Dos locas en fuga

Dos Locas En Fuga

Por Mariana Esquivel

Los primeros 2 proyectos de Pacific Standard, la casa productora de Reese Witherspoon fueron Gone Girl y Wild, ambas, películas interesantes que dieron bastante de que hablar, en esta ocasión, la actriz y ahora productora nos presenta una comedia bastante plana.

La agente Cooper (Reese Witherspoon) es una oficial que sigue las reglas al pie de la letra, pero después de usar un arma eléctrica de aturdimiento que quemó por error al hijo del alcalde es relegada a trabajar detrás de un escritorio. Para subir de puesto, debe custodiar a Riva (Sofía Vergara) una sensual colombiana que es testigo protegido en el caso contra un narcotraficante.

Por separado tenemos a 2 actrices exitosas y taquilleras que han dado excelentes resultados en lo que hacen, por un lado Witherspoon, actriz ganadora de un Oscar por su actuación en Walk the Line (James Mangold, 2005) y nominada este año por Wild y por el otro, Sofía Vergara, sensual colombiana que durante los últimos años se ha vuelto una sensación gracias a su papel de “Gloria” en la comedia Modern Family, pero ¿Qué pasa cuando están juntas en pantalla? Citando al personaje de Vergara en la cinta, la figura de Witherspoon luce “Como una pequeña perrita que podría poner en su bolso”

No hay ni pizca de química entre las actrices, entre un acento sureño y un retorcido inglés ni ellas mismas se entienden y por más que conduzcan un auto descapotable no sonThelma y Louis(Ridley Scott, 1991), atrás se queda la natural habilidad de Witherspoon para la comedia y la simpatía con la que Vergara suele llenar la pantalla.

Anne Fletcher, directora de cintas como La Propuesta y 27 bodas, nos entrega esta comedia que no tiene ni pies ni cabeza, es una película sin gracia, aburrida, poco interesante.

La trama tiene carencias, los chistes son repetitivos, resulta incoherente que Vergara se la pase quejando de los prejuicios que existen sobre las latinas y que termine representando todo eso.

Tal vez influya que los guionistas de la cinta sean hombres (David Freeney y John Quaintance), pero entre las escenas de lesbianismo forzado y los chistes sobre la menstruación no hay cohesión.

Lo rescatable son las tomas falsas que pasan durante los créditos finales pues resultan más graciosas que la película entera.

 


Pero te están diciendo

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Por Iván Ramírez

Muchas personas quieren hablar con sus seres queridos que han fallecido y recurren a los espiritistas, pero si los expertos les dicen que no lo hagan es por alguna buena razón, si no lo hacen, no tendríamos historia que contar y clichés gastados del cine de horror. La Noche del Demonio 3, nos cuenta la historia de “Quinn Brenner” (Stefanie Scott) una adolescente la cual va en busca de “Elise Rainier” (Lin Shaye), una espiritista, para que la ayude a contactarse con su madre fallecida, está trata de ayudarla pero fracasa y le pide que no vuelva a tratar de contactarse con su madre.

En su debut como director Leigh Whannell (escritor y co-creador de Saw), quien además escribió el guión de los tres capítulos de la franquicia, hace un trabajo siguiendo la formula de las entregas pasadas, tomas oscuras donde en el fondo se ven sombras, flashes del personaje demoniaco, el sonido de huesos retorcidos y el toque de comedia auspiciado por el mismo, en el papel de “Specs” y su amigo “Tucker” (Angus Sampson) algo así como el gordo y el flaco de cazafantasmas. En su inicio como director, Leigh hace un pequeño homenaje a el Resplandor de Stanley Kubrick, con las tomas de los pasillos y aparición de seres del más allá.

Lo más creíble del filme, por decirlo de algún modo, es la exposición de los adolescentes de hoy en día, jóvenes amantes de vinilos viejos, que le toman fotos a su comida para subirlas a Instagram y que se la pasan viendo videos en YouTube, creyendo que mucho de los videos de fantasmas  que ven en la red, con unos cuantos efectos de edición, son verdaderos.

En resumen La Noche del Demonio Capítulo 3 cumple como cualquier película de horror de verano, suficiente para saltar una que otra vez y reírse en algunos momentos. Si llegas a ver huellas en el piso, como las que te dirigen a la juguetería en el centro comercial, piénsalo dos veces antes de seguir el camino, sino serás el próximo personaje de película que le dirán, ¡pero te están diciendo!


Eco de la montaña. Viaje sagrado en imágenes

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Por Mariana Esquivel

Seguramente has visto la entrada del metro estación Bellas Artes. En 1997, el gobierno francés se la obsequió a México y, como intercambio, el entonces presidente Ernesto Zedillo regaló un mural de 80 paneles huicholes (mal instalados) con millones de chaquiras que decora el metro, estación Museo de Louvre, en París. El creador de la obra, de origen huichol, Santos de la Torre, no fue invitado a su inauguración, y sin que le pagaran la totalidad de su obra, se regresó a su lugar de origen “a levantar cosecha”.

El documental Eco de la Montaña (México-EU, 2014) de Nicolás Echevarría, por una parte, es una denuncia, la que mediante imágenes muestra cómo el territorio sagrado huichol está amenazado por empresas mineras, que desde hace tiempo quieren establecer minas a cielo abierto en la zona de la Sierra de Real de Catorce, en San Luis Potosí, para explotar y comercializar.

Por otra parte es un eco de esperanza, un viaje cósmico, que con una espléndida fotografía a cargo de Sebastián Hoffman (Halley 2012), te guía en este viaje sagrado a Wirikuta, descubrimos la cosmogonía de los huicholes, sus tradiciones y creencias. El documental muestra un mundo repleto de colores y de forma contemplativa nos enseña el trabajo de Santos, un hombre sabio y carismático que va contando cómo nace el Sol, el fuego y el hombre desde el diseño de su nuevo mural, hasta su total concepción.

Motoapohua es el nombre huichol de Santos que significa Eco de la Montaña y eso representa fiel y literalmente, pues su voz es una resonancia de todos los huicholes que defienden su lugar sagrado y piden que no sea invadido ni dañado.

A través de la mirada de su protagonista, vemos que los huicholes son un pueblo olvidado, que viven aislados e ignorados por su país, no hace falta la presencia de etnólogos ni antropólogos para que la cinta sea una reflexión sobre las raíces y cultura de los huicholes.

La zona de Wirikuta ha sido incorporada por la Unesco a la Red Mundial de Lugares Sagrados Naturales y está en un proyecto de lista para convertirse en Patrimonio Cultural y Natural de la Humanidad. A través de los 620 kilómetros que recorre Santos de la Torre en la Ruta del Peyote, vemos también el proceso creativo del artista durante la realización de un nuevo mural que reflejará la historia, las creencias y las prácticas religiosas del pueblo huichol.

El retrato de esa cultura, gracias a este documental etnográfico, y a otras representaciones artísticas como la del corto animado “Kauyumari el venado azul” (Arnold Abadie, 2013) que también muestra la cultura de los huicholes, resultan esenciales para mostrarnos lo poco que nos queda del corazón de la tierra y para que hagamos algo para contribuir con el equilibrio del universo.

 


Jurassic World, una aventura en tacones

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Por Paula García

La espera terminó para miles de fans que esperaban con ansia la cuarta entrega de la saga de dinosaurios más popular de todos los tiempos. Hablamos de Jurassic World dirigida por Colin Trevorrow y producida por Patrick Crowley, Frank Marshall y Steven Spielberg. En su primer fin de semana en cartelera ha roto varios récords, resaltando el de el Estreno más taquillero de todos los tiempos, superando a “Avengers”, que ostentaba el mismo título desde el año 2012.

Protagonizada por Chris Pratt (“Owen”) y Bryce Dallas Howard (“Claire”), el filme revive la euforia por los dinosaurios en un siglo XXI, que tal como se retrata en la película, ha perdido el interés en los “terribles lagartos” pues parece que la ciencia nos ha dicho de ellos todo lo que había que saber.

Ese es el motivo que impulsa a la industria In-Gen a crear un dinosaurio híbrido más grande, más feroz, más inteligente y “con más dientes”: el Indominus Rex, la atracción principal del parque temático ideado hace 22 años por John Hammond. Ahora dirigido por “Simon Masrani” (Irrfan Khan) quien “no escatima en gastos” para lograr que el parque, funcional durante los últimos 10 años, reavive el interés de los visitantes.

Jurassic World resulta ser un homenaje tanto a si misma haciendo guiños y referencias a películas anteriores, como a algunos trabajos clásicos de Steven Spielberg como “Indiana Jones” y “Jaws”. Nuevamente los héroes de la película son los velociraptores y el T-Rex, el romance entre Claire y Owen resulta forzado, además de que no es casualidad que la mujer autosuficiente, intachable, distante, soltera, sin hijos y adicta al trabajo, terminé siendo “domada” por el machista estereotipo de amaestrador de fieras.

Por si lo anterior, no fuera suficiente, Claire vive la aventura de esta disaster film calzando unos coquetos tacones y un peinado casi imperturbable hasta el final de la película, los dos hermanos, “Gray y Zach Mitchell” (Ty Simpkins y Nick Robinson)  logran arreglar un jeep de más de 22 años sólo con el conocimiento de haber ayudado a su abuelo, entre otras muchas ironías e inconsistencias.

Si gustan de los dinosaurios vayan, aunque bajo el pretexto de que todos los dinosaurios del parque son híbridos, no es recomendable llevar al sobrino experto en la era mesozoica, porque cada 10 segundos les explicará qué dinosaurios jamás convivirían juntos y por qué muchas características del Indominus Rex son inverosimiles.

Ésta taquillera película finalmente cumple con su cometido de avivar la llama de la nostalgia de toda una generación, un obsequio de un gran fan de Jurassic Park (Colin Trevorrow) para otros fans. El guión nos queda a deber pues las historias personales de los personajes no resultan relevantes en el desarrollo de los acontecimientos. Los efectos especiales no son malos, pero sinceramente la franquicia nos ha acostumbrado a mejores cosas con menos tecnología. Vale la pena darle seguimiento a Ty Simpkins y Nick Robinson pues lamentablemente el argumento no les permitió explotar su prometedora capacidad histriónica.

 


Cuatro trabajos de Joss Whedon fuera del Universo Marvel

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Joss Whedon siempre será recordado por ser parte esencial para la creación  cinematográfica del  Universo Marvel, ya que dirigió  y escribió las dos primeras películas de los vengadores: The Avengers y Avengers: era de Ultrón; y un poco menos  por hacer el primer episodio de la serie Agents of S.H.I.E.L.D.

Sin embargo, hay mucho más de este director que vale la pena conocer; es decir, no sólo tenemos que agradecerle las escenas de acción en las películas de superhéroes o los bellos momentos que nos ha regalado con Natasha Romanoff/ Black Widow.

1.-  Una buena adaptación de “Mucho ruido y pocas nueces”

Entre las dos películas que hizo Whedon de los Avengres, se dio el lujo de escribir y dirigir la película Mucho ruido y pocas nueces, una buena adaptación de la obra homónima de William Shakespeare.

El largometraje fue filmado en 12 días y tuvo como locación la casa del director. Fue bien recibida por la crítica y demostró la calidad de Joss para hacer cine independiente.

 

 

2.- Nos hizo reír al dirigir dos episodios de The Office

The Office es una sitcom que narra las aventuras de los empleados de la compañía Dunder Mifflin, quienes se dedican a vender papel y tienen que aguantar las excentricidades de su jefe Michael Scott (Steve Carrell).

La serie fue una de las más exitosas en su tiempo, en la que Whedon tuvo la posibilidad de dirigir dos episodios: Business School y Branch Wars

 

 

 

3.- Creó la serie Buffy, la cazavampiros

Casi siempre las historias de vampiros son un éxito; ahora si le pones a una chica atractiva que caza a vampiros es seguro que la fórmula dará buenos resultados. Gracias a la mente de Whedon tuvimos a Buffy, la cazavampiros y disfrutamos a Sarah Michelle Gellar destruyendo a dichas criaturas.

 

 

 

4.- Fue parte de los guionistas de Toy Story

Muchos disfrutamos de Woody y Buzz Lightyear y parte de eso se lo debemos a Whedon, ya que fue parte del equipo creativo  de Toy Story


Un asesor de lujo detrás de IntensaMente

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El crecimiento de la divulgación científica y el pensamiento crítico han marcado una diferencia notable en la forma en que se nos presentan los discursos cinematográficos, sobre todo en el terreno de los blockbusters infantiles, pues con el acceso informativo, se ha modificado el concepto de “inocencia” en los niños, e Intensamente, la nueva película de Pixar – Disney lo demuestra con creces.

Una niña se enfrenta a grandes cambios en su adolescencia temprana, donde los recuerdos que antes le daban sentido a su vida, poco a poco van perdiendo la fuerza que tenían antes. Antes ese proceso, sus estados emocionales, tienen que hacer increíbles esfuerzos para mantenerla feliz, pero en ese proceso, se encuentran ante retos que desconocían.

Desde Shrek se inició el cambio de discurso, donde ya no hay humor “inocente” en las películas, sino que van cargadas de referencias, guiños a humor adulto, y general, personajes que no buscan cosas abstractas, como “hacer el bien” o “perseguir el amor” (como la sirenita), sino metas en específico que les dan un gran viaje espiritual.

El asesor de los guionistas de Intensamente es Dacher Keltner, uno de los investigadores sobre psicología más importantes de la actualidad, quien además ha lanzado una iniciativa llamada Proyecto Awe https://www.calprojectawe.org/surveys, interesante y divertida. Además, ha formado equipos para impulsar nada más y nada menos que Google y Facebook.

“La película sugiere que, en cierto modo, todas las emociones tienen su propósito, y que está muy en línea con la ciencia reciente”, señaló el investigador.


Bastante disfrutable, apoyada en algunas cosas científicas que la hace atrayente, pero también con buenas licencias creativas para volverla MUY divertida, probablemente pueda gustarte como a los niños que les gusta cada vez el cine menos “inocente” y más desparpajado.


Memorias de Manhattan en una realidad contemporánea

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Por Alan García Luna

Poner en venta tu departamento quizá no pueda ser la mejor idea a menos que necesites el dinero, ya no te guste el vecindario, tus vecinos te caigan mal o simplemente por cualquier otra razón.

Memorias de Manhattan (5 Flight Up, Richard Loncriane, 2014) es una historia llena de emociones, recuerdos y lecciones que afronta una pareja de adultos interpretados por Diane Keaton y Morgan Freeman, juntos hacen una dupla entrañable que simplemente reflejan su amor y las decisiones que ambos deben tomar tras poner en venta su departamento en el barrio neoyorquino, donde también en ocasiones se ve ligeramente la crítica hacia las nuevas generaciones con tendencias hipsters, orgánicas y las cosas superfluas.

La película está basada en el libro Heroic Measures, de Jill Clement. Pero sin duda la película es buena, tiene a dos actores reconocidos que actúan de una forma tan natural, el guión se adapta a la realidad, la fotografía ayuda mucho en los momentos de las tomas de calle, inclusive en donde Alex y Ruth están sentados mirando el puente.

A manera de flashback hace que el filme juegue con tus sentimientos como el romanticismo, pues resultará buen pretexto si vas acompañado de tu pareja.  Inclusive la película toca temas que son de interés como la pareja que no pudo tener hijos y que optan por tener un perro como compañía como si fuera su hijo, el prejuicio por la interracialidad,  el terrorismo y hasta el término de las “casas abiertas” usadas en el sector de las bienes raíces.

Este tipo de películas siempre invitan a reflexionar sobre el tema de llegar a la vejez, el compartir tu vida con una persona, el tener que lidiar con una sociedad moderna y tecnológica hasta pensar en la jubilación y llevar tantos años de matrimonio.

No importa a donde te mudes o con quien, como bien dice uno de sus protagonistas Alex Carver: “quizá las vistas sean para gente joven que aún tienen cosas que ver”.

 



Cinco películas de relaciones conflictivas entre padre e hijo

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Cuando eres niño ves a tu padre como un superhéroe; sin embargo, cuando ya eres un adulto (y si tu padre no aplicó la clásica “voy por cigarros”) las cosas cambian y los conflictos comienzan. Regularmente por cuestiones ideológicas, es común que existan discusiones entre padre e hijo.

Como ejemplo, seleccionamos estas cinco películas donde padre e hijo  se enfrentan,  y al final descubren que son más parecidos de lo que se imaginaban. Filmes que te harán reflexionar sobre la relación que tienes con tu padre.

 

Por Redacción CinEspacio24 Noticias

 

1.- Nebraska

Woody Grant es un anciano con síntomas de demencia, alejado de sus hijos por sus problemas de alcoholismo. Todo cambia cuando decide ir de Montana a  Nebraska para reclamar un premio falso de un millón de dólares, de una revista.

David, su hijo, lo acompaña en dicha travesía, donde comprende más a su padre y lo ayuda a cumplir con su objetivo.

Dirigida por Alexander Payne, la cinta estuvo nominada a Mejor Película y el actor Bruce Dern, quien da vida a Woody, ganó en Cannes el premio a mejor actor.

 

 

 

2.- Big Fish

William Bloom no tiene una buena relación con su padre, Ed Bloom, ya que piensa que siempre le ha contado mentiras y nunca ha compartido con él la verdad de su vida.

Después de enterarse de que padece una enfermedad terminal, William comienza una investigación sobre su padre, donde descubre que las historias, incluso las fantásticas, tienen mucho de real.

Protagonizada por Ewan McGregor, Albert Finner, Helena Bonham Carter y Marion Cotillard. De los mejores trabajos del director Tim Burton.

 

 

3.- Invasiones Bárbaras

Rémy es un profesor con una fuerte ideología socialista, quien lleva una pésima relación con su hijo, un empresario exitoso, quien después de enterarse que su padre tiene cáncer terminal, hace todo lo necesario para que los últimos días de su padre sean inolvidables, incluso conseguirle cosas ilegales.

Es un filme franco-canadiense que  ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera en 2003.

4.- Billy Elliot

Jackie Elliot, quien trabaja de obrero en una mina,  quiere que su hijo Billy tome clases de box para que se convierta en un “hombre”; sin embargo, el niño descubre que su pasión es bailar. Así, después de varias discusiones, Jackie hará lo necesario para que su retoño cumpla sus sueños.

 

 

5.- La oveja negra / No desearás a la mujer de tu hijo

En estas dos películas conocemos a Don Cruz Treviño Martínez de la Garza (Fernando Soler) un charro muy “hombre” según él,  con rancho, dinero y muchas mujeres. Su hijo, Silvano Treviño (Pedro Infante), tiene que respetar a su padre incluso cuando este engaña a su madre, le quita su trabajo o intenta robarle a su novia.

Ambas dirigidas por Ismael Rodríguez, son filmes donde Pedro Infante y Fernando Soler se avientan unas peleas memorables, de lo mejor del cine mexicano.

 

 

¿Qué películas agregarías a la lista ?


Cinco películas de Estudios Ghibli que no dirigió Miyazaki pero tienes que ver

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Por María del Rocío Trejo López

Desde que se fundó, el 17 de junio de 1984, hasta que cerraron sus puertas, el 3 de agosto de 2014, Estudios Ghibli nos dio grandes películas animadas que nos hicieron reír, llorar, reflexionar e imaginarnos mundos maravillosos donde la magia era posible.

Entre los creadores del estudio, Hayao Miyazaki y Isao Takahata, el primero es el más popular, ya que sus películas han tenido mayor impacto en el público; sin embargo, Ghibli no es sólo Miyazaki y para muestra estos cinco grandes filmes de diferentes directores que participaron en dichos estudios.

1.- La tumba de las  luciérnagas (Dir. Isao Takahata)

La película narra la historia de dos hermanos durante la Segunda Guerra Mundial  y los acontecimientos que los llevaron a intentar sobrevivir sin importan las dificultades que se interponían en su camino. Es conmovedora y te hace reflexionar sobre la vida.

 

2.- Pompoko, la guerra de los mapaches (Dir. Isao Takahata)

Ingenuos e impulsivos, así son los mapaches y están dispuestos a todo con tal de que los humanos no destruyan su hogar. Esta película te hará reflexionar sobre la urbanización y como destruimos bosques sin tomar en cuenta a los animales que habitan ahí.

 

 

 

3.- Haru en el Reino de los gatos (Dir. Hiroyuki Morita)

Haru es un estudiante normal, hasta que le salva la vida a un gato, lo que provoca que su estilo de vida dé un giro de 180°, ya que empezará una aventura que cambiará su percepción de la humanidad , llevándola a madurar y comprender más de lo que imaginaba.

 

4.- Arriety en el mundo de los diminutos (Dir. Hiromasa Yenobajashi)

Existe una leyenda sobre unos diminutos hombres que viven bajo una mansión en Koganei, Japón. Esos seres permanecían ocultos hasta que Arriety, una chica audaz, conoce a Shō­ el nuevo inquilino, con el que vive una aventura que amenaza la existencia de la familia de los diminutos.

 

 

5.- El cuento de la Princesa Kaguya (Dir. Isao Takahata)

Anunciada como “El crimen de una princesa y su castigo” nos relata una historia conmovedora  sobre una niña nacida de un bambú cortado y convertida en una hermosa princesa. El filme está basado en la leyenda de la Princesa Kaguya perteneciente al folclor japonés. Además, lo bonito del filme es que está hecho con trazos de acuarela.

 

 

Ghibli

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Life Itself: Un homenaje a la vida de Roger Ebert

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Por Paula García

En primer lugar, cabe decir que es paradójico escribir una crítica cinematográfica sobre una película documental basada en las memorias personales que escribiera un crítico cinematográfico en la que sería la última recta de su vida.

“Wow, mis memorias serán documentadas bajo la dirección de Steve James, con Martin Scorsese y Steven Zaillian como productores ejecutivos”, dijo al respecto quien fuera uno de los más reconocidos críticos cinematográficos que ha tenido Estados Unidos, el aclamado Roger Ebert. Quién, para nuestra mala suerte, no alcanzó a ver la película terminada aunque sí estuvo al tanto de los detalles durante su realización, contribuyendo con sus recuerdos y obviamente con su amplio conocimiento cinematográfico.

Jamás sabremos como hubiera calificado él la película que cuenta su vida desde su nacimiento en la zona rural de Illinois, su incursión en el periodismo y la crítica cinematográfica, su madurez profesional al ser el primer crítico de cine en ganar un premio Pulitzer, hasta su fallecimiento en un hospital como consecuencia de un cáncer de tiroides, probablemente le hubiera dado “Two thumbs up”…

El documental tiene un buen ritmo, pues las amistades, colegas y familia de Ebert ayudan al espectador al sumergirse en la intimidad del afamado crítico, aportando una visión más íntima y humana sobre la vida del también guionista. Hablan, sobre su adicción al alcohol, su carácter fuerte y entusiasta, su afición a los bares de Chicago, y su dificultad para relacionarse.

El filme retrata también la relación laboral y personal entre Roger Ebert y Gene Siskel, que aunque durante el casi cuarto de siglo que trabajaron juntos parecía basada en contrapunteos y contrastes, no obstante, con el fallecimiento de Siskel, Ebert acepta que los errores y problemas de ego de ambos no permitieron lo que hubiera podido ser una maravillosa amistad.

La esposa de Roger Ebert, Chaz es un personaje clave de la vida de Roger Ebert y por tanto para el filme, pues se muestra a una mujer fuerte y entusiasta de poder ayudar a su esposo a no perder la esperanza ni la fuerza para luchar por su vida. Y aunque en momentos la vemos conteniendo las lágrimas, Steve James hizo un gran trabajo en enfatizar, no el drama, sino que el gran amor que Roger y Chaz se profesaron les dio a ambos la fortaleza para enfrentar los tiempos difíciles.

Life Itself, es sin duda un recomendable documental que cumple el objetivo de rendir un amistoso homenaje al crítico cinematográfico que reseñara gran parte de la producción cinematográfica de los siglos XX y XXI.