las personas más cercanas a ella, como los miembros de su primera banda y sus dos hermanos, entre otros.

A través del largometraje, conocemos a la chica que nació en 1943 en Port Arthur, Texas, un lugar que en palabras de la propia Janis no fue muy amable con ella, ya que desde que era niña y por su baja autoestima debido a su físico, recibió burlas y humillaciones de sus compañeros de escuela.

La cinta nos lleva cronológicamente desde su salida de Texas hacia San Francisco, sus primeros acercamientos a la música, sus influencias como Odetta, Billie Holiday y Big Mama Thornton, sus grupos: Big Brother and the Holding Company , Kozmic Blues Band y Full Tilt Boogie Band.

Asimismo, nos hace cómplices de sus amores, de los que creía que estaba enamorada y aquellos que le rompieron su corazón. Así, vemos a una Janis con miles de fanáticos pero que al final se sentía sola: “Hago el amor con 25 mil personas en el escenario y luego vuelvo a casa sola”, declaraba.

A pesar de ese sentimiento lúgubre y solitario, la cinta hace hincapié en los momentos felices de la cantante, nos muestra imágenes de ella sonriendo, contando chistes, socializando y lo mejor de todo nos regala momentos únicos de Janis en el escenario, cuando por medio de su música y baile le hacía el amor a todos los presentes.

Gran acierto del documental no enfocarse tanto en su problema de drogas, e introducirnos a la gran artista que en tan poco tiempo dominó el mundo con canciones como Piece of my heart, Cry baby, Maybe, Summertime.

Si te gusta la música, si amas a Janis, Janis: Little Girl Blue es un documental que no te puedes perder. Una película  de una mujer adelantada a su época, que sólo le bastaron 27 años para ser eterna.

 

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 *Periodista y realizador. Director y Editor en CinEspacio24 Noticias. Colaborador en Cio Noticias y Oculus Todo el Cine. 


Tres películas poco conocidas (y muy buenas) para ver si te gusta la Psicología (segunda parte)

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Hay en todo cinéfilo la intención de comprender las películas más allá de los diálogos y las acciones, quizá este interés surja por el deseo de querer apropiarnos de las historias y los personajes que nos conquistan y nos trasgreden con su imagen a cuadro, sus decisiones y sobre todo sus complejas (o no tan complejas) estructuras mentales.

Puede ser también que sólo buscamos nuevos referentes para confirmar o desahuciar nuestras teorías acerca de los porqués de nuestras películas favoritas. No importa el motivo, la psicología siempre será (para bien y para mal) guía de nuestras distintas miradas y amor por el cine, aquí te recomendamos otras tres películas poco conocidas donde la psicología hace presencia y nos deja con ganas de querer preguntar y responder más.

Mira para la primera parte de este listado.

Opio: Diario de una mujer poseída

site_28_rand_769429407_opium_627(Hungría 2007)

La historia se cuenta a principios del siglo XX, en un hospital psiquiátrico. Gizella es una mujer que padece esquizofrenia, además de alucinaciones de tipo auditivo tiene un trastorno obsesivo compulsivo y no puede dejar de escribir, por el contrario el nuevo médico que la atiende: el Dr. Josef Brenner tiene un bloqueo literario y es por eso que se refugia en el hospital y sus enfermos, además de que es dependiente y sobrelleva a diario con dosis de morfina la angustia de no poder escribir más. El director húngaro Jónas Szasz nos deja ver por medio del encuentro de estos dos seres entre una gran iluminación y fotografía el discurso social de la psiquiatría y una historia casi perfecta de amor.

Buenas Noches Mamá

1442565920_267055_1442567896_noticia_fotograma(Alemania, 2015)

En una lujosa y minimalista casa de verano, dos gemelos de entre 8 y diez años reciben a su joven madre que ha regresado de una cirugía plástica, ella tiene el rostro vendado, está cansada e indiferente, los niños comienzan a sospechar que quizás esta mujer no sea su mamá, a lo que idean un plan doloroso para hacerla confesar. Esta producción alemana del año 2015 dirigida por Veronika Franz y Severin Fiala , nos impone con una historia de sufrimiento psicológico, nos aterroriza con la idea de tener que defendernos de quien más debería querernos   y nos sorprende con un trastorno mental muy bien escondido hasta el final.

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(Reino Unido, 2008)

Por lo general relacionamos directamente a la psicología en el cine con una enfermedad mental o con algún problema que genere suspenso o terror psicológico, pero en esta película la psicología permea todos los diálogos y situaciones que vive la protagonista haciendo lo contrario. Ésta comedia inglesa del 2008 dirigida por Mike Leigh la solución de las “grandes” crisis que llegan después de los 30 años son resueltas con sentido común, voces graciosas y mucho optimismo, aunque parecería un argumento reduccionista y cursi, esta cinta está tan bien hecha que no resulta simple, más bien lleva de manera visual la propuesta de la psicología humanista: tratar de resignificar en nosotros y en los otros los momentos de felicidad que se presentan todos los días.

¿Qué otra película te gustaría recomendar sobre este tema?

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El domingo 29 de enero de 2017 a vamos a tener taller de Psicología en el cine,  revisa el temario en este enlace: http://cinespacio24.mx/taller-psicologia-en-el-cine/

 

 


La Última Ola, entretenida y disfrutable

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Por Cass Monterrubio

La cinta es la clásica película de desastres naturales, al estilo de En el tornado e incluso podría ser como Lo imposible, aunque no llega a la desesperación que genera la última. Por momentos se parece también a películas como Everest, en las que se debe sobrevivir a las adversidades de la naturaleza.

La Última Ola (del director Roar Uthaug) es un film noruego, que cuenta las dificultades a las que se enfrenta una familia después de una avalancha en la cadena montañosa Ăkneset, que provoca un tsunami con olas de 80m de alto en Geianger, pueblo en el que viven.

Las actuaciones no son excelentes, pero tampoco son malas, son lo suficientemente creíbles como para que el público sienta que los personajes están en peligro.

El problema del largometraje está en que se presentan muchos personajes y no se desarrollan las historias de todos. Al principio nos presentan a un equipo de geólogos y se concentra en ellos, por lo que nos hace pensar que se tratará de un film situado en las montañas, con los geólogos en campo luchando por sobrevivir la avalancha. Pero a partir de que ocurre el deslave se centra en la familia, su supervivencia y su recuentro

Los efectos especiales son decentes, ya que por momentos se puede ver el CGI en la ola, pero imagino que por la misma razón la película se desarrolla de noche, para poder tener menos iluminación y evitar que se noten cosas como esas.

La fotografía falla en algunos momentos, en algunas escenas (sobre todo al principio) hay movimientos innecesarios de la cámara, por ejemplo, en las escenas donde los personas corren las tomas se mueven mucho.

A pesar de durar 1:45, no se siente larga, la trama se desarrolla a un paso constante, con algunos puntos de climax –como el tsunami-, pero nunca se siente lenta, aunque considero que el desenlace ocurre muy fácilmente.

En general es una película “palomera”, a pesar de ser una producción noruega está hecha al estilo de Hollywood, es entretenida y disfrutable.